El soft rock (‘rock suave’) es un estilo musical, que se distingue de otros tipos de rock por el uso de distorsiones poco saturadas en las guitarras, melodías fácilmente asimilables y letras poco controvertidas. Otras denominaciones, como AOR (adult oriented rock: ‘rock orientado a adultos’), se refieren básicamente al mismo fenómeno
Características
Sonido y letras
El soft rock suaviza, de manera consciente, las aristas instrumentales propias del rock tradicional, tanto en la búsqueda de sonidos (guitarras a bajo volumen, baterías relajadas...) como en la altura de la propia voz, normalmente cantando en tesituras altas, falsetes, etc.
La selección de las letras, tiende hacia la búsqueda de temáticas sin confrontación, planteadas en lenguaje coloquial (sin ser vulgar), con especial incidencia en las cuestiones amorosas, la vida cotidiana y las relaciones de amistad.
Instrumentación
Aunque muchas canciones del estilo son rítmicamente sencillas, con métricas por lo general en compás de 4/4, la complejidad alcanzada en su intrumentación es destacable (por ejemplo las voces en "Somebody to love" de Queen, o la programación de sintetizadores en Daft Punk).
Instrumentalmente se caracteriza en que a la base estándar del rock le agrega de piano, sintetizadores y secuenciadores, y, con frecuencia, saxofón y otros instrumentos de viento, utilizados como background, así como en los cortes u obligados de la canción, con un manejo de voces similar al jazz o el soul. Sin embargo, la actividad melódica de estos intrumentos es poco habitual en el estilo.
Raíces musicales
El soft rock se desarrolla, prácticamente y de manera paralela, sobre la totalidad de los géneros dentro del rock, y tiene sus raíces en el rock & roll melódico de The Beatles y de los Beach Boys, en la década de los sesenta.
Aunque han existido grupos que, desde su primeras grabaciones, han estado siempre enmarcados en el soft rock (caso de bandas como Toto o Foreigner), lo usual es que grupos que inicialmente desarrollaban otros géneros, hayan ido suavizando sus composiciones conforme avanzaban en edad y antigüedad, hasta quedar totalmente enmarcados en este estilo (por ejemplo, Chicago y The Eagles).
Historia
Primeros tiempos
El soft rock, como género diferenciado, tiene sus primeras referencias a comienzos de los años setenta, en principio como reacción al crecimiento del heavy y al rock progresivo, que dominaban el rock de la época, pero también como reflejo del cambio de prioridades culturales, producido por el baby boom (‘explosión de bebés’, el crecimiento demográfico de la posguerra en EEUU).
El nuevo género, va a llenar el espacio comercial que quedó vacío con la práctica desaparición de la música pop de principios de los años sesenta, desarrollando una nueva música pop, apropiada para quienes habían educado sus gustos musicales juveniles en el campo del rock.
Popularidad
El soft rock llega a ser muy popular en EEUU (y un poco más tarde, también en Europa), hacia finales de los años setenta. En 1977, algunas cadenas de radio, como la New York’s WTFM o la WYNY, también de esa ciudad, se especializan casi monográficamente en el género.
En esta época, algunos grupos que anteriormente habían militado en otros géneros, consiguen ventas millonarias en todo el mundo. Es el caso de Chicago, con el single If you leave me now (un paradigma del soft rock), o de Led Zeppelin, con All my love.
Evolución
Durante los años ochenta, el género evoluciona, alejándose cada vez más de los parámetros originales del rock, conformando una categoría propiamente pop, especialmente en Europa, y fusionando elementos de otras músicas de carácter popular (country, brit pop, etc.).
En general, el soft rock ha sido un género tan popular, como poco apreciado desde los medios especializados. El cómico estadounidense George Carlin dijo al respecto: «El rock suave no es rock ni música. Solamente es suave».
Sin embargo, es preciso ser cauteloso con este tipo de aseveraciones, ya que en este género puede incluirse buena parte de la música pop de los años ochenta y noventa, incluyendo temas de mucha calidad musical.
Adult oriented rock
El Adult Oriented Rock (AOR) (aunque no queda claro el origen de las iniciales, otras teorías lo traducen como "Album Oriented Rock" ó "Album Oriented Radio"), es una variante del estilo musical conocido como Rock melódico. Su nombre (Adult Oriented Rock) en español, quiere decir "Rock orientado a adultos". Se caracteriza por sus trabajados estribillos y melodías y su armonía vocal e instrumental. Se caracteriza por ser una ramificación del rock duro pero con la comercialidad característica del pop. Es un rock apto para casi todos los públicos sin la aspereza del rock puro.
Tuvo su inicio en el período que va desde 1976 a 1980 aproximadamente, cuando empezaron a tener éxito las emisoras FM principalmente en USA y que demandaban músicas con un sonido más depurado ante las nuevas posibilidades que ofrecía la frecuencia modulada y el sonido en estéreo. En aquella época bandas como Eagles, Fleetwood Mac, Boston, Journey,Toto, etc ofrecieron discos notables con ese fin.
A partir de 1980 aproximadamente, el AOR vivió su auge como estilo musical, muchos grupos conocidos coquetearon con este género para desvincularse de él por motivos comerciales cuando así se lo dictaron sus compañías de discos. Entre estos últimos destacan bandas ó solistas tan variopintos como Bon Jovi, Bryan Adams, ó Michael Bolton. Sus más genuinos representantes entre otros, son los grupos norteamericanos Toto, Journey, Boston,Foreigner ó Survivor
Fuente: Wikipedia
lunes, 13 de abril de 2009
JAZZ ROCK
El jazz rock es uno de los subgéneros musicales que se desarrollaron en los últimos años 1960 y comienzos de los 1970. Enmarcado inicialmente dentro de una corriente más amplia, el Rock Progresivo, conformó su propio lenguaje y desarrolló varias líneas de características bien definidas. Los principales grupos radicaron en los Estados Unidos, pero también hubo ejemplos interesantes en Inglaterra y otros países, incluidas España y Latinoamérica.
Los años 70 fueron la década más visible para la fusión, pero el estilo ha estado también bien representado durante épocas más recientes.
Características musicales
Todas las variantes del género, incluyeron una serie de elementos característicos propios:
En relación con la estructura del ritmo
Aunque se siguió generalmente el tipo de compás cuaternario propio del rock, las líneas del bajo y la batería, recogieron modos típicamente jazzísticos, especialmente durante los solos.
En relación con los arreglos
Aunque en muchos casos los arreglos para las secciones de viento se limitaron a la armonización de los riff de guitarra clásicos del rock, en otros se produjeron verdaderos arreglos para voces instrumentales diferentes, al modo de las bandas de jazz. La influencia en éstos, varió desde los claramente influenciados por el bop, como en los primeros discos de BS&T, hasta los que tomaron sus raíces en las orquestas de swing, como en el caso de Chase. En algunos casos (Dzyan, The Flock...) la influencia de las improvisaciones y arreglos colectivos del free jazz fue evidente.
En relación con los solos instrumentales
Aunque el concepto de solo ya era conocido y usado por el rock anterior a 1967, en el jazz rock se desarrolla de forma habitual, prácticamente en todos los temas, tomando en muchos de ellos un papel relevante e, incluso, principal respecto al tema vocal, al modo de la tradición jazzística. Ello exigió la presencia en las bandas de instrumentistas solventes, en algunos casos de muy alto nivel: Randy Brecker, Bill Chase, Chick Corea, Stanley Clarke, Lewis Soloff, Dave Bargeron, Wayne Shorter, etc.. Todos ellos ocuparon puestos destacados en los polls de la revista Down Beat, a lo largo de los años 1970.
Subgéneros
El concepto no se aplicó a una sola corriente de desarrollo musical, sino que en el mismo podemos encontrar, al menos, dos subgéneros bien diferenciados:
Las big bands de rock
La influencia de las bandas de Soul y R&B de mediados de los años 1960, tuvo un claro efecto en la generación de músicos que, sobre todo en las ciudades del noreste de los USA, comenzaron a montar sus bandas hacia 1967. Al núcleo instrumental básico de los grupos clásicos de rock (guitarra, bajo, batería y teclados), se incorporaron instrumentos de metal (trompeta, saxo, trombón), inusuales hasta entonces en el rock, pero de amplia tradición en los géneros antes citados. Fue el crítico de jazz, Joachim E. Berendt, quien propuso la denominación de big bands de rock para estos grupos.
Bandas en Estados Unidos
Las bandas pioneras aparecieron en Estados Unidos. En 1967, Al Kooper formó la que sería la mas importante de éstas, Blood, Sweat & Tears, aunque la más popular, y la que consiguió mejores resultados comerciales, fue el grupo Chicago, que se formó el mismo año, aunque editó su primer álbum un año más tarde que BS&T.
En estos mismos años, aparecieron otras bandas importantes, como Dreams (1968), Lighthouse (1968), aunque eran canadienses, Chase (1969), etc. Algunas bandas, que ya existían con anterioridad, añadieron vientos a su formación alrededor de 1968, por la influencia ejercida por BS&T, como The Ides of March, que se formaron en 1964; The Electric Flag (una banda de blues muy relacionada con Mike Bloomfield y Al Kooper); o The Flock (la banda del violinista Jerry Goodman); y otras, como Rare Earth, aún con una sección de viento reducida, o como Buddy Miles, reclamaron su incorporación al género.
Berendt introduce también en este sub-género al grupo Santana, especialmente a partir de su disco Caravanserai , a pesar de carecer de sección completa de metales . Aunque los presupuestos de partida fueron muy diferentes a los de las bandas antes reseñadas, muchos autores también incluyen en este subgénero a uno de los más influyentes grupos de los años 70, Steely Dan.
Bandas en Inglaterra
Los grupos ingleses, que habían supuesto el núcleo básico del rock progresivo, no fueron muy dados a las big bands de rock, y ello a pesar de su fuerte tradición de blues. Pero, al menos, es necesario recordar una banda muy interesante y que, realmente, tenía formación de big band: CCS, el supergrupo del pianista John Cameron, que editó su primer disco en 1971. En cierta forma, y aunque muy escorados hacia los sonidos étnicos, el grupo anglo-africano Osibisa, también bebió de esta corriente.
Bandas en España
Sorprendentemente, en España hubo algunas bandas que tuvieron relación con este subgénero, ya en época tan temprana como 1967. Un grupo muy influenciado por el Soul y que estaba al tanto de los movimientos que estaban teniendo lugar en los USA, con sección de metales y todo, fue Los Canarios que, tras una gira por los EEUU, publicaron su primer single en 1967 y consiguieron un cierto éxito con su tema Get on your knees (1968). También adoptaron algunos elementos del jazz rock de gran banda otros grupos como Henry and the Seven (el embrión de los futuros Pop Tops) y, mas tarde, Alcatraz, muy influenciados en sus arreglos por Chicago. También, en sus últimas formaciones hacia 1972, el grupo progresivo catalán Máquina! adoptó el lenguaje del jazz rock.
Bastante más tarde, ya en los años 1990, grupos como La Blues Band de Granada o Pecos Beck & Tito Poyatos Band, recuperaron el sonido de las big bands de rock.
Bandas en Europa
Hubo también bandas de este tipo en otros paises europeos, como es el caso de The Lolas, en Polonia.
El Jazz Fusión
El Jazz Fusion (término en ocasiones identificado con el propio Jazz-rock) combina elementos del Jazz con otros estilos de la música, particularmente pop , rock , folk , polka , reggae , R&B , hip hop , soul y/o música electrónica. Los discos de Fusion - incluso los que hayan sido hechos por un mismo artista- incluyen a menudo una variedad de estos estilos musicales.
Más que un estilo musical codificado, la fusión se puede ver como una tendencia o acercamiento musical. La música de la Fusion es típicamente instrumental (es decir, sin voz), aunque algunos subestilos contienen partes vocales; a menudo contiene formas complejas de tempo , métrica y patrones rítmicos , con longitudes extendidas de la pista, ofreciendo improvisaciones muy largas. Los músicos del Fusion son reconocidos por tener un alto nivel de virtuosismo, combinado con composiciones complejas e improvisación musical en los metros, vistos raramente en otras formas musicales occidentales, salvo en el Jazz.
Orígenes
Desde otra vertiente totalmente diferente a las Big Bands de Rock, músicos de jazz habían comenzado a introducir en sus discos bases rítmicas de tipo rock, especialmente a partir de las experiencias de Frank Zappa a finales de los años 60. Aunque tenemos el antecedente de Julian Cannonball Adderley, que comenzó a realizar la música que fusionaba el jazz con el pop, el pionero, indudablemente, fue Miles Davis, que rompió el fuego con su disco Bitches Brew (1969). Una buena parte de los músicos de jazz que le acompañaron en esa grabación, generarían bandas de jazz-rock en los años siguientes: Chick Corea con su grupo Return to Forever, John McLaughlin y su Mahavishnu Orchestra, Joe Zawinul y el grupo Weather Report, Larry Coryell y Eleventh House, Tony Williams y sus Lifetime... Otros músicos de jazz, como Stanley Clarke y Pat Metheny, o de rock, como Jeff Beck, trabajaron en esta misma línea.
Miles Davis en su álbum Bitches Brew, revela posibles influencias del compositor avant-garde Karlheinz Stockhausen.En relación con la instrumentación, ésta también se acerca al rock; así, el "Tony Williams Lifetime", usa instrumentos como la guitarra eléctrica, el bajo y el piano eléctrico. Más tarde, Herbie Hancock , Joe Zawinul , Jan Hammer y Chick Corea, comienzan a incorporar sintetizadores como el minimoog.
Jazz fusión en Europa
Este subgénero tuvo también representantes en Europa: Los seminales Soft Machine (que crearían en 1970 una de las piedras angulares del estilo: Third), Nucleus (el grupo del trompetista Ian Carr) o Paraphernalia (con la saxofonista Barbara Thompson), todos ellos en el Reino Unido; Dzyan y Pork Pie, en Alemania, junto con músicos como el guitarrista Volker Krieger y el saxofonista Klaus Doldinger; el violinista Jean Luc Ponty y el grupo Magma, en Francia; los suecos Ole Baver Group, etc. Tal vez el que más fama alcanzó fue el grupo holandés Focus, liderado por el flautista Thijs van Leer y el guitarrista Jan Akkerman , en donde se mezclan sonidos de jazz, rock, yodel, y música nativa de Holanda.
Jazz fusión en España
En España, hubo un buen número de grupos que se nutrieron de esta corriente, sobre todo dentro de lo que se llamó el rock layetano (Om, Orquestra Mirasol, Música Urbana, Barcelona Traction , Fusioon, Companyia Elèctrica Dharma) y dentro del nutrido rock andaluz (Guadalquivir, Cai, Vega, La Banda del Tio Paco). En Madrid, el grupo Dolores (que incluía a Pedro Ruy-Blas y Jorge Pardo, entre otros) fue el representante de esta corriente. Sin embargo, la banda que mejor asumió los conceptos del jazz fusión en España, fue Iceberg (1974) (más tarde, Pegasus, hacia 1982), con el guitarrista Max Sunyer y el teclista Josep Mas "Kitflus" al frente.
Jazz Fusión Latinoamericano
Existen diversas fuentes de creatividad con su respectivos exponentes de este género que ha revolucionado los confines de la música internacional, dentro de rítmos propios latinos, aquellos que convergen en su imagen europea y africana. El jazz fusión latinoamericano es una respuesta elaborada a partir del juicio y criterio musicales proveniente de los más grandes críticos y compositores del jazz, se puede decir que este género ha revolucionado a la música internacional pues desde sus orígenes el impacto más importante de esta corriente del jazz se ha generado en Nueva York, con la creación de fusiones cubanas y sus africanismos dependientes del género, lo que ahora tan popularmente es conocido como salsa, que ha logrado un impacto favorable hacia las nuevas ideografías que expresan los más variables elementos. La corriente jazzística no solo ha sido resplandecida con los africanismos cubanos, sino que en forma ha logrado fusiones distinguibles entre otros géneros como el merengue, la cumbia, la bachata, el danzón, el mambo, y el tango entre otros.
Los principales exponentes tanto en orden de banda jazzística y de compositores se encuentran entre: Mario Lecaros, Banda Mantiqueira, Eddie Palmieri, Kevin Ceballo, Armando Romeu, Vincent Calloway, W.C. Handy, Jerry González, Mark Gutiérrez, Cheo Negrón, Compay Segundo, Abel Paez, Daniel Mujica, Daniel Volpini, Nat Chediak, entre muchos otros; y entre los nuevos jóvenes compositores latinos del hoy se encuentran lós más destacados: Marco Vivencio, Marck Julio, Oscar Bartalenza, Silvieta Fernández, Diván de la Celda, Jimmy Cano, y Daniel Jiménez Jr., entre tantos otros.
Decadencia del género
A partir de finales de los años 1970, el jazz rock, como género específico dentro del campo del rock, comenzó a decaer. Frente a las grandes ventas que los grupos del género habían cosechado en los años anteriores, el mercado se decantó por las nuevas tendencias, especialmente el hip hop y el funk, o por las revisiones radicales de las esencias del rock, como el punk. Buena parte de los músicos que, desde el jazz, habían desembarcado en él, volvieron a sus raíces (Chick Corea, Wayne Shorter, Herbie Hancock, Stanley Clarke, etc.) , y las big bands de rock desaparecieron o se acomodaron en un decadente soft rock para adultos.
Sin embargo, el jazz-rock tuvo una poderosa influencia en el pop británico de los años ochenta, en grupos como Haircut One Hundred , Blue Rondo o Sade, así como en el desarrollo del acid jazz y el blues moderno.
Fuente: Wikipedia
Los años 70 fueron la década más visible para la fusión, pero el estilo ha estado también bien representado durante épocas más recientes.
Características musicales
Todas las variantes del género, incluyeron una serie de elementos característicos propios:
En relación con la estructura del ritmo
Aunque se siguió generalmente el tipo de compás cuaternario propio del rock, las líneas del bajo y la batería, recogieron modos típicamente jazzísticos, especialmente durante los solos.
En relación con los arreglos
Aunque en muchos casos los arreglos para las secciones de viento se limitaron a la armonización de los riff de guitarra clásicos del rock, en otros se produjeron verdaderos arreglos para voces instrumentales diferentes, al modo de las bandas de jazz. La influencia en éstos, varió desde los claramente influenciados por el bop, como en los primeros discos de BS&T, hasta los que tomaron sus raíces en las orquestas de swing, como en el caso de Chase. En algunos casos (Dzyan, The Flock...) la influencia de las improvisaciones y arreglos colectivos del free jazz fue evidente.
En relación con los solos instrumentales
Aunque el concepto de solo ya era conocido y usado por el rock anterior a 1967, en el jazz rock se desarrolla de forma habitual, prácticamente en todos los temas, tomando en muchos de ellos un papel relevante e, incluso, principal respecto al tema vocal, al modo de la tradición jazzística. Ello exigió la presencia en las bandas de instrumentistas solventes, en algunos casos de muy alto nivel: Randy Brecker, Bill Chase, Chick Corea, Stanley Clarke, Lewis Soloff, Dave Bargeron, Wayne Shorter, etc.. Todos ellos ocuparon puestos destacados en los polls de la revista Down Beat, a lo largo de los años 1970.
Subgéneros
El concepto no se aplicó a una sola corriente de desarrollo musical, sino que en el mismo podemos encontrar, al menos, dos subgéneros bien diferenciados:
Las big bands de rock
La influencia de las bandas de Soul y R&B de mediados de los años 1960, tuvo un claro efecto en la generación de músicos que, sobre todo en las ciudades del noreste de los USA, comenzaron a montar sus bandas hacia 1967. Al núcleo instrumental básico de los grupos clásicos de rock (guitarra, bajo, batería y teclados), se incorporaron instrumentos de metal (trompeta, saxo, trombón), inusuales hasta entonces en el rock, pero de amplia tradición en los géneros antes citados. Fue el crítico de jazz, Joachim E. Berendt, quien propuso la denominación de big bands de rock para estos grupos.
Bandas en Estados Unidos
Las bandas pioneras aparecieron en Estados Unidos. En 1967, Al Kooper formó la que sería la mas importante de éstas, Blood, Sweat & Tears, aunque la más popular, y la que consiguió mejores resultados comerciales, fue el grupo Chicago, que se formó el mismo año, aunque editó su primer álbum un año más tarde que BS&T.
En estos mismos años, aparecieron otras bandas importantes, como Dreams (1968), Lighthouse (1968), aunque eran canadienses, Chase (1969), etc. Algunas bandas, que ya existían con anterioridad, añadieron vientos a su formación alrededor de 1968, por la influencia ejercida por BS&T, como The Ides of March, que se formaron en 1964; The Electric Flag (una banda de blues muy relacionada con Mike Bloomfield y Al Kooper); o The Flock (la banda del violinista Jerry Goodman); y otras, como Rare Earth, aún con una sección de viento reducida, o como Buddy Miles, reclamaron su incorporación al género.
Berendt introduce también en este sub-género al grupo Santana, especialmente a partir de su disco Caravanserai , a pesar de carecer de sección completa de metales . Aunque los presupuestos de partida fueron muy diferentes a los de las bandas antes reseñadas, muchos autores también incluyen en este subgénero a uno de los más influyentes grupos de los años 70, Steely Dan.
Bandas en Inglaterra
Los grupos ingleses, que habían supuesto el núcleo básico del rock progresivo, no fueron muy dados a las big bands de rock, y ello a pesar de su fuerte tradición de blues. Pero, al menos, es necesario recordar una banda muy interesante y que, realmente, tenía formación de big band: CCS, el supergrupo del pianista John Cameron, que editó su primer disco en 1971. En cierta forma, y aunque muy escorados hacia los sonidos étnicos, el grupo anglo-africano Osibisa, también bebió de esta corriente.
Bandas en España
Sorprendentemente, en España hubo algunas bandas que tuvieron relación con este subgénero, ya en época tan temprana como 1967. Un grupo muy influenciado por el Soul y que estaba al tanto de los movimientos que estaban teniendo lugar en los USA, con sección de metales y todo, fue Los Canarios que, tras una gira por los EEUU, publicaron su primer single en 1967 y consiguieron un cierto éxito con su tema Get on your knees (1968). También adoptaron algunos elementos del jazz rock de gran banda otros grupos como Henry and the Seven (el embrión de los futuros Pop Tops) y, mas tarde, Alcatraz, muy influenciados en sus arreglos por Chicago. También, en sus últimas formaciones hacia 1972, el grupo progresivo catalán Máquina! adoptó el lenguaje del jazz rock.
Bastante más tarde, ya en los años 1990, grupos como La Blues Band de Granada o Pecos Beck & Tito Poyatos Band, recuperaron el sonido de las big bands de rock.
Bandas en Europa
Hubo también bandas de este tipo en otros paises europeos, como es el caso de The Lolas, en Polonia.
El Jazz Fusión
El Jazz Fusion (término en ocasiones identificado con el propio Jazz-rock) combina elementos del Jazz con otros estilos de la música, particularmente pop , rock , folk , polka , reggae , R&B , hip hop , soul y/o música electrónica. Los discos de Fusion - incluso los que hayan sido hechos por un mismo artista- incluyen a menudo una variedad de estos estilos musicales.
Más que un estilo musical codificado, la fusión se puede ver como una tendencia o acercamiento musical. La música de la Fusion es típicamente instrumental (es decir, sin voz), aunque algunos subestilos contienen partes vocales; a menudo contiene formas complejas de tempo , métrica y patrones rítmicos , con longitudes extendidas de la pista, ofreciendo improvisaciones muy largas. Los músicos del Fusion son reconocidos por tener un alto nivel de virtuosismo, combinado con composiciones complejas e improvisación musical en los metros, vistos raramente en otras formas musicales occidentales, salvo en el Jazz.
Orígenes
Desde otra vertiente totalmente diferente a las Big Bands de Rock, músicos de jazz habían comenzado a introducir en sus discos bases rítmicas de tipo rock, especialmente a partir de las experiencias de Frank Zappa a finales de los años 60. Aunque tenemos el antecedente de Julian Cannonball Adderley, que comenzó a realizar la música que fusionaba el jazz con el pop, el pionero, indudablemente, fue Miles Davis, que rompió el fuego con su disco Bitches Brew (1969). Una buena parte de los músicos de jazz que le acompañaron en esa grabación, generarían bandas de jazz-rock en los años siguientes: Chick Corea con su grupo Return to Forever, John McLaughlin y su Mahavishnu Orchestra, Joe Zawinul y el grupo Weather Report, Larry Coryell y Eleventh House, Tony Williams y sus Lifetime... Otros músicos de jazz, como Stanley Clarke y Pat Metheny, o de rock, como Jeff Beck, trabajaron en esta misma línea.
Miles Davis en su álbum Bitches Brew, revela posibles influencias del compositor avant-garde Karlheinz Stockhausen.En relación con la instrumentación, ésta también se acerca al rock; así, el "Tony Williams Lifetime", usa instrumentos como la guitarra eléctrica, el bajo y el piano eléctrico. Más tarde, Herbie Hancock , Joe Zawinul , Jan Hammer y Chick Corea, comienzan a incorporar sintetizadores como el minimoog.
Jazz fusión en Europa
Este subgénero tuvo también representantes en Europa: Los seminales Soft Machine (que crearían en 1970 una de las piedras angulares del estilo: Third), Nucleus (el grupo del trompetista Ian Carr) o Paraphernalia (con la saxofonista Barbara Thompson), todos ellos en el Reino Unido; Dzyan y Pork Pie, en Alemania, junto con músicos como el guitarrista Volker Krieger y el saxofonista Klaus Doldinger; el violinista Jean Luc Ponty y el grupo Magma, en Francia; los suecos Ole Baver Group, etc. Tal vez el que más fama alcanzó fue el grupo holandés Focus, liderado por el flautista Thijs van Leer y el guitarrista Jan Akkerman , en donde se mezclan sonidos de jazz, rock, yodel, y música nativa de Holanda.
Jazz fusión en España
En España, hubo un buen número de grupos que se nutrieron de esta corriente, sobre todo dentro de lo que se llamó el rock layetano (Om, Orquestra Mirasol, Música Urbana, Barcelona Traction , Fusioon, Companyia Elèctrica Dharma) y dentro del nutrido rock andaluz (Guadalquivir, Cai, Vega, La Banda del Tio Paco). En Madrid, el grupo Dolores (que incluía a Pedro Ruy-Blas y Jorge Pardo, entre otros) fue el representante de esta corriente. Sin embargo, la banda que mejor asumió los conceptos del jazz fusión en España, fue Iceberg (1974) (más tarde, Pegasus, hacia 1982), con el guitarrista Max Sunyer y el teclista Josep Mas "Kitflus" al frente.
Jazz Fusión Latinoamericano
Existen diversas fuentes de creatividad con su respectivos exponentes de este género que ha revolucionado los confines de la música internacional, dentro de rítmos propios latinos, aquellos que convergen en su imagen europea y africana. El jazz fusión latinoamericano es una respuesta elaborada a partir del juicio y criterio musicales proveniente de los más grandes críticos y compositores del jazz, se puede decir que este género ha revolucionado a la música internacional pues desde sus orígenes el impacto más importante de esta corriente del jazz se ha generado en Nueva York, con la creación de fusiones cubanas y sus africanismos dependientes del género, lo que ahora tan popularmente es conocido como salsa, que ha logrado un impacto favorable hacia las nuevas ideografías que expresan los más variables elementos. La corriente jazzística no solo ha sido resplandecida con los africanismos cubanos, sino que en forma ha logrado fusiones distinguibles entre otros géneros como el merengue, la cumbia, la bachata, el danzón, el mambo, y el tango entre otros.
Los principales exponentes tanto en orden de banda jazzística y de compositores se encuentran entre: Mario Lecaros, Banda Mantiqueira, Eddie Palmieri, Kevin Ceballo, Armando Romeu, Vincent Calloway, W.C. Handy, Jerry González, Mark Gutiérrez, Cheo Negrón, Compay Segundo, Abel Paez, Daniel Mujica, Daniel Volpini, Nat Chediak, entre muchos otros; y entre los nuevos jóvenes compositores latinos del hoy se encuentran lós más destacados: Marco Vivencio, Marck Julio, Oscar Bartalenza, Silvieta Fernández, Diván de la Celda, Jimmy Cano, y Daniel Jiménez Jr., entre tantos otros.
Decadencia del género
A partir de finales de los años 1970, el jazz rock, como género específico dentro del campo del rock, comenzó a decaer. Frente a las grandes ventas que los grupos del género habían cosechado en los años anteriores, el mercado se decantó por las nuevas tendencias, especialmente el hip hop y el funk, o por las revisiones radicales de las esencias del rock, como el punk. Buena parte de los músicos que, desde el jazz, habían desembarcado en él, volvieron a sus raíces (Chick Corea, Wayne Shorter, Herbie Hancock, Stanley Clarke, etc.) , y las big bands de rock desaparecieron o se acomodaron en un decadente soft rock para adultos.
Sin embargo, el jazz-rock tuvo una poderosa influencia en el pop británico de los años ochenta, en grupos como Haircut One Hundred , Blue Rondo o Sade, así como en el desarrollo del acid jazz y el blues moderno.
Fuente: Wikipedia
GLAM ROCK
El glam rock, también conocido como glitter rock, es un género musical nacido en Gran Bretaña, cuyo apogeo tuvo lugar entre 1971 y 1974. Su nombre es un apócope de la palabra “glamour”.
Nació en una época en la que el rock psicodélico derivó hacia unos estilos que abusaban del virtuosismo y los largos desarrollos en las canciones, en perjuicio de la frescura que se podía encontrar en el viejo rock'n'roll. Por ello, muchos artistas, con Marc Bolan de T.Rex a la cabeza, comenzaron a buscar esa espontaneidad perdida.
Y la encontraron en un rock básico deudor del de los 50, al que añadieron más decibelios y lo combinaron con el mejor pop surgido en los 60. A este sonido le unieron unas letras con claras referencias sexuales y al lado más salvaje.
Estética glam
Pero faltaba algo más, porque si por algo se caracterizaba este estilo era por dar tanta importancia a su música como a su estética -o mejor dicho, su estética era también parte de su música-. Así que frente a la imagen de macho-rock imperante en esos días, ellos se rebelaron jugando con la ambigüedad sexual y exhibiendo una actitud descarada y provocativa.
El pionero fue Marc Bolan, entre cuyos "hallazgos" estéticos se encuentran los trajes de leopardo, las chisteras y las boas de porno. Conforme iba creciendo el género se fueron popularizando los trajes futuristas brillantes,las botas con plataforma, los peinados imposibles y los kilos de maquillaje y purpurina que utilizaban. David Bowie también contribuyó al inspirarse en las travestis neoyorquinas del entorno de Andy Warhol, por cuya estética sentía predilección. Y así nació la extravagante imagen Glam, que solo podía haberse dado en una década tan propensa a los excesos estéticos como la de los 70.
La guinda en el pastel la puso la teatralidad que ostentaban en sus actuaciones, tomada directamente de las performances de Lindsay Kemp y del teatro de vanguardia.
Subgéneros
Glitter rock
El término se acuñó haciendo honor a Gary Glitter, después del enorme éxito que obtuvo en el año 1971 su canción " Rock & roll" y hace referencia a la facción del glam más festiva y comercial.
Fue creada por Marc Bolan, líder de T. Rex, que fue el primer artista glam y el que mejor supo reunir en su música un poco de todas las corrientes que caracterizaban al género. Bolan puso las bases del Glam rock canónico con su Boogie Rock pegadizo, inspirado en melodías bailables y en potentes riffs de guitarra, añadiendo unas letras hedonistas y superficiales y una forma de cantar premeditadamente sexy.
Bajo la sombra del sonido creado por T.Rex, y siempre sin superarlo, surgieron multitud de grupos y artistas como Slade, Gary Glitter, Sweet, Mott The Hopple, Cockney Rebel o la única chica de verdad, Suzi Quatro, quienes a pesar del éxito de sus singles en las listas británicas, no sobrevivieron al declive del movimiento. Buena parte del éxito de muchos de estos artistas se debió a las producciones y composiciones de Nikky Chinn y Mike Chapman, auténticos reyes Midas del Glam Rock. Aunque la mayoría de estos grupos lucieran maquillaje y ropa ambigua, su imagen era bastante tosca, más parecida a rockeros de barrio disfrazados de mujer que a travestis glamurosos.
Genios del glam
Paralelamente a esta corriente, varios artistas cuyos talentos trascienden a cualquier clasificación estilística, también adoptaron la filosofía y el sonido Glam, pero dotándoles de mucha más sofisticación y profundidad tanto en la música como en las letras.
Por una parte estaba David Bowie, quien se convirtió en la mayor estrella del movimiento cuando mutó en Ziggy Stardust, un personaje de su invención cuyas vicisitudes cuenta en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, disco que inyectó al glam grandes dosis de dramatismo, convirtiéndose en el LP clave del género y considerado uno de los mejores discos de la historia del Rock. También ejerce de productor en varios de los discos más importantes del estilo. Mención especial merece Mick Ronson, guitarrista de su banda de acompañamiento “The Spiders From Mars” que contribuyó enormemente al sonido Glam con su forma hipnótica de tocar la guitarra.
Por su parte, Roxy Music, cuyos miembros más destacados fueron Bryan Ferry y Brian Eno, hacían un rock arty en el que cabían las baladas vanguardistas y la experimentación electrónica. Brian Eno dejó la formación después de su segundo disco For Your Plesaure. En su primer álbum en solitario, Here Comes The Warm Jets , siguió la tradición Glam, que abandonaría en su trayectoria posterior, más centrada en la música electrónica.
Incluso el sobrio Lou Reed sucumbió ante las lentejuelas y el rímel en esos días, después de que su anterior grupo, The Velvet Underground - que fue un claro precursor del Glam y el Punk en lo estrictamente musical- se disolviera. Fue entonces cuando firmó uno de los mejores discos de su carrera, Transformer, que fue producido por Bowie. En su siguiente disco, Berlin, recoge la vena más dramática y sórdida del Glam en un álbum conceptual al estilo de los que ideaba su amigo Bowie y en el que plantea la historia de una prostituta de dicha ciudad alemana.
Shock rock
También nacido en EE. UU., era una combinación entre el hard rock y glam. Sus creadores fueron Alice Cooper y posteriormente lo adoptarían Kiss, grupo que vendió varios millones de discos a finales de los 70. Del glam tomaban su teatralidad para convertirla en algo mucho más espectacular, introduciendo el terror lúdico como parte del show, planteado desde el gamberrismo más provocativo en el caso de Alice Cooper; y desde la estética más oscura del cómic en el de Kiss
Óperas glam
Fue inevitable que surgiera alguna Ópera rock basada en el espíritu Glam, ya que los dos estilos vivíeron su máximo esplendor en las mismas fechas y sus características los hacían muy compatibles. Se pueden considerar como "Óperas glam" a dos películas: la divertida “The Rocky Horror Picture Show” (Jim Sharman, 1975), sobre un extraterrestre travestido sedientos de sexo; y la más oscura y satírica “El fantasma del paraíso” (Brian De Palma 1974) que se basa en la historia de “El fantasma de la Ópera” para contar el enfrentamiento entre un músico de rock y un malvado productor musical.
Otros
El grupo Queen también estuvo vinculado a este estilo, pero ellos lo combinaban con Rock Progresivo y Hard Rock con tintes épicos. Obtuvieron una enorme popularidad que continuó hasta la muerte de su carismático líder, Freddie Mercury. El Glam también se puede intuir en la imagen extravagante y algo marciana de otro archiconocido artista de la época, Elton John.
Pocos años después, surgieron otros grupos de corta duración, como Tiger Lily y Slik, cuyos miembros formarían posteriormente la banda Ultravox.
Influencia posterior
En los 80
Cuando estos mismos chicos se lanzaron a crear nuevos estilos, el pop y el rock de los 80 se llenaron de herencia Glam. No es difícil encontrar sus huellas musicales y estéticas en artistas New Wave como Adam & The Ants o Billy Idol. En el Rock Gótico de The Cure, Bauhaus o Siouxsie and the Banshees. En el Synth Pop de Gary Numan, Soft Cell, A Flock Of Seagulls o The Human League. O en los grupos calificados New Romantics como Japan, ABC o los más comerciales Duran Duran
En esas fechas en España, el legado del Glam es evidente en casi todos los artistas que formaron parte de lo que se llamó Movida madrileña. Alaska y los Pegamoides, los primeros Radio Futura, Zombies, las primeras películas de Pedro Almodóvar, las performances de Fabio McNamara, los cuadros de los Costus, la llamativa imagen de Tino Casal tienen innumerables referencias al Glam Rock.
También en los 80 surgió un subgénero enmarcado en el Hard Rock y el Heavy Metal que se denominó Glam Metal y cuya estética debe mucho a la imagen de los New York Dolls y a la espectacularidad del Shock Rock. Los grupos más importantes fueron: Bon Jovi,KISS,Vinnie Vincent Invasion,Aerosmith,W.A.S.P., Twisted Sister, Mötley Crüe o Poison.
A partir de los 90
El Glam Rock está en el subconsciente de todos las bandas británicas de Rock Alternativo, pero no es común que surjan artistas que lo reivindiquen explícitamente. A pesar de esto, durante los 90 apareció un grupo de evidente ascendencia Glam, Suede, que reunían en su sonido lo mejor del David Bowie de Ziggy Stardust. Esta referencia también es válida para el grupo Placebo, actualmente en activo. Los dos grupos adoptan el dramatismo y la ambigüedad sexual de los artistas Glam pero con una imagen mucho más sobria y menos exagerada, más acorde con la estética Indie.
Por otra parte, la herencia del Shock rock ha sido llevada al límite por grupos de Rock industrial como Marilyn Manson y otros grupos mucho menos andróginos como White Zombie o Rammstein.
En la actualidad, el grupo Scissor Sisters hacen una divertida combinación de Glam Rock, Electro pop y Música disco.
Cine inspirado en el glam
Además de las dos películas reseñadas anteriormente, otros dos títulos más recientes se han inspirado en el glam rock:
• Velvet Goldmine: Es un film de 1998 cuya historia se basa en la amistad entre dos estrellas glam que poseen muchas similitudes con David Bowie e Iggy Pop. La película se ambienta en la edad de oro del glam y su banda sonora cuenta con varios clásicos del género, así como con recreaciones de los artistas más importantes del rock alternativo de los 90, que rinden un homenaje al glam.
• Hedwig and the Angry Inch: Película musical del año 2001 que cuenta la historia de un transexual que creció en Berlín Este admirando a David Bowie, Iggy Pop y Lou Reed, y que posteriormente emigra a Estados Unidos donde funda un grupo de glam rock.
Fuente: Wikipedia
Nació en una época en la que el rock psicodélico derivó hacia unos estilos que abusaban del virtuosismo y los largos desarrollos en las canciones, en perjuicio de la frescura que se podía encontrar en el viejo rock'n'roll. Por ello, muchos artistas, con Marc Bolan de T.Rex a la cabeza, comenzaron a buscar esa espontaneidad perdida.
Y la encontraron en un rock básico deudor del de los 50, al que añadieron más decibelios y lo combinaron con el mejor pop surgido en los 60. A este sonido le unieron unas letras con claras referencias sexuales y al lado más salvaje.
Estética glam
Pero faltaba algo más, porque si por algo se caracterizaba este estilo era por dar tanta importancia a su música como a su estética -o mejor dicho, su estética era también parte de su música-. Así que frente a la imagen de macho-rock imperante en esos días, ellos se rebelaron jugando con la ambigüedad sexual y exhibiendo una actitud descarada y provocativa.
El pionero fue Marc Bolan, entre cuyos "hallazgos" estéticos se encuentran los trajes de leopardo, las chisteras y las boas de porno. Conforme iba creciendo el género se fueron popularizando los trajes futuristas brillantes,las botas con plataforma, los peinados imposibles y los kilos de maquillaje y purpurina que utilizaban. David Bowie también contribuyó al inspirarse en las travestis neoyorquinas del entorno de Andy Warhol, por cuya estética sentía predilección. Y así nació la extravagante imagen Glam, que solo podía haberse dado en una década tan propensa a los excesos estéticos como la de los 70.
La guinda en el pastel la puso la teatralidad que ostentaban en sus actuaciones, tomada directamente de las performances de Lindsay Kemp y del teatro de vanguardia.
Subgéneros
Glitter rock
El término se acuñó haciendo honor a Gary Glitter, después del enorme éxito que obtuvo en el año 1971 su canción " Rock & roll" y hace referencia a la facción del glam más festiva y comercial.
Fue creada por Marc Bolan, líder de T. Rex, que fue el primer artista glam y el que mejor supo reunir en su música un poco de todas las corrientes que caracterizaban al género. Bolan puso las bases del Glam rock canónico con su Boogie Rock pegadizo, inspirado en melodías bailables y en potentes riffs de guitarra, añadiendo unas letras hedonistas y superficiales y una forma de cantar premeditadamente sexy.
Bajo la sombra del sonido creado por T.Rex, y siempre sin superarlo, surgieron multitud de grupos y artistas como Slade, Gary Glitter, Sweet, Mott The Hopple, Cockney Rebel o la única chica de verdad, Suzi Quatro, quienes a pesar del éxito de sus singles en las listas británicas, no sobrevivieron al declive del movimiento. Buena parte del éxito de muchos de estos artistas se debió a las producciones y composiciones de Nikky Chinn y Mike Chapman, auténticos reyes Midas del Glam Rock. Aunque la mayoría de estos grupos lucieran maquillaje y ropa ambigua, su imagen era bastante tosca, más parecida a rockeros de barrio disfrazados de mujer que a travestis glamurosos.
Genios del glam
Paralelamente a esta corriente, varios artistas cuyos talentos trascienden a cualquier clasificación estilística, también adoptaron la filosofía y el sonido Glam, pero dotándoles de mucha más sofisticación y profundidad tanto en la música como en las letras.
Por una parte estaba David Bowie, quien se convirtió en la mayor estrella del movimiento cuando mutó en Ziggy Stardust, un personaje de su invención cuyas vicisitudes cuenta en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, disco que inyectó al glam grandes dosis de dramatismo, convirtiéndose en el LP clave del género y considerado uno de los mejores discos de la historia del Rock. También ejerce de productor en varios de los discos más importantes del estilo. Mención especial merece Mick Ronson, guitarrista de su banda de acompañamiento “The Spiders From Mars” que contribuyó enormemente al sonido Glam con su forma hipnótica de tocar la guitarra.
Por su parte, Roxy Music, cuyos miembros más destacados fueron Bryan Ferry y Brian Eno, hacían un rock arty en el que cabían las baladas vanguardistas y la experimentación electrónica. Brian Eno dejó la formación después de su segundo disco For Your Plesaure. En su primer álbum en solitario, Here Comes The Warm Jets , siguió la tradición Glam, que abandonaría en su trayectoria posterior, más centrada en la música electrónica.
Incluso el sobrio Lou Reed sucumbió ante las lentejuelas y el rímel en esos días, después de que su anterior grupo, The Velvet Underground - que fue un claro precursor del Glam y el Punk en lo estrictamente musical- se disolviera. Fue entonces cuando firmó uno de los mejores discos de su carrera, Transformer, que fue producido por Bowie. En su siguiente disco, Berlin, recoge la vena más dramática y sórdida del Glam en un álbum conceptual al estilo de los que ideaba su amigo Bowie y en el que plantea la historia de una prostituta de dicha ciudad alemana.
Shock rock
También nacido en EE. UU., era una combinación entre el hard rock y glam. Sus creadores fueron Alice Cooper y posteriormente lo adoptarían Kiss, grupo que vendió varios millones de discos a finales de los 70. Del glam tomaban su teatralidad para convertirla en algo mucho más espectacular, introduciendo el terror lúdico como parte del show, planteado desde el gamberrismo más provocativo en el caso de Alice Cooper; y desde la estética más oscura del cómic en el de Kiss
Óperas glam
Fue inevitable que surgiera alguna Ópera rock basada en el espíritu Glam, ya que los dos estilos vivíeron su máximo esplendor en las mismas fechas y sus características los hacían muy compatibles. Se pueden considerar como "Óperas glam" a dos películas: la divertida “The Rocky Horror Picture Show” (Jim Sharman, 1975), sobre un extraterrestre travestido sedientos de sexo; y la más oscura y satírica “El fantasma del paraíso” (Brian De Palma 1974) que se basa en la historia de “El fantasma de la Ópera” para contar el enfrentamiento entre un músico de rock y un malvado productor musical.
Otros
El grupo Queen también estuvo vinculado a este estilo, pero ellos lo combinaban con Rock Progresivo y Hard Rock con tintes épicos. Obtuvieron una enorme popularidad que continuó hasta la muerte de su carismático líder, Freddie Mercury. El Glam también se puede intuir en la imagen extravagante y algo marciana de otro archiconocido artista de la época, Elton John.
Pocos años después, surgieron otros grupos de corta duración, como Tiger Lily y Slik, cuyos miembros formarían posteriormente la banda Ultravox.
Influencia posterior
En los 80
Cuando estos mismos chicos se lanzaron a crear nuevos estilos, el pop y el rock de los 80 se llenaron de herencia Glam. No es difícil encontrar sus huellas musicales y estéticas en artistas New Wave como Adam & The Ants o Billy Idol. En el Rock Gótico de The Cure, Bauhaus o Siouxsie and the Banshees. En el Synth Pop de Gary Numan, Soft Cell, A Flock Of Seagulls o The Human League. O en los grupos calificados New Romantics como Japan, ABC o los más comerciales Duran Duran
En esas fechas en España, el legado del Glam es evidente en casi todos los artistas que formaron parte de lo que se llamó Movida madrileña. Alaska y los Pegamoides, los primeros Radio Futura, Zombies, las primeras películas de Pedro Almodóvar, las performances de Fabio McNamara, los cuadros de los Costus, la llamativa imagen de Tino Casal tienen innumerables referencias al Glam Rock.
También en los 80 surgió un subgénero enmarcado en el Hard Rock y el Heavy Metal que se denominó Glam Metal y cuya estética debe mucho a la imagen de los New York Dolls y a la espectacularidad del Shock Rock. Los grupos más importantes fueron: Bon Jovi,KISS,Vinnie Vincent Invasion,Aerosmith,W.A.S.P., Twisted Sister, Mötley Crüe o Poison.
A partir de los 90
El Glam Rock está en el subconsciente de todos las bandas británicas de Rock Alternativo, pero no es común que surjan artistas que lo reivindiquen explícitamente. A pesar de esto, durante los 90 apareció un grupo de evidente ascendencia Glam, Suede, que reunían en su sonido lo mejor del David Bowie de Ziggy Stardust. Esta referencia también es válida para el grupo Placebo, actualmente en activo. Los dos grupos adoptan el dramatismo y la ambigüedad sexual de los artistas Glam pero con una imagen mucho más sobria y menos exagerada, más acorde con la estética Indie.
Por otra parte, la herencia del Shock rock ha sido llevada al límite por grupos de Rock industrial como Marilyn Manson y otros grupos mucho menos andróginos como White Zombie o Rammstein.
En la actualidad, el grupo Scissor Sisters hacen una divertida combinación de Glam Rock, Electro pop y Música disco.
Cine inspirado en el glam
Además de las dos películas reseñadas anteriormente, otros dos títulos más recientes se han inspirado en el glam rock:
• Velvet Goldmine: Es un film de 1998 cuya historia se basa en la amistad entre dos estrellas glam que poseen muchas similitudes con David Bowie e Iggy Pop. La película se ambienta en la edad de oro del glam y su banda sonora cuenta con varios clásicos del género, así como con recreaciones de los artistas más importantes del rock alternativo de los 90, que rinden un homenaje al glam.
• Hedwig and the Angry Inch: Película musical del año 2001 que cuenta la historia de un transexual que creció en Berlín Este admirando a David Bowie, Iggy Pop y Lou Reed, y que posteriormente emigra a Estados Unidos donde funda un grupo de glam rock.
Fuente: Wikipedia
MÚSICA DISCO
La música disco es un género de música de baile derivada del R&B (Rhythm & Blues), que mezcló elementos de géneros anteriores como el funk y el soul, con toques latinos en muchos casos, y que se popularizó en las salas de baile (discotecas) a mediados de los 70.
Características generales
Estructura musical
Ritmo
La música disco dominó la escena musical hasta el comienzo de los años 80. Las canciones disco, usualmente, estaban estructuradas sobre un repetitivo ritmo cuaternario, marcado por una figura de charles, de ocho o dieciséis tiempos, con hit-hat abierto en los tiempos libres, y una línea predominante de bajo sincopado, con voces fuertemente reverberadas.
Son fácilmente reconocibles por sus ritmos repetitivos (generalmente entre 110 y 136 beats por minuto) y pegadizos, con frecuencia inspirados por ritmos de origen latino: merengue, rumba, samba...
Armonías y arreglos
El sonido orquestal usualmente conocido como sonido disco, se fundamentaba en la presencia de secciones de cuerda y metales, que desarrollaban frases lineales en unísono, tras la base instrumental formada por el piano eléctrico y la guitarra eléctrica (con toques claramente tomados del funk). Al contrario que en el rock, la guitarra solista es inusual.
El resultado era una especie de muro de sonido, brillante, con los grupos orquestales tomando los papeles solistas y con un background armónico, fundamentado en una progresión de acordes bien definida (menor/séptima/menor), con predominio de los acordes de séptima mayor.
Ámbito temporal
La música disco tiene su etapa de mayor proyección en la década comprendida entre 1973 y 1983, aproximadamente, con un revival en los años 1990.
Precisamente hacia la mitad de los 70, obtuvieron sus principales éxitos los intérpretes más característicos de la música disco, como MFSB, Donna Summer, The Jackson 5, Gloria Gaynor, Barry White, The Bee Gees, KC and The Sunshine Band, Village People, Boney M o ABBA. Otros muchos artistas que, normalmente, no trabajaban el género, grabaron canciones disco en la cima de su popularidad, como por ejemplo Leo Sayer (You Make me feel like dancing), Rod Stewart (Do you think i'm sexy?), Electric Light Orchestra (Last Train To London) y Blondie (Heart Of Glass).
Diversas películas, como Fiebre del sábado noche y ¡Por fin es Viernes!, contribuyeron al despegue de la música disco entre el público.
Aunque la popularidad de la música disco declinó a comienzo de los años 80, mantuvo una importante influencia en el desarrollo de la música de baile electrónica (Dance) de los años 80 y 90, así como en géneros como el House o el Techno.
Historia
Orígenes
Soul de finales de los 60
La música disco toma sus raíces del soul de finales de los años 60, y en ese proceso de evolución toman parte un importante número de artistas del género, que van aportando paulatinamente los elementos que acabarán definiendo la música disco.
Barry White es uno de estos nexos entre el soul antiguo y el surgimiento del nuevo género, al ser el primero que resaltó el papel del ritmo frente a las melodías y arreglos orquestales. Sin embargo, quizás sea el tema de Jerry Butler, Only the Strong Survive (1969), el primer ejemplo de combinación de los elementos que definirían la música disco. Este tema aunaba los sonidos del soul de Filadelfia y New York, junto con las evoluciones del Sonido Motown.
El soul de Filadelfia, precisamente, se caracterizaba por su mezcla de percusión hipnótica con arreglos de cuerdas, y su huella se ve claramente en temas como "Soul Makossa" (1972), de Manu Dibango, uno de los primeros grandes éxitos disco.
Sin embargo, el término disco no fue utilizado hasta que el crítico Vince Aletti lo incluyó en la revista Rolling Stone, en su artículo "Discotheque Rock '72: Paaaaarty!".
Studio 54 y otras salas
Si hubiese que identificar cada música con un lugar, el fortín de la música disco sería, sin duda, la célebre discoteca neoyorquina "Studio 54" donde los pinchadiscos, con la finalidad de prolongar la diversión, y utilizando para ello dos platos con una misma canción, lograron extender considerablemente la duración de los temas de éxito. Eso dio como resultado las versiones de 12 pulgadas, donde se invitaba a bailar, y moverse disfrutando de la música, según el término definitorio del momento: Boogie.
Algunas otras salas de baile también obtuvieron prestigio: The Limelight, Magique, L'amour, Sanctuary, Paradise Garage, etc.
Primeros éxitos en las listas
El tema "Rock The Boat" de The Hues Corporation (1974) fue nº 1 en los charts de singles y vendió un millón de copias, convirtiéndose así en el pionero de los grandes éxitos de la música disco.
También alcanzaron este privilegiado status otros temas como "Love's Theme", de Barry White & Love Unlimited Orchestra, a comienzos de 1974. Ese mismo año, Gloria Gaynor publicó el primer álbum de vinilo con formato disco mix, que alcanzó el nº 1 de las listas, gracias a que incluía una versión de un tema de The Jackson 5, "Never Can Say Goodbye", que se convirtió en paradigma del género.
Sin embargo, fueron los Bee Gees quienes pusieron cara a la música disco. El grupo había sido popular en la década anterior por sus baladas, e incluso habían competido con los Beatles en los charts, aunque habían desaparecido durante algún tiempo. La habilidad de Barry Gibbs para cantar en falsete y la inmersión del grupo en el disco, le proporcionaron su primer nº 1 después de muchos años con Jive Talkin (1975) y, sobre todo, con You should be dancing. Ambos temas se incluyeron, posteriormente, en la banda sonora del film Saturday night fever.
En 1975, éxitos como "The Hustle", de Van McCoy o "Love to Love You, Baby", de Donna Summer, acabaron por consolidar la primacía de la música disco. Hubo otros muchos temas de gran éxito, a nivel mundial, entre 1974 y 1975: The Jackson 5 con "Dancing Machine" (1974); Barry White y su "You're the First, the Last, My Everything" (1974); "Lady Marmalade" (1974) del trio Labelle; The Four Seasons y su "December, 1963 (Oh, What a Night)" (1975); o Silver Convention, con "Fly Robin Fly" (1975).
1976-1979: La edad de oro
A partir de 1976, un gran número de artistas que nunca antes habían tocado el género, comienzan a grabar canciones disco, en muchos casos por imposición de las discográficas, buscando un hit. Ejemplos notables de esto, fueron temas como Got to give it up (Marvin Gaye, 1977);You Make Me Feel Like Dancing (Leo Sayer, 1977); Miss You Rolling Stones, 1979; Copacabana (Barry Manilow, 1978); I'm every woman (Chaka Khan, 1978); Silly love song (Wings, 1978);Boogie Nights (Heatwave 1978); Do You Think i'm Sexy? (Rod Stewart, 1979); Last train to London (Electric Light Orchestra, 1979); 1979) o los éxitos de Michael Jackson, Don't stop `til you get enough y Off the wall (1979).
La publicación de la Banda sonora de la película Fiebre del Sábado noche (1977), uno de los álbumes más vendidos de la historia de la música popular, catapultó a los Bee Gees, nuevamente, al nº1 de los charts de todo el mundo, con ocho singles diferentes, entre los que destacan Stayin' alive, Night Fever y If I can't have you, convirtiéndose de esta forma en los reyes del disco.
En la misma época en que el género se consolidaba, algunas bandas ajenas al mismo se adentraron en la musica disco, asimilando tanto elementos del sonido New York ,como de Filadelfia, añadiendo también toques latinos. Como ejemplo, la banda Salsoul Orchestra, dirigida por Vincent Montana Jr.
Incluso algunas bandas de rock de primera línea, publicaron temas con claras influencias disco: Miss you de Rolling Stones, I was made for lovin'you de Kiss, etc.
También grandes factorías de Hollywood, como Disney, se vieron influenciadas por el genero. Los estudios Disney, publicaron, en 1979, un LP denominado Mickey Mouse Disco con algunas pistas que llegaron a ser muy conocidas, como Macho Duck (Pato Macho, en español) y Disco Mickey Mouse (con versiones en ingles y español). El disco se publico en ambos idiomas, teniendo un exito aceptable y constituyendo un acercamiento infantil a la musica disco.
El declive del género
Los anti-disco
La popularidad de Fiebre del Sábado Noche, llevó a las grandes discográficas a inundar el mercado de productos disco hechos de forma mecánica y homogeneizada para cubrir la demanda creciente de la audiencia. El adocenamiento de estos productos, y la aparición de alternativas de baile evolucionadas (Dance, Techno...), crearon un sentimiento anti-disco cada vez más perceptible. Las emisoras de radio comenzaron a abandonar la música disco, sobre todo a partir de 1979.
La emergencia de escenas alternativas, tanto en el rock (Punk, New wave...) como en la música R&B (Rap, Hip hop...) también contribuyeron al declive del género.
El 12 de julio de 1979, tuvo lugar una acción anti-disco en Chicago, impulsada por diversos DJs de emisoras de rock, como Steve Dahl, Gerry Meier o Michael Veeck, y que adoptó formato de evento, bajo el nombre de Disco Demolition Night. El asunto incluyó la quema de discos y acabó con un fuerte enfrentamiento con la policía, y numerosos arrestados. Este conflicto, influyó seriamente en el cambio de paisaje sonoro en los charts.
No obstante, aún continua habiendo algunos éxitos disco a comienzo de los ochenta, aunque con un estilo evolucionado y simplificado: Lipp's Inc. (Funkytown, 1980); Kool & The Gang (Celebration, 1980); The Weather Girls (It's raining men, 1982); The Pointer Sisters (I'm so excited, 1982); Michael Jackson (Thriller, 1982); The Mary Jane Girls (In My House, 1983); Prince (1999, 1983); Irene Cara (Flashdance, 1983); o Madonna (Lucky Star, 1983) , Baltimora (Tarzan Boy, 1984).
Del sonido disco al sonido dance
La transición entre la música disco de los 70 y el Dance de los 80, se produce básicamente en los estudios de grabación. Según afirmaciones de Gloria Gaynor, el cambio se origina debido a que los productores comienzan a perder dinero en sus ediciones. Así que se sustituyen las secciones de cuerdas y viento, y el amplio plantel de músicos de sesión por sofisticados Secuenciadores y Cajas de ritmos.
Paralelamente el género, ya decadente, asimila variadas influencias del jazz y el blues, generando nuevas vías de desarrollo (Acid Jazz, Groove) que inundan las discotecas de USA y Reino Unido entre 1980 y 1983. Entre los primeros ejemplos de Dance ya reconocible, encontramos a D.Train, Kashif o Patrice Rushen
El single Planet Rock de Afrika Bambaataa (1982), producido por Arthur Baker, marca el giro definitivo del disco hacia el hip-hop y el techno, fuertemente influenciado, entre otros, por Kraftwerk y su Trans-Europe Express. El nombre del estilo fue Electro Funk.
Serían, finalmente, productores como el propio Giorgio Moroder en Europa, y Larry Levan o Frankie Knuckles en USA, quienes, jugando con loops y bajos poderosos, impulsarían el House, vinculado a clubs como el Paradise Garage (New York) o el Warehouse, en Chicago.
El Revival de los 90
La aparición de algunos discos de artistas renombrados, a mediados de los noventa, que incorporaban elementos claramente disco, originó un breve resurgir del género en la década de los 90.
Publicaron canciones neo-disco, artistas como U2 (Lemon,1993), Brand New Heavies (Spend some times, 1994), Jamiroquai (Cosmic girl, 1996; Little L, 2001), Spice Girls (Who do you think you are, 1997) , Kylie Minogue (Spinning around, 2001) o Sophie Ellis Bextor (Murder on The Dance Floor, 2002).
En esta década, una serie de Videojuegos incluyeron algunos temas disco, como es el caso, entre otros, de Dance Dance Revolution 4th Mix (Shake Your Booty de KC and The Sunshine Band); Bust A Groove (The Natural Playboy) o 'Bust A Groove 2 (Lets the Music Take Control). Para la saga Bust a Groove, los temas fueron especialmente compuestos para representar a un personaje denominado Hiro, que es un fanático bailarín de este tipo de música.
El genero en la actualidad
Aunque las influencias de la música disco permanecen aún en temas actuales (por ejemplo, Free my love de Suzanne Palmer, Big Girls(You Are Beautiful) de Mika , Shut Up And Let Me Go de The Ting Tings ) o algo de lo que hacen Scissors Sisters (2007), puede decirse que el género ya es pasado.
Se puede decir que en cierto modo el Genero Indie tiene algunas influencias de este genero ya que algunas canciones de este mismo llegan a tener el mismo tiempo de Beats Repetitivos caracteristicos de la musica disco
No obstante, sigue habiendo un mercado de aficionados, que permite que sigan editándose CD clásicos, remixes de algunas canciones conocidas, y que se celebren grandes conciertos, de convocatoria "familiar", como el realizado por la PBS en 2004, que unió a estrellas y artistas de aquel tiempo (como A Taste Of Honey , Leo Sayer , Tavares , Frankie Valli , Yvonne Elliman , HeatWave , The Hues Corporation o Martha Wash, entre otros), que "revivieron" muchas de las canciones que hicieron epoca.
Subgéneros
Variantes regionales
En la época de mayor esplendor (mediados de los 70), aparecieron un gran número de variantes regionales del género, en algunos casos consecuencia de las características especiales de algunos artistas, en otros como consecuencia de conceptos de producción y/o arreglos musicales. Entre estos subgéneros locales, cabe destacar:
• El Sonido Filadelfia, una creación de los productores y compositores Humble y Huff, y que generó una larga lista de números uno, con grupos como MFSB, The O'Jays o The Three Degrees, y solistas como Patti Labelle o Billy Paul.
• El Sonido New York, con temas de los artistas residentes de Studio 54 asi como algunos de origen latino, como Van McCoy, Grace Jones, The Salsoul Orchestra , Amanda Lear o LaBelle, con su espectacular éxito Lady Marmalade.
• El Sonido Los Angeles, que incluía grupos como Tavares, Love Unlimited Orchestra o Phyllis Hyman.
• El Sonido Munich, con artistas como Donna Summer, Silver Convention, Boney M o Giorgio Moroder.
Los DJs
El propio concepto del género, y su estrecha vinculación con las pistas de baile, otorgaron un papel relevante a los DJs en la popularización de la música disco. Con el tiempo, los más relevantes, fueron incorporando elementos de creación a su trabajo con los vinilos, llegando a generar fórmulas rítmicas propias que fueron asumidas por los productores. Una de estas líneas de desarrollo de la música disco, enlaza directamente con el hip-hop (Afrika Bambaata).
Entre los DJs más importantes, cabe recordar a Walter Gibbons, David Mancuso, John Benitez y Richie Kaczar (ambos de Studio 54), Francis Grasso, Ian Levine, Mike Pace, Preston Powell, etc.
Música disco fuera de USA
La música disco inundó igualmente Europa, con bandas como ABBA, claramente instaladas en el género, y que dominaron las listas durante finales de los 70 y comienzo de los 80. Otros grupos europeos muy influyentes fueron Cerrone (Francia) y Boney M, éste último integrado por cantantes y bailarines de las Indias Occidentales y lanzados en Alemania por el productor Frank Farian. Además, por supuesto, de los representantes del Sonido Munich, Donna Summer y Giorgio Moroder. Precisamente en Munich, se formó el grupo también Silver Convention, que fue otro de los exponentes reconocidos de este genero.
En Francia destacó el hit disco de la cantante Dalida, J’attendrai, que ocupó los nº 1 de los charts en multitud de países, como Canadá o Japón.
En Bélgica, el Grupo Two Man Sound desarrolló su trabajo en diversos idiomas, destacando su Hit Disco Samba, que los dio a conocer con su mezcla de ritmos brasileños y ambientes disco electrónicos.
Por su parte, en España, en la segunda mitad de la década, y comienzo de los ochenta, hubo algunos intentos de música disco, entre los que destacó, sin duda, el grupo Barrabás, junto con otros artistas que lograron algunos éxitos de ventas (Baccara, Apache, etc.). Sin embargo, el grupo español que mejor sintetizó el sonido disco, la Fundación Tony Manero, aparece con el revival de los años 90.
En el ámbito de la música infantil, el grupo Parchís introdujo influencias disco en algunas canciones, como Mortadelo y Filemón o En la Armada, entre otras
En cuanto a Latinoamérica, a finales de los 70, el DJ José Luis Cortés "El Maromero", impulsa el género en México, dándole un toque muy especial. Igualmente M.T.M realiza una versión en español de la canción Double Dutch Bus Denominada El Peribus. Por su parte, el grupo Super Banda Macho de Virgilio Canales hizo versiones disco, integradas en popurrís, de canciones mexicanas tradicionales como corridos o algunas canciones veracruzanas, entre otros materiales mexicanos musicales. También el grupo Mi Banda El Mexicano, incorpora dentro de la instrumentación de sus tecnocumbias, componentes derivados de ésta música.
En Argentina, el arreglista Bebu Silvetti también incursionó en el género, obteniendo algunos exitos y colaborando con bandas como Salsoul Orchestra.
Fuente: Wikipedia
Características generales
Estructura musical
Ritmo
La música disco dominó la escena musical hasta el comienzo de los años 80. Las canciones disco, usualmente, estaban estructuradas sobre un repetitivo ritmo cuaternario, marcado por una figura de charles, de ocho o dieciséis tiempos, con hit-hat abierto en los tiempos libres, y una línea predominante de bajo sincopado, con voces fuertemente reverberadas.
Son fácilmente reconocibles por sus ritmos repetitivos (generalmente entre 110 y 136 beats por minuto) y pegadizos, con frecuencia inspirados por ritmos de origen latino: merengue, rumba, samba...
Armonías y arreglos
El sonido orquestal usualmente conocido como sonido disco, se fundamentaba en la presencia de secciones de cuerda y metales, que desarrollaban frases lineales en unísono, tras la base instrumental formada por el piano eléctrico y la guitarra eléctrica (con toques claramente tomados del funk). Al contrario que en el rock, la guitarra solista es inusual.
El resultado era una especie de muro de sonido, brillante, con los grupos orquestales tomando los papeles solistas y con un background armónico, fundamentado en una progresión de acordes bien definida (menor/séptima/menor), con predominio de los acordes de séptima mayor.
Ámbito temporal
La música disco tiene su etapa de mayor proyección en la década comprendida entre 1973 y 1983, aproximadamente, con un revival en los años 1990.
Precisamente hacia la mitad de los 70, obtuvieron sus principales éxitos los intérpretes más característicos de la música disco, como MFSB, Donna Summer, The Jackson 5, Gloria Gaynor, Barry White, The Bee Gees, KC and The Sunshine Band, Village People, Boney M o ABBA. Otros muchos artistas que, normalmente, no trabajaban el género, grabaron canciones disco en la cima de su popularidad, como por ejemplo Leo Sayer (You Make me feel like dancing), Rod Stewart (Do you think i'm sexy?), Electric Light Orchestra (Last Train To London) y Blondie (Heart Of Glass).
Diversas películas, como Fiebre del sábado noche y ¡Por fin es Viernes!, contribuyeron al despegue de la música disco entre el público.
Aunque la popularidad de la música disco declinó a comienzo de los años 80, mantuvo una importante influencia en el desarrollo de la música de baile electrónica (Dance) de los años 80 y 90, así como en géneros como el House o el Techno.
Historia
Orígenes
Soul de finales de los 60
La música disco toma sus raíces del soul de finales de los años 60, y en ese proceso de evolución toman parte un importante número de artistas del género, que van aportando paulatinamente los elementos que acabarán definiendo la música disco.
Barry White es uno de estos nexos entre el soul antiguo y el surgimiento del nuevo género, al ser el primero que resaltó el papel del ritmo frente a las melodías y arreglos orquestales. Sin embargo, quizás sea el tema de Jerry Butler, Only the Strong Survive (1969), el primer ejemplo de combinación de los elementos que definirían la música disco. Este tema aunaba los sonidos del soul de Filadelfia y New York, junto con las evoluciones del Sonido Motown.
El soul de Filadelfia, precisamente, se caracterizaba por su mezcla de percusión hipnótica con arreglos de cuerdas, y su huella se ve claramente en temas como "Soul Makossa" (1972), de Manu Dibango, uno de los primeros grandes éxitos disco.
Sin embargo, el término disco no fue utilizado hasta que el crítico Vince Aletti lo incluyó en la revista Rolling Stone, en su artículo "Discotheque Rock '72: Paaaaarty!".
Studio 54 y otras salas
Si hubiese que identificar cada música con un lugar, el fortín de la música disco sería, sin duda, la célebre discoteca neoyorquina "Studio 54" donde los pinchadiscos, con la finalidad de prolongar la diversión, y utilizando para ello dos platos con una misma canción, lograron extender considerablemente la duración de los temas de éxito. Eso dio como resultado las versiones de 12 pulgadas, donde se invitaba a bailar, y moverse disfrutando de la música, según el término definitorio del momento: Boogie.
Algunas otras salas de baile también obtuvieron prestigio: The Limelight, Magique, L'amour, Sanctuary, Paradise Garage, etc.
Primeros éxitos en las listas
El tema "Rock The Boat" de The Hues Corporation (1974) fue nº 1 en los charts de singles y vendió un millón de copias, convirtiéndose así en el pionero de los grandes éxitos de la música disco.
También alcanzaron este privilegiado status otros temas como "Love's Theme", de Barry White & Love Unlimited Orchestra, a comienzos de 1974. Ese mismo año, Gloria Gaynor publicó el primer álbum de vinilo con formato disco mix, que alcanzó el nº 1 de las listas, gracias a que incluía una versión de un tema de The Jackson 5, "Never Can Say Goodbye", que se convirtió en paradigma del género.
Sin embargo, fueron los Bee Gees quienes pusieron cara a la música disco. El grupo había sido popular en la década anterior por sus baladas, e incluso habían competido con los Beatles en los charts, aunque habían desaparecido durante algún tiempo. La habilidad de Barry Gibbs para cantar en falsete y la inmersión del grupo en el disco, le proporcionaron su primer nº 1 después de muchos años con Jive Talkin (1975) y, sobre todo, con You should be dancing. Ambos temas se incluyeron, posteriormente, en la banda sonora del film Saturday night fever.
En 1975, éxitos como "The Hustle", de Van McCoy o "Love to Love You, Baby", de Donna Summer, acabaron por consolidar la primacía de la música disco. Hubo otros muchos temas de gran éxito, a nivel mundial, entre 1974 y 1975: The Jackson 5 con "Dancing Machine" (1974); Barry White y su "You're the First, the Last, My Everything" (1974); "Lady Marmalade" (1974) del trio Labelle; The Four Seasons y su "December, 1963 (Oh, What a Night)" (1975); o Silver Convention, con "Fly Robin Fly" (1975).
1976-1979: La edad de oro
A partir de 1976, un gran número de artistas que nunca antes habían tocado el género, comienzan a grabar canciones disco, en muchos casos por imposición de las discográficas, buscando un hit. Ejemplos notables de esto, fueron temas como Got to give it up (Marvin Gaye, 1977);You Make Me Feel Like Dancing (Leo Sayer, 1977); Miss You Rolling Stones, 1979; Copacabana (Barry Manilow, 1978); I'm every woman (Chaka Khan, 1978); Silly love song (Wings, 1978);Boogie Nights (Heatwave 1978); Do You Think i'm Sexy? (Rod Stewart, 1979); Last train to London (Electric Light Orchestra, 1979); 1979) o los éxitos de Michael Jackson, Don't stop `til you get enough y Off the wall (1979).
La publicación de la Banda sonora de la película Fiebre del Sábado noche (1977), uno de los álbumes más vendidos de la historia de la música popular, catapultó a los Bee Gees, nuevamente, al nº1 de los charts de todo el mundo, con ocho singles diferentes, entre los que destacan Stayin' alive, Night Fever y If I can't have you, convirtiéndose de esta forma en los reyes del disco.
En la misma época en que el género se consolidaba, algunas bandas ajenas al mismo se adentraron en la musica disco, asimilando tanto elementos del sonido New York ,como de Filadelfia, añadiendo también toques latinos. Como ejemplo, la banda Salsoul Orchestra, dirigida por Vincent Montana Jr.
Incluso algunas bandas de rock de primera línea, publicaron temas con claras influencias disco: Miss you de Rolling Stones, I was made for lovin'you de Kiss, etc.
También grandes factorías de Hollywood, como Disney, se vieron influenciadas por el genero. Los estudios Disney, publicaron, en 1979, un LP denominado Mickey Mouse Disco con algunas pistas que llegaron a ser muy conocidas, como Macho Duck (Pato Macho, en español) y Disco Mickey Mouse (con versiones en ingles y español). El disco se publico en ambos idiomas, teniendo un exito aceptable y constituyendo un acercamiento infantil a la musica disco.
El declive del género
Los anti-disco
La popularidad de Fiebre del Sábado Noche, llevó a las grandes discográficas a inundar el mercado de productos disco hechos de forma mecánica y homogeneizada para cubrir la demanda creciente de la audiencia. El adocenamiento de estos productos, y la aparición de alternativas de baile evolucionadas (Dance, Techno...), crearon un sentimiento anti-disco cada vez más perceptible. Las emisoras de radio comenzaron a abandonar la música disco, sobre todo a partir de 1979.
La emergencia de escenas alternativas, tanto en el rock (Punk, New wave...) como en la música R&B (Rap, Hip hop...) también contribuyeron al declive del género.
El 12 de julio de 1979, tuvo lugar una acción anti-disco en Chicago, impulsada por diversos DJs de emisoras de rock, como Steve Dahl, Gerry Meier o Michael Veeck, y que adoptó formato de evento, bajo el nombre de Disco Demolition Night. El asunto incluyó la quema de discos y acabó con un fuerte enfrentamiento con la policía, y numerosos arrestados. Este conflicto, influyó seriamente en el cambio de paisaje sonoro en los charts.
No obstante, aún continua habiendo algunos éxitos disco a comienzo de los ochenta, aunque con un estilo evolucionado y simplificado: Lipp's Inc. (Funkytown, 1980); Kool & The Gang (Celebration, 1980); The Weather Girls (It's raining men, 1982); The Pointer Sisters (I'm so excited, 1982); Michael Jackson (Thriller, 1982); The Mary Jane Girls (In My House, 1983); Prince (1999, 1983); Irene Cara (Flashdance, 1983); o Madonna (Lucky Star, 1983) , Baltimora (Tarzan Boy, 1984).
Del sonido disco al sonido dance
La transición entre la música disco de los 70 y el Dance de los 80, se produce básicamente en los estudios de grabación. Según afirmaciones de Gloria Gaynor, el cambio se origina debido a que los productores comienzan a perder dinero en sus ediciones. Así que se sustituyen las secciones de cuerdas y viento, y el amplio plantel de músicos de sesión por sofisticados Secuenciadores y Cajas de ritmos.
Paralelamente el género, ya decadente, asimila variadas influencias del jazz y el blues, generando nuevas vías de desarrollo (Acid Jazz, Groove) que inundan las discotecas de USA y Reino Unido entre 1980 y 1983. Entre los primeros ejemplos de Dance ya reconocible, encontramos a D.Train, Kashif o Patrice Rushen
El single Planet Rock de Afrika Bambaataa (1982), producido por Arthur Baker, marca el giro definitivo del disco hacia el hip-hop y el techno, fuertemente influenciado, entre otros, por Kraftwerk y su Trans-Europe Express. El nombre del estilo fue Electro Funk.
Serían, finalmente, productores como el propio Giorgio Moroder en Europa, y Larry Levan o Frankie Knuckles en USA, quienes, jugando con loops y bajos poderosos, impulsarían el House, vinculado a clubs como el Paradise Garage (New York) o el Warehouse, en Chicago.
El Revival de los 90
La aparición de algunos discos de artistas renombrados, a mediados de los noventa, que incorporaban elementos claramente disco, originó un breve resurgir del género en la década de los 90.
Publicaron canciones neo-disco, artistas como U2 (Lemon,1993), Brand New Heavies (Spend some times, 1994), Jamiroquai (Cosmic girl, 1996; Little L, 2001), Spice Girls (Who do you think you are, 1997) , Kylie Minogue (Spinning around, 2001) o Sophie Ellis Bextor (Murder on The Dance Floor, 2002).
En esta década, una serie de Videojuegos incluyeron algunos temas disco, como es el caso, entre otros, de Dance Dance Revolution 4th Mix (Shake Your Booty de KC and The Sunshine Band); Bust A Groove (The Natural Playboy) o 'Bust A Groove 2 (Lets the Music Take Control). Para la saga Bust a Groove, los temas fueron especialmente compuestos para representar a un personaje denominado Hiro, que es un fanático bailarín de este tipo de música.
El genero en la actualidad
Aunque las influencias de la música disco permanecen aún en temas actuales (por ejemplo, Free my love de Suzanne Palmer, Big Girls(You Are Beautiful) de Mika , Shut Up And Let Me Go de The Ting Tings ) o algo de lo que hacen Scissors Sisters (2007), puede decirse que el género ya es pasado.
Se puede decir que en cierto modo el Genero Indie tiene algunas influencias de este genero ya que algunas canciones de este mismo llegan a tener el mismo tiempo de Beats Repetitivos caracteristicos de la musica disco
No obstante, sigue habiendo un mercado de aficionados, que permite que sigan editándose CD clásicos, remixes de algunas canciones conocidas, y que se celebren grandes conciertos, de convocatoria "familiar", como el realizado por la PBS en 2004, que unió a estrellas y artistas de aquel tiempo (como A Taste Of Honey , Leo Sayer , Tavares , Frankie Valli , Yvonne Elliman , HeatWave , The Hues Corporation o Martha Wash, entre otros), que "revivieron" muchas de las canciones que hicieron epoca.
Subgéneros
Variantes regionales
En la época de mayor esplendor (mediados de los 70), aparecieron un gran número de variantes regionales del género, en algunos casos consecuencia de las características especiales de algunos artistas, en otros como consecuencia de conceptos de producción y/o arreglos musicales. Entre estos subgéneros locales, cabe destacar:
• El Sonido Filadelfia, una creación de los productores y compositores Humble y Huff, y que generó una larga lista de números uno, con grupos como MFSB, The O'Jays o The Three Degrees, y solistas como Patti Labelle o Billy Paul.
• El Sonido New York, con temas de los artistas residentes de Studio 54 asi como algunos de origen latino, como Van McCoy, Grace Jones, The Salsoul Orchestra , Amanda Lear o LaBelle, con su espectacular éxito Lady Marmalade.
• El Sonido Los Angeles, que incluía grupos como Tavares, Love Unlimited Orchestra o Phyllis Hyman.
• El Sonido Munich, con artistas como Donna Summer, Silver Convention, Boney M o Giorgio Moroder.
Los DJs
El propio concepto del género, y su estrecha vinculación con las pistas de baile, otorgaron un papel relevante a los DJs en la popularización de la música disco. Con el tiempo, los más relevantes, fueron incorporando elementos de creación a su trabajo con los vinilos, llegando a generar fórmulas rítmicas propias que fueron asumidas por los productores. Una de estas líneas de desarrollo de la música disco, enlaza directamente con el hip-hop (Afrika Bambaata).
Entre los DJs más importantes, cabe recordar a Walter Gibbons, David Mancuso, John Benitez y Richie Kaczar (ambos de Studio 54), Francis Grasso, Ian Levine, Mike Pace, Preston Powell, etc.
Música disco fuera de USA
La música disco inundó igualmente Europa, con bandas como ABBA, claramente instaladas en el género, y que dominaron las listas durante finales de los 70 y comienzo de los 80. Otros grupos europeos muy influyentes fueron Cerrone (Francia) y Boney M, éste último integrado por cantantes y bailarines de las Indias Occidentales y lanzados en Alemania por el productor Frank Farian. Además, por supuesto, de los representantes del Sonido Munich, Donna Summer y Giorgio Moroder. Precisamente en Munich, se formó el grupo también Silver Convention, que fue otro de los exponentes reconocidos de este genero.
En Francia destacó el hit disco de la cantante Dalida, J’attendrai, que ocupó los nº 1 de los charts en multitud de países, como Canadá o Japón.
En Bélgica, el Grupo Two Man Sound desarrolló su trabajo en diversos idiomas, destacando su Hit Disco Samba, que los dio a conocer con su mezcla de ritmos brasileños y ambientes disco electrónicos.
Por su parte, en España, en la segunda mitad de la década, y comienzo de los ochenta, hubo algunos intentos de música disco, entre los que destacó, sin duda, el grupo Barrabás, junto con otros artistas que lograron algunos éxitos de ventas (Baccara, Apache, etc.). Sin embargo, el grupo español que mejor sintetizó el sonido disco, la Fundación Tony Manero, aparece con el revival de los años 90.
En el ámbito de la música infantil, el grupo Parchís introdujo influencias disco en algunas canciones, como Mortadelo y Filemón o En la Armada, entre otras
En cuanto a Latinoamérica, a finales de los 70, el DJ José Luis Cortés "El Maromero", impulsa el género en México, dándole un toque muy especial. Igualmente M.T.M realiza una versión en español de la canción Double Dutch Bus Denominada El Peribus. Por su parte, el grupo Super Banda Macho de Virgilio Canales hizo versiones disco, integradas en popurrís, de canciones mexicanas tradicionales como corridos o algunas canciones veracruzanas, entre otros materiales mexicanos musicales. También el grupo Mi Banda El Mexicano, incorpora dentro de la instrumentación de sus tecnocumbias, componentes derivados de ésta música.
En Argentina, el arreglista Bebu Silvetti también incursionó en el género, obteniendo algunos exitos y colaborando con bandas como Salsoul Orchestra.
Fuente: Wikipedia
PUNK
El punk es un género musical dentro del rock que emergió a mediados de los años 1970. Se caracteriza en la industria musical por su actitud independiente y amateur. En sus inicios, el punk era una música muy simple y cruda, a veces descuidada: un tipo de rock sencillo, con melodías simples de duraciones cortas, sonidos de guitarras amplificadas poco controlados o ruidosos, pocos arreglos e instrumentos, y, por lo general, de compases y tempos rápidos.
Las líneas de guitarra se caracterizan por su sencillez y la crudeza del sonido amplificado, generalmente creando un ambiente sonoro ruidoso o agresivo heredado del garage rock. El bajo, por lo general, sigue solo la línea del acorde y no busca adornar con octavas ni arreglos la melodía. La batería por su parte lleva un tempo acelerado, con ritmos sencillos de rock. Las voces varían desde expresiones fuertes e incluso violentas o desgarradas, expresivas caricaturas cantadas que alteran los parámetros convencionales de la acción del cantante, hasta formas más melódicas y elaboradas.
Historia del punk
Orígenes y contexto cultural
A finales de los años 1960, una corriente de jóvenes de Gran Bretaña y otros países industrializados consideraban que el rock había pasado de ser un medio de expresión para los jóvenes, a una mera herramienta de mercado y escaparate para la grandilocuencia de los músicos de ese entonces, alejando la música de la gente común. El punk surgió como una burla a la rigidez de los convencionalismos que ocultaban formas de opresión social y cultural.
Las características del punk rock fueron precedidas por el garage rock, recrudeciendo más el sonido fuerte del rock y con composiciones menos profesionales, influenciados por el sonido de la "Invasión Británica", como The Kinks, The Beatles o The Who, y cogiendo elementos del sonido ruidoso del garage rock de The Stooges o Velvet Underground. También se recogen influencias del frenético Surf rock. Estas variadas influencias se conocen ahora como proto-punk. Dentro de las mismas se puede incluir también entre las influencias tempranas a Bobby Fouler Four autor del sencillo "I Fought the Law", que fuera versionado por The Clash, y a Moderns Lovers autores de "Rooadrunner" dados sus ritmos acelerados, no tan cercanos al punk rock posterior pero si alejado del rock convencional y típico de la época, con acordes simples pero aún sin distorsión o volumen alto.
The Ramones hicieron composiciones sencillas, cuyas ácidas letras trataban temas como la anti-moda y las drogas, marcando con su estilo una pauta a seguir para las bandas por venir.
La visita de éstos a Londres hizo que grupos ya existentes, como los Sex Pistols, comenzaran a usar sus instrumentos como medios de expresión y provocación para mostrar su descontento hacia lo que consideraban una sociedad de mentalidad estrecha y represora.
Con el tiempo el género tomaría diferentes caminos y en su paso evolucionaría en muchos subgéneros y recogería influencias de otros estilos musicales. Los subgéneros del punk se definen a veces por características musicales, y en otros casos por el contenido del mensaje o la ideología que lo inspira.
Tal como después sucedería en muchos otros países, en Inglaterra pronto los grupos tomaron influencias de otros géneros. Una de las primeras fusiones del punk fue con el reggae y el ska de los emigrantes jamaicanos en el país. Como primer y más representativo ejemplo se puede mencionar a la banda The Clash y sus temas "Police and Thieves", "The Guns of Brixton" y "(White Man) In Hammersmith Palais".
En los inicios también surgió el estilo hardcore punk, que se caracterizó por ser una versión más rápida de la forma sucia de tocar el punk. Las primeras bandas fueron Bad Brains, Middle Class y Teen Idles.
El concepto y la filosofía punk
Origen del término 'punk'
El término inglés "punk" tiene un significado despectivo que suele variar, aplicándose a objetos (significando "basura") o a personas (significando "vago", "despreciable" o, también, "basura" y "escoria"). Se utiliza de forma irónica como descripción del sustrato crítico o descontento que contiene esta música. Al utilizarlo como etiqueta propia, los "punkies" (o "punks") se desmarcan de la adecuación a los roles y estereotipos sociales. Debido al carácter de este significado, el punk a menudo se ha asociado a actitudes de descuido personal, se ha utilizado como medio de expresión de sentimientos de malestar y odio, y también ha dado cabida a comportamientos neuróticos o autodestructivos.
El término punk se utilizó como título de una revista fundada en 1976 en Nueva York por John Holmstrom, Ged Dunn y Legs McNeil que deseaban una revista que hablara de todo lo que les gustaba: las reposiciones por televisión, beber cerveza, el sexo, las hamburguesas con queso, los cómics, las películas de serie B, y el extraño rock n' roll que sonaba en los garitos más mugrientos de la ciudad: Velvet Underground, Stooges y New York Dolls, entre otros.
Más tarde el significado también serviría para inspirar las corrientes izquierdistas del género, como etiqueta que deshace la condición de clase o rol social con deudas de reputación o apariencia.
Filosofía punk
En su naturaleza original, el punk de la cultura ha sido principalmente de la libertad individual, que tiende a crear creencias en conceptos tales como el individualismo, la lucha contra el autoritarismo, el anarquismo y el pensamiento libre. La ideología punk contienen muy a menudo una visión crítica del mundo, ver a las sociedades modernas que la puesta de límites en la humanidad. Ésta ideología se suele expresar mediante la música punk. A principios de los años 70's, los "punks" tenían una filosofía muy diferente a la de ahora, era el tener aquella idea de "There is no future" (no futuro, no hay futuro). Ese concepto era pesimista, desesperado, destructivo y agresivo hacia la sociedad.
Pero, en la actualidad no ha sido lo mismo hace treinta años aunque siguen siendo la misma naturaleza del punk.
• Puede resumirse en "hazlo tú mismo", "hazlo a tu manera",(en inglés "Do It Yourself").
• Rechazar los dogmas, y no buscar una única verdad. Cuestionar y transgredir todo lo que rodea.
• No actuar conforme a las modas y las manipulaciones mediáticas además de estar en contra del consumismo.
• Pensar por ti mismo.
El punk, si bien empezó en algunos matices siendo un tanto agresivo, se consolida por sus rasgos actuales en una forma de conciencia social, corriente filósofica e idealista y para nada estilista.
La forma originaria del punk era una forma expresionista de transgresión, buscando liberarse de los corsés estéticos y de la opresión, de la autoridad y en no estar de acuerdo en la sociedad convencional, así como de los estigmas sociales. El punk original no daba explicaciones y buscaba incomodar a lo establecido chocando, ofendiendo y molestando, siendo siempre lo "políticamente incorrecto" y lo opuesto al buen gusto, la moral y la tradición. En un primer momento era básicamente una serie de actitudes de transgresión estética y musical (en la vestimenta, el peinado, etc.), aparejadas a una serie de comportamientos de disconformidad cotidiana, que se fueron acentuando.
Más adelante, especialmente con la aparición del hardcore punk, las demostraciones negligentes o autodestructivas fueron perdiendo protagonismo, y se hizo presente todo un abanico de enfoques con intenciones más conscientes, con énfasis en la crítica social y cultural, y posicionamientos políticos, asociacionismos y afinidad a campañas de protesta.
Suelen ir asociadas al punk algunas ideologías políticas como el anarquismo, el anticapitalismo, el antimilitarismo y el antifascismo. A partir del movimiento punk politizado, hay un debate constante que hace crítica a los que son aficionados al punk por cuestiones estéticas o musicales y dejan a un lado el enfoque social o político.
Por otro lado, debido al carácter transgresor y a veces violento del punk, han existido algunos grupos que en su música incluyen un mensaje o trasfondo de corte ultraderechista, aunque en general el movimiento se define como cercano a la izquierda.
Subgéneros y corrientes que han asimiliado rasgos del punk
Como movimiento creativo, el sonido punk dio aparición a numerosas vertientes. Muchos de los grupos se movían de uno a otro género, existiendo diferentes niveles de permeación, evolución y fusión, pudiendo hablarse de bandas que encajan en el perfil de más de dos subgéneros. Estos estilos individuales fueron popularizándose hasta formarse subgéneros musicales, categorías de obras y artistas que compartían un rasgo definido común.
Desde la aparición del la actual fusión del punk-pop, fue desapareciendo la esencia entera el punk ya que éste es más comercial y ya no hablaba de política o de represión, sino de amor y fantasía. Entre sus subgéneros se pueden identificar los siguientes:
Por rasgos comunes musicales
• Hardcore punk: Fue la primera evolución del punk a fines de los 70s, más extrema, más rápida y más agresiva. Se destacan bandas de la primera oleada como Bad Brains, Teen Idles, Dead Kennedys, The Exploited o Discharge.
o Crossover thrash: Es la rama del thrash metal con aún más influencia del hardcore punk. Se cuentan nombres como D.R.I. o Suicidal Tendencies. Este estilo ha influido en el thrash metal (grupos como Metallica o Anthrax). A menudo también con alta armonía y diversidad de sonidos.
o Hardcore melódico: basado en el hardcore punk, de ritmos rápidos y bases fuertes de guitarra, pero con interpretaciones vocales melódicas, iniciado por Bad Religion.
• Gypsy Punk: Es el subgénero que mezcla la música tradicional romana y/o música de cabaret con el punk rock clásico, ejemplos de bandas son Gogol Bordello, The DeVotchkas, Chunga-Changa, etc.
• Post-punk: Género más experimental y melódico que se caracterizó por la deceleración del ritmo, la influencia de otros estilos musicales y un cierto clima de melancolía. Finalmente derivo en la génesis del rock gótico. Está representado por bandas como The Cure, Siouxsie and the Banshees, Joy Division o Bauhaus.
• No wave, movimiento abstracto y música éxperimental de New York, Lydia Lunch, Glenn Branca, Sonic Youth, Birthday Party
• Ska-Punk: Es el sonido del punk combinado con el ska, con ritmos rápidos y uso de instrumentos como trompetas o saxofones. Los ejemplos más significativos están en Operation Ivy a quienes muchos señalan como los pioneros, Rancid, Skankin Pickle o Less Than Jake, varias canciones de NOFX y Propagandhi, etc.
• Psychobilly: Es la mezcla del punk rock con el rockabilly Algunos grupos representativos son The Cramps, The Meteors y Nekromantix.
• Pop-punk: musicalmente más melódico y limpio, éste olvida los dogmas del anarquismo, surge principalmente en Estados Unidos, popularizado en los 90 como parte de la "segunda oleada punk" por bandas como blink-182, Sum 41 etc...
Por otra parte temática o enfoque
• Anarcopunk: grupos que enlazan su música con temáticas o prácticas anarquistas.
• Horror punk: se caracteriza principalmente por sus letras relacionadas con las películas de terror y de Serie-B y toda la imagen que las acompaña, como Zombies, Ghouls, Vampiros, Esqueletos, etc. Y con una imagen similar, usando maquillaje, peinados (como el Devilock, popularizado por la pionera banda The Misfits), etc. Algunas bandas son Misfits, Creepersin, Diemonsterdie y The Distillers entre otras.
• Gothic punk: Es la rama del punk que mezcla el punk y el movimiento estético gótico. AFI o Parálisis Permanente caben dentro de esta categoría.
• Straight Edge: grupos que abogan por el no a las drogas y a favor del vegetarianismo.
• Oi! (también llamado street punk): relacionado a la temática Skinhead y el sindicalismo.
• Skate punk: generalmente de estilo hardcore o hardcore melódico, grupos relacionados a la subcultura del skate.
• Queer punk o Queercore: grupos con componentes homosexuales.
El punk en países hispanohablantes
Argentina
Los primeros en importar este género musical al país fueron Los Testiculos, banda que, con algunos cambios, seguiría con el nombre de Los Violadores, que emulaban en sus principios a The Clash. En el reducido ambiente punk de tiempos de dictadura también aparecen Los Laxantes, con Gamexane (futuro Todos Tus Muertos) en las guitarras, Alerta Roja, Los Baraja –con Marcelo Pocavida en las voces– y Comando Suicida, una banda Oi! Desde la década del ochenta, con el regreso de la democracia, más bandas de este género fueron apareciendo como, por ejemplo, Flema, Attaque 77 y Todos tus Muertos. La mayoría de estas nuevas bandas formaron parte del compilado Invasión 88 y se vieron claramente influenciadas por el estilo punk de grupos como Ramones, The Clash y Sex Pistols.
En la última década del Siglo XX, aparecieron bandas que hasta el día de hoy (2008) siguen vigentes, como Shaila, Virgin Pancakes, Cadena Perpetua, Dos Minutos, Expulsados, Mal Momento, Doble Fuerza, She Devils y El Otro Yo.
Chile
En Chile la banda punk más antigua es Fiskales Ad-Hok, nacida en la década de los 80 durante la dictadura. Otras importantes fueron y son Punkora, Pegotes, KK Urbana, ANARKIA, Machuca, BBS Paranoicos, 10Botellas y Los Miserables. Fuera de la capital chilena se ve gran cantidad de bandas ligadas al Punk rock, entre ellas las pertenecientes al norte del país: Tetranarko, Hardkolicos, Desorden Masivo y Kaos Anti Social que entre sus variados estilos rescatan el espíritu del género.
Entre las bandas anarcopunk se destacan malgobierno, altercado de Graneros, Marcel Duchamp (banda), Sin Apoyo, Sin Fronteras, entre otros.
Colombia
El Punk en Colombia se ve representado por bandas como I.R.A., Ministero De Vagancia, Polikarpa y sus viciosas, Desadaptadoz, Desarme, Nadie, Fértil miseria, Los Suziox, R.A.Z.A., KontrAestado muchos de estos basados en la Anarquía e ideas revolucionarias que demuestran las importantes bases del movimiento punk en Colombia, también existen bandas que fusionan el punk con otros géneros como es el caso de Skándalo oi!, una banda de Ska-Oi! y Batracios banda de Ska-Punk entre otras. La escena nacional se desarrolló principalmente en dos ciudades, Bogotá y Medellín; en donde aun hoy se ve el mayor número de bandas, aunque en los últimos años ciudades como: Cali, Manizalez y Armenia han dado nacimiento ha importantes bandas dentro de la escena del Punk colombiano.
En Medellin se llevó a cabo la realización de una película de corte punk, Rodrigo D: No futuro, dirigida por Víctor Gaviria, se desarrolla en un Medellín de los años 80's, muestra la vida de un joven punkero en un ambiente de violencia y desigualdad social, en esta película se ven claras influencias del movimiento punk británico, con un nihilismo muy relevante (característica de los primeros punk). A partir de esta película se evidencia el movimiento punk en los jóvenes de la ciudad de Medellín.
Desde hace casi 10 años en Bogotá, muchas de las bandas que en un inicio contaban con una estética punk, pero sin una base política y de propuesta y acción, comenzaron a trabajar por lograr un movimiento de base, que aparte de la música, trabajara con las comunidades, del pueblo para el pueblo y llevara a su cotidianidad valores de libertad, igualdad, solidaridad, apoyo mutuo y autogestión, volcándose a transformar una puntual escena punk en Anarcopunk, lo cual demostró el gran compromiso que ha tomado el Movimiento Punk en Colombia.
España
Muchos españoles, estudiantes, descendientes de exiliados y emigrantes formaron parte de la movida punk londinense, como la batería de The Slits, Paloma Romero, Palmolive, que era malagueña.
En España, ya por 1976, la influencia punk aparece con La Banda Trapera del Río, grupo de Cornellá de Llobregat (Barcelona), pioneros del género en el país. Los grupos iniciadores de la movida madrileña empezaron a finales de los 70 con una actitud y musicalidad eminentemente punk. Hablamos especialmente del grupo Kaka de Luxe, verdadera semilla de la Movida, que posteriormente continuó su línea punk en sus dos escisiones: Alaska y los Pegamoides y Radio Futura. A partir de los años 1980 en adelante encontramos bandas que recogen influencias del punk, como Eskorbuto, Parálisis Permanente, Siniestro Total, TDeK, T.N.T., Larsen, Escorbuto Crónico, Seguridad Social, Parabellum, La Polla Records, Kortatu, Cicatriz, Las Vulpess, etc. La presencia del punk entonces siempre estuvo muy relacionada con el el Rock Radical Vasco, y la Movida madrileña de los años 1980, siendo estos movimientos la respuesta españolas al punk y al new wave británico.
En los años 90, con el resurgir comercial del punk en Estados Unidos, surgen muchas bandas haciéndose eco, en todos los subgéneros, desde Lendakaris Muertos y Nuevo Catecismo Católico, el pop punk de NoWayOut y Dikers, a la formación de nuevas bandas con viejos conocidos como Gatillazo, tras la separación en 2003 de La Polla Records. Bajo la influencia de los Ramones surgieron algunos grupos a principio de los años 90 de estilo "Ramoniano" como Shock Treatment, Fast Food o Depressing Claim entre otros. Desde el año 2000, donde muchos pensaban que llegaría el fin del mundo, en España siguen apareciendo nuevos grupos fusionando el Punk con Rock & Roll como Diesel Dogs, Guitar Mafia ó Middlefingers, entre decenas.
México
Una primera hornada de bandas mexicanas surgió en la capital, México, D.F., hacia 1978: Size, Salida Falsa y Dangerous Rhythm, bandas que procedían de la clase media. A partir de 1980 empezó a aparecer en dicha ciudad otra clase de bandas, arraigadas en el estrato social proletario, como Rebel'd Punk.El movimiento propiamente dicho empezó a comienzos de los años 1980 en la ciudad de Tijuana, en parte gracias a ser ciudad fronteriza con los Estados Unidos, con grupos como Solución Mortal (formados en 1981-1982) y Putrid Scum (formados en 1983). A mediados de los años 1980 surgieron en las zonas marginales de la Ciudad de México bandas como Catarsis Liberada, Atoxxxico y Massacre 68.
En los años 2000 el movimiento punk en México ha tomado un carácter cultural, se pueden apreciar en grandes bazares de cultura rockera dentro de los cuales es común encontrar gente punk comprometida y organizada difundiendo, intercambiando y/o vendiendo ropa y música. El punk mexicano en la actualidad está ligado con diversas ideas, desde el punk nihilista de los Ramones hasta el anarco-punk de los Pistols, géneros como el hardcore punk, punk rock, ska-punk han sido incorporados a las propuestas musicales de las bandas, hoy grupos como Oveja Negra, Desobediencia Civil, Fallas del Sistema, Síndrome Del Punk, Espécimen, Graffiti 3X, Vomito Nuclear, Polo Pepo, Krata, Garrobos, Desertor, Seguimos Perdiendo, Seis Pistos y Ramomex entre otros promueven el punk y el anarco-punk no sólo como música si no también como ideología y movimientos sociales organizados.
Perú
Desde la década de 1990, se ha reivindicado a Los Saicos como banda proto-punk, activa en 1964-1965. El punk propiamente dicho llegó en los años 1980 con grupos como Narcosis, Leusemia, Zcuela Cerrada,Autopsia y Guerrilla Urbana. De los 1990 destacan: PTK, 3 Al Hilo, Irreverentes, Generación Perdida, Morbo, Aeropajitas, Héroe Inocente y más. Para el 2000 el sonido neo punk (Happy punk) abandonando la ideología y poniéndose de moda imperaria con bandas como 6 Voltios, Terreviento, Diazepunk Rezaka, 40 Gramos, Tragokorto, Dalevuelta y más. Emo y hasta post- punk en piura, pero trujillo en este 2007 no se queda atrás y tiene a Radio Basuka y SOkrates, como bandas realmente de rockandroll con influencias clashistas y leusemicas.
Puerto Rico
El punk en Puerto Rico nació varios años atrás, con bandas excelentes como Da' pingaz y Los Lácteos ha tenido mucha decadencia en estos últimos años. entre sus bandas se encuentran: Juventud Crasa, Oberdebaigot, Tropiezo, La Experiencia, Diente Perro, LopoDrido, Necronazis, etc.
Uruguay
En Montevideo, las dos primeras bandas punk realmente influyentes fueron Los Traidores y los Estómagos. Estas bandas surgen en los primeros años post dictadura como arma para la divulgación del sentimiento de los jóvenes de la época. Existía ya por ese entonces, y continúa existiendo, una banda con actitud punk y sonido rockero que fue a la postre, influencia para la mayoría de los músicos actuales, y que se llama la Tabaré Riverock Banda, liderada e integrada siempre por Tabaré Rivero, que a pesar de sus infinitos cambios en la formación y sonido, mantuvo siempre la misma estética e ideología. Es por esos años que surge una banda con actitud punk llamada, La Chancha Francisca, que tenía un sonido con mezcla de varios ritmos y utilizaba instrumentos de viento. Hoy día, de esa banda quedan vestigios como su cantante y bateristas originales formando La Chancha, con un sonido mucho más punk. Tras la disolución de los Estómagos, hacia fines de los 80, se forma con Peluffo y Parodi (voz y guitarra de los estómagos) la banda Buitres después de la una.
Dentro del movimiento punk actual, se pueden diferenciar dos vertientes, una que se asemeja al punk vasco al estilo de La Polla Records, que lo integran bandas como Cambiá la Biblia, o Graffolitas (originaria del departamento de durazno) por citar los dos más claros ejemplos. Ambas bandas buscan compartir una forma de ver el mundo crítica, generadora de alternativas, con letras que para muchos suenan chocantes. Para muestra alcanza con el nombre del primer disco de Cambiá la Biblia llamado Algún Culo va a Sangrar. Y otra vertiente que está claramente influenciada por la ola de los Ramones que la lidera Trotsky Vengaran, y que la integran también bandas como Mandala, Cría Cuervos, Motosierra, o la Sangre de Veronika. En el hardcore melódico Nada que Hacer, es sin dudas la banda más conocida, teniendo buena repercusión fuera de fronteras. Fuera de Montevideo, las bandas de punk rock no abundan, pero nacen y existen en la penumbra, algunos ejemplos son, Harry de pando, en Mercedes la banda Yauguru. Las mas under en el momento son Deskartable con influencias de Dos Minutos, Trotsky Vengaran y The Ramones. También está La Viuda con mucha influencia pop de bandas como blink-182 y Yellowcard.
Venezuela
Venezuela vio surgir el punk local a partir de la banda Seguridad Nacional en 1979. A principios de los años 1980 aparecen Sentimiento Muerto (la banda más importante del punk venezolano), Venezuela Hardcore y Primero Venezuela dando el inicio a este género.
Hoy en día en Venezuela la movida punk se ha visto muy influenciada por las bandas españolas y argentinas; igualmente se puede observar que los toques son en su mayoría de Hard-Core y punk OI!. Hoy en día se intenta renacer el Punk Rock vieja escuela. Es importante señalar también que la mayoría del Hard-Core venezolano esta muy ligado al Metal-core.
Las bandas más importantes en Venezuela en los momentos son: Reciclaje, Analitika, Doña Maldad, NADA, Loa Calvos, Los Mentas, No habrá Futuro, Biophobia, 100 pa la botella, @apatía no, Los Vicios, Los Javelins, Stuproi, Camuflaje, Extrema Realidad, Zikotikos Armados, etc.
Ecuador
Rock Ecuatoriano: A finales de los 80, en Guayaquil, se forma la banda de punk Los Descontrolados, siendo los primeros en su género en Ecuador, con muy poca proyección y duración. En inicios de los 90, se juntaron amigos de un colegio de Guayaquil y formaron la banda NoToken que se consagró como la primera banda de punk de Ecuador en proyectarse en circuitos undergrounds, fuera de su país de origen. Otras bandas de similar experiencia han sido Mortal Decisión, Kaos, Retaque.
Por otro lado la UniónPunk es un movimiento juvenil formado en mayo de 1998 por bandas independientes guayaquileñas influenciadas en la corriente new school del punk melódico norteamericano y el skate punk. Actualmente estos circuitos punk continúan y contienen cierto nivel contestatario ante las situaciones socio-políticas.
Fuente: Wikipedia
Las líneas de guitarra se caracterizan por su sencillez y la crudeza del sonido amplificado, generalmente creando un ambiente sonoro ruidoso o agresivo heredado del garage rock. El bajo, por lo general, sigue solo la línea del acorde y no busca adornar con octavas ni arreglos la melodía. La batería por su parte lleva un tempo acelerado, con ritmos sencillos de rock. Las voces varían desde expresiones fuertes e incluso violentas o desgarradas, expresivas caricaturas cantadas que alteran los parámetros convencionales de la acción del cantante, hasta formas más melódicas y elaboradas.
Historia del punk
Orígenes y contexto cultural
A finales de los años 1960, una corriente de jóvenes de Gran Bretaña y otros países industrializados consideraban que el rock había pasado de ser un medio de expresión para los jóvenes, a una mera herramienta de mercado y escaparate para la grandilocuencia de los músicos de ese entonces, alejando la música de la gente común. El punk surgió como una burla a la rigidez de los convencionalismos que ocultaban formas de opresión social y cultural.
Las características del punk rock fueron precedidas por el garage rock, recrudeciendo más el sonido fuerte del rock y con composiciones menos profesionales, influenciados por el sonido de la "Invasión Británica", como The Kinks, The Beatles o The Who, y cogiendo elementos del sonido ruidoso del garage rock de The Stooges o Velvet Underground. También se recogen influencias del frenético Surf rock. Estas variadas influencias se conocen ahora como proto-punk. Dentro de las mismas se puede incluir también entre las influencias tempranas a Bobby Fouler Four autor del sencillo "I Fought the Law", que fuera versionado por The Clash, y a Moderns Lovers autores de "Rooadrunner" dados sus ritmos acelerados, no tan cercanos al punk rock posterior pero si alejado del rock convencional y típico de la época, con acordes simples pero aún sin distorsión o volumen alto.
The Ramones hicieron composiciones sencillas, cuyas ácidas letras trataban temas como la anti-moda y las drogas, marcando con su estilo una pauta a seguir para las bandas por venir.
La visita de éstos a Londres hizo que grupos ya existentes, como los Sex Pistols, comenzaran a usar sus instrumentos como medios de expresión y provocación para mostrar su descontento hacia lo que consideraban una sociedad de mentalidad estrecha y represora.
Con el tiempo el género tomaría diferentes caminos y en su paso evolucionaría en muchos subgéneros y recogería influencias de otros estilos musicales. Los subgéneros del punk se definen a veces por características musicales, y en otros casos por el contenido del mensaje o la ideología que lo inspira.
Tal como después sucedería en muchos otros países, en Inglaterra pronto los grupos tomaron influencias de otros géneros. Una de las primeras fusiones del punk fue con el reggae y el ska de los emigrantes jamaicanos en el país. Como primer y más representativo ejemplo se puede mencionar a la banda The Clash y sus temas "Police and Thieves", "The Guns of Brixton" y "(White Man) In Hammersmith Palais".
En los inicios también surgió el estilo hardcore punk, que se caracterizó por ser una versión más rápida de la forma sucia de tocar el punk. Las primeras bandas fueron Bad Brains, Middle Class y Teen Idles.
El concepto y la filosofía punk
Origen del término 'punk'
El término inglés "punk" tiene un significado despectivo que suele variar, aplicándose a objetos (significando "basura") o a personas (significando "vago", "despreciable" o, también, "basura" y "escoria"). Se utiliza de forma irónica como descripción del sustrato crítico o descontento que contiene esta música. Al utilizarlo como etiqueta propia, los "punkies" (o "punks") se desmarcan de la adecuación a los roles y estereotipos sociales. Debido al carácter de este significado, el punk a menudo se ha asociado a actitudes de descuido personal, se ha utilizado como medio de expresión de sentimientos de malestar y odio, y también ha dado cabida a comportamientos neuróticos o autodestructivos.
El término punk se utilizó como título de una revista fundada en 1976 en Nueva York por John Holmstrom, Ged Dunn y Legs McNeil que deseaban una revista que hablara de todo lo que les gustaba: las reposiciones por televisión, beber cerveza, el sexo, las hamburguesas con queso, los cómics, las películas de serie B, y el extraño rock n' roll que sonaba en los garitos más mugrientos de la ciudad: Velvet Underground, Stooges y New York Dolls, entre otros.
Más tarde el significado también serviría para inspirar las corrientes izquierdistas del género, como etiqueta que deshace la condición de clase o rol social con deudas de reputación o apariencia.
Filosofía punk
En su naturaleza original, el punk de la cultura ha sido principalmente de la libertad individual, que tiende a crear creencias en conceptos tales como el individualismo, la lucha contra el autoritarismo, el anarquismo y el pensamiento libre. La ideología punk contienen muy a menudo una visión crítica del mundo, ver a las sociedades modernas que la puesta de límites en la humanidad. Ésta ideología se suele expresar mediante la música punk. A principios de los años 70's, los "punks" tenían una filosofía muy diferente a la de ahora, era el tener aquella idea de "There is no future" (no futuro, no hay futuro). Ese concepto era pesimista, desesperado, destructivo y agresivo hacia la sociedad.
Pero, en la actualidad no ha sido lo mismo hace treinta años aunque siguen siendo la misma naturaleza del punk.
• Puede resumirse en "hazlo tú mismo", "hazlo a tu manera",(en inglés "Do It Yourself").
• Rechazar los dogmas, y no buscar una única verdad. Cuestionar y transgredir todo lo que rodea.
• No actuar conforme a las modas y las manipulaciones mediáticas además de estar en contra del consumismo.
• Pensar por ti mismo.
El punk, si bien empezó en algunos matices siendo un tanto agresivo, se consolida por sus rasgos actuales en una forma de conciencia social, corriente filósofica e idealista y para nada estilista.
La forma originaria del punk era una forma expresionista de transgresión, buscando liberarse de los corsés estéticos y de la opresión, de la autoridad y en no estar de acuerdo en la sociedad convencional, así como de los estigmas sociales. El punk original no daba explicaciones y buscaba incomodar a lo establecido chocando, ofendiendo y molestando, siendo siempre lo "políticamente incorrecto" y lo opuesto al buen gusto, la moral y la tradición. En un primer momento era básicamente una serie de actitudes de transgresión estética y musical (en la vestimenta, el peinado, etc.), aparejadas a una serie de comportamientos de disconformidad cotidiana, que se fueron acentuando.
Más adelante, especialmente con la aparición del hardcore punk, las demostraciones negligentes o autodestructivas fueron perdiendo protagonismo, y se hizo presente todo un abanico de enfoques con intenciones más conscientes, con énfasis en la crítica social y cultural, y posicionamientos políticos, asociacionismos y afinidad a campañas de protesta.
Suelen ir asociadas al punk algunas ideologías políticas como el anarquismo, el anticapitalismo, el antimilitarismo y el antifascismo. A partir del movimiento punk politizado, hay un debate constante que hace crítica a los que son aficionados al punk por cuestiones estéticas o musicales y dejan a un lado el enfoque social o político.
Por otro lado, debido al carácter transgresor y a veces violento del punk, han existido algunos grupos que en su música incluyen un mensaje o trasfondo de corte ultraderechista, aunque en general el movimiento se define como cercano a la izquierda.
Subgéneros y corrientes que han asimiliado rasgos del punk
Como movimiento creativo, el sonido punk dio aparición a numerosas vertientes. Muchos de los grupos se movían de uno a otro género, existiendo diferentes niveles de permeación, evolución y fusión, pudiendo hablarse de bandas que encajan en el perfil de más de dos subgéneros. Estos estilos individuales fueron popularizándose hasta formarse subgéneros musicales, categorías de obras y artistas que compartían un rasgo definido común.
Desde la aparición del la actual fusión del punk-pop, fue desapareciendo la esencia entera el punk ya que éste es más comercial y ya no hablaba de política o de represión, sino de amor y fantasía. Entre sus subgéneros se pueden identificar los siguientes:
Por rasgos comunes musicales
• Hardcore punk: Fue la primera evolución del punk a fines de los 70s, más extrema, más rápida y más agresiva. Se destacan bandas de la primera oleada como Bad Brains, Teen Idles, Dead Kennedys, The Exploited o Discharge.
o Crossover thrash: Es la rama del thrash metal con aún más influencia del hardcore punk. Se cuentan nombres como D.R.I. o Suicidal Tendencies. Este estilo ha influido en el thrash metal (grupos como Metallica o Anthrax). A menudo también con alta armonía y diversidad de sonidos.
o Hardcore melódico: basado en el hardcore punk, de ritmos rápidos y bases fuertes de guitarra, pero con interpretaciones vocales melódicas, iniciado por Bad Religion.
• Gypsy Punk: Es el subgénero que mezcla la música tradicional romana y/o música de cabaret con el punk rock clásico, ejemplos de bandas son Gogol Bordello, The DeVotchkas, Chunga-Changa, etc.
• Post-punk: Género más experimental y melódico que se caracterizó por la deceleración del ritmo, la influencia de otros estilos musicales y un cierto clima de melancolía. Finalmente derivo en la génesis del rock gótico. Está representado por bandas como The Cure, Siouxsie and the Banshees, Joy Division o Bauhaus.
• No wave, movimiento abstracto y música éxperimental de New York, Lydia Lunch, Glenn Branca, Sonic Youth, Birthday Party
• Ska-Punk: Es el sonido del punk combinado con el ska, con ritmos rápidos y uso de instrumentos como trompetas o saxofones. Los ejemplos más significativos están en Operation Ivy a quienes muchos señalan como los pioneros, Rancid, Skankin Pickle o Less Than Jake, varias canciones de NOFX y Propagandhi, etc.
• Psychobilly: Es la mezcla del punk rock con el rockabilly Algunos grupos representativos son The Cramps, The Meteors y Nekromantix.
• Pop-punk: musicalmente más melódico y limpio, éste olvida los dogmas del anarquismo, surge principalmente en Estados Unidos, popularizado en los 90 como parte de la "segunda oleada punk" por bandas como blink-182, Sum 41 etc...
Por otra parte temática o enfoque
• Anarcopunk: grupos que enlazan su música con temáticas o prácticas anarquistas.
• Horror punk: se caracteriza principalmente por sus letras relacionadas con las películas de terror y de Serie-B y toda la imagen que las acompaña, como Zombies, Ghouls, Vampiros, Esqueletos, etc. Y con una imagen similar, usando maquillaje, peinados (como el Devilock, popularizado por la pionera banda The Misfits), etc. Algunas bandas son Misfits, Creepersin, Diemonsterdie y The Distillers entre otras.
• Gothic punk: Es la rama del punk que mezcla el punk y el movimiento estético gótico. AFI o Parálisis Permanente caben dentro de esta categoría.
• Straight Edge: grupos que abogan por el no a las drogas y a favor del vegetarianismo.
• Oi! (también llamado street punk): relacionado a la temática Skinhead y el sindicalismo.
• Skate punk: generalmente de estilo hardcore o hardcore melódico, grupos relacionados a la subcultura del skate.
• Queer punk o Queercore: grupos con componentes homosexuales.
El punk en países hispanohablantes
Argentina
Los primeros en importar este género musical al país fueron Los Testiculos, banda que, con algunos cambios, seguiría con el nombre de Los Violadores, que emulaban en sus principios a The Clash. En el reducido ambiente punk de tiempos de dictadura también aparecen Los Laxantes, con Gamexane (futuro Todos Tus Muertos) en las guitarras, Alerta Roja, Los Baraja –con Marcelo Pocavida en las voces– y Comando Suicida, una banda Oi! Desde la década del ochenta, con el regreso de la democracia, más bandas de este género fueron apareciendo como, por ejemplo, Flema, Attaque 77 y Todos tus Muertos. La mayoría de estas nuevas bandas formaron parte del compilado Invasión 88 y se vieron claramente influenciadas por el estilo punk de grupos como Ramones, The Clash y Sex Pistols.
En la última década del Siglo XX, aparecieron bandas que hasta el día de hoy (2008) siguen vigentes, como Shaila, Virgin Pancakes, Cadena Perpetua, Dos Minutos, Expulsados, Mal Momento, Doble Fuerza, She Devils y El Otro Yo.
Chile
En Chile la banda punk más antigua es Fiskales Ad-Hok, nacida en la década de los 80 durante la dictadura. Otras importantes fueron y son Punkora, Pegotes, KK Urbana, ANARKIA, Machuca, BBS Paranoicos, 10Botellas y Los Miserables. Fuera de la capital chilena se ve gran cantidad de bandas ligadas al Punk rock, entre ellas las pertenecientes al norte del país: Tetranarko, Hardkolicos, Desorden Masivo y Kaos Anti Social que entre sus variados estilos rescatan el espíritu del género.
Entre las bandas anarcopunk se destacan malgobierno, altercado de Graneros, Marcel Duchamp (banda), Sin Apoyo, Sin Fronteras, entre otros.
Colombia
El Punk en Colombia se ve representado por bandas como I.R.A., Ministero De Vagancia, Polikarpa y sus viciosas, Desadaptadoz, Desarme, Nadie, Fértil miseria, Los Suziox, R.A.Z.A., KontrAestado muchos de estos basados en la Anarquía e ideas revolucionarias que demuestran las importantes bases del movimiento punk en Colombia, también existen bandas que fusionan el punk con otros géneros como es el caso de Skándalo oi!, una banda de Ska-Oi! y Batracios banda de Ska-Punk entre otras. La escena nacional se desarrolló principalmente en dos ciudades, Bogotá y Medellín; en donde aun hoy se ve el mayor número de bandas, aunque en los últimos años ciudades como: Cali, Manizalez y Armenia han dado nacimiento ha importantes bandas dentro de la escena del Punk colombiano.
En Medellin se llevó a cabo la realización de una película de corte punk, Rodrigo D: No futuro, dirigida por Víctor Gaviria, se desarrolla en un Medellín de los años 80's, muestra la vida de un joven punkero en un ambiente de violencia y desigualdad social, en esta película se ven claras influencias del movimiento punk británico, con un nihilismo muy relevante (característica de los primeros punk). A partir de esta película se evidencia el movimiento punk en los jóvenes de la ciudad de Medellín.
Desde hace casi 10 años en Bogotá, muchas de las bandas que en un inicio contaban con una estética punk, pero sin una base política y de propuesta y acción, comenzaron a trabajar por lograr un movimiento de base, que aparte de la música, trabajara con las comunidades, del pueblo para el pueblo y llevara a su cotidianidad valores de libertad, igualdad, solidaridad, apoyo mutuo y autogestión, volcándose a transformar una puntual escena punk en Anarcopunk, lo cual demostró el gran compromiso que ha tomado el Movimiento Punk en Colombia.
España
Muchos españoles, estudiantes, descendientes de exiliados y emigrantes formaron parte de la movida punk londinense, como la batería de The Slits, Paloma Romero, Palmolive, que era malagueña.
En España, ya por 1976, la influencia punk aparece con La Banda Trapera del Río, grupo de Cornellá de Llobregat (Barcelona), pioneros del género en el país. Los grupos iniciadores de la movida madrileña empezaron a finales de los 70 con una actitud y musicalidad eminentemente punk. Hablamos especialmente del grupo Kaka de Luxe, verdadera semilla de la Movida, que posteriormente continuó su línea punk en sus dos escisiones: Alaska y los Pegamoides y Radio Futura. A partir de los años 1980 en adelante encontramos bandas que recogen influencias del punk, como Eskorbuto, Parálisis Permanente, Siniestro Total, TDeK, T.N.T., Larsen, Escorbuto Crónico, Seguridad Social, Parabellum, La Polla Records, Kortatu, Cicatriz, Las Vulpess, etc. La presencia del punk entonces siempre estuvo muy relacionada con el el Rock Radical Vasco, y la Movida madrileña de los años 1980, siendo estos movimientos la respuesta españolas al punk y al new wave británico.
En los años 90, con el resurgir comercial del punk en Estados Unidos, surgen muchas bandas haciéndose eco, en todos los subgéneros, desde Lendakaris Muertos y Nuevo Catecismo Católico, el pop punk de NoWayOut y Dikers, a la formación de nuevas bandas con viejos conocidos como Gatillazo, tras la separación en 2003 de La Polla Records. Bajo la influencia de los Ramones surgieron algunos grupos a principio de los años 90 de estilo "Ramoniano" como Shock Treatment, Fast Food o Depressing Claim entre otros. Desde el año 2000, donde muchos pensaban que llegaría el fin del mundo, en España siguen apareciendo nuevos grupos fusionando el Punk con Rock & Roll como Diesel Dogs, Guitar Mafia ó Middlefingers, entre decenas.
México
Una primera hornada de bandas mexicanas surgió en la capital, México, D.F., hacia 1978: Size, Salida Falsa y Dangerous Rhythm, bandas que procedían de la clase media. A partir de 1980 empezó a aparecer en dicha ciudad otra clase de bandas, arraigadas en el estrato social proletario, como Rebel'd Punk.El movimiento propiamente dicho empezó a comienzos de los años 1980 en la ciudad de Tijuana, en parte gracias a ser ciudad fronteriza con los Estados Unidos, con grupos como Solución Mortal (formados en 1981-1982) y Putrid Scum (formados en 1983). A mediados de los años 1980 surgieron en las zonas marginales de la Ciudad de México bandas como Catarsis Liberada, Atoxxxico y Massacre 68.
En los años 2000 el movimiento punk en México ha tomado un carácter cultural, se pueden apreciar en grandes bazares de cultura rockera dentro de los cuales es común encontrar gente punk comprometida y organizada difundiendo, intercambiando y/o vendiendo ropa y música. El punk mexicano en la actualidad está ligado con diversas ideas, desde el punk nihilista de los Ramones hasta el anarco-punk de los Pistols, géneros como el hardcore punk, punk rock, ska-punk han sido incorporados a las propuestas musicales de las bandas, hoy grupos como Oveja Negra, Desobediencia Civil, Fallas del Sistema, Síndrome Del Punk, Espécimen, Graffiti 3X, Vomito Nuclear, Polo Pepo, Krata, Garrobos, Desertor, Seguimos Perdiendo, Seis Pistos y Ramomex entre otros promueven el punk y el anarco-punk no sólo como música si no también como ideología y movimientos sociales organizados.
Perú
Desde la década de 1990, se ha reivindicado a Los Saicos como banda proto-punk, activa en 1964-1965. El punk propiamente dicho llegó en los años 1980 con grupos como Narcosis, Leusemia, Zcuela Cerrada,Autopsia y Guerrilla Urbana. De los 1990 destacan: PTK, 3 Al Hilo, Irreverentes, Generación Perdida, Morbo, Aeropajitas, Héroe Inocente y más. Para el 2000 el sonido neo punk (Happy punk) abandonando la ideología y poniéndose de moda imperaria con bandas como 6 Voltios, Terreviento, Diazepunk Rezaka, 40 Gramos, Tragokorto, Dalevuelta y más. Emo y hasta post- punk en piura, pero trujillo en este 2007 no se queda atrás y tiene a Radio Basuka y SOkrates, como bandas realmente de rockandroll con influencias clashistas y leusemicas.
Puerto Rico
El punk en Puerto Rico nació varios años atrás, con bandas excelentes como Da' pingaz y Los Lácteos ha tenido mucha decadencia en estos últimos años. entre sus bandas se encuentran: Juventud Crasa, Oberdebaigot, Tropiezo, La Experiencia, Diente Perro, LopoDrido, Necronazis, etc.
Uruguay
En Montevideo, las dos primeras bandas punk realmente influyentes fueron Los Traidores y los Estómagos. Estas bandas surgen en los primeros años post dictadura como arma para la divulgación del sentimiento de los jóvenes de la época. Existía ya por ese entonces, y continúa existiendo, una banda con actitud punk y sonido rockero que fue a la postre, influencia para la mayoría de los músicos actuales, y que se llama la Tabaré Riverock Banda, liderada e integrada siempre por Tabaré Rivero, que a pesar de sus infinitos cambios en la formación y sonido, mantuvo siempre la misma estética e ideología. Es por esos años que surge una banda con actitud punk llamada, La Chancha Francisca, que tenía un sonido con mezcla de varios ritmos y utilizaba instrumentos de viento. Hoy día, de esa banda quedan vestigios como su cantante y bateristas originales formando La Chancha, con un sonido mucho más punk. Tras la disolución de los Estómagos, hacia fines de los 80, se forma con Peluffo y Parodi (voz y guitarra de los estómagos) la banda Buitres después de la una.
Dentro del movimiento punk actual, se pueden diferenciar dos vertientes, una que se asemeja al punk vasco al estilo de La Polla Records, que lo integran bandas como Cambiá la Biblia, o Graffolitas (originaria del departamento de durazno) por citar los dos más claros ejemplos. Ambas bandas buscan compartir una forma de ver el mundo crítica, generadora de alternativas, con letras que para muchos suenan chocantes. Para muestra alcanza con el nombre del primer disco de Cambiá la Biblia llamado Algún Culo va a Sangrar. Y otra vertiente que está claramente influenciada por la ola de los Ramones que la lidera Trotsky Vengaran, y que la integran también bandas como Mandala, Cría Cuervos, Motosierra, o la Sangre de Veronika. En el hardcore melódico Nada que Hacer, es sin dudas la banda más conocida, teniendo buena repercusión fuera de fronteras. Fuera de Montevideo, las bandas de punk rock no abundan, pero nacen y existen en la penumbra, algunos ejemplos son, Harry de pando, en Mercedes la banda Yauguru. Las mas under en el momento son Deskartable con influencias de Dos Minutos, Trotsky Vengaran y The Ramones. También está La Viuda con mucha influencia pop de bandas como blink-182 y Yellowcard.
Venezuela
Venezuela vio surgir el punk local a partir de la banda Seguridad Nacional en 1979. A principios de los años 1980 aparecen Sentimiento Muerto (la banda más importante del punk venezolano), Venezuela Hardcore y Primero Venezuela dando el inicio a este género.
Hoy en día en Venezuela la movida punk se ha visto muy influenciada por las bandas españolas y argentinas; igualmente se puede observar que los toques son en su mayoría de Hard-Core y punk OI!. Hoy en día se intenta renacer el Punk Rock vieja escuela. Es importante señalar también que la mayoría del Hard-Core venezolano esta muy ligado al Metal-core.
Las bandas más importantes en Venezuela en los momentos son: Reciclaje, Analitika, Doña Maldad, NADA, Loa Calvos, Los Mentas, No habrá Futuro, Biophobia, 100 pa la botella, @apatía no, Los Vicios, Los Javelins, Stuproi, Camuflaje, Extrema Realidad, Zikotikos Armados, etc.
Ecuador
Rock Ecuatoriano: A finales de los 80, en Guayaquil, se forma la banda de punk Los Descontrolados, siendo los primeros en su género en Ecuador, con muy poca proyección y duración. En inicios de los 90, se juntaron amigos de un colegio de Guayaquil y formaron la banda NoToken que se consagró como la primera banda de punk de Ecuador en proyectarse en circuitos undergrounds, fuera de su país de origen. Otras bandas de similar experiencia han sido Mortal Decisión, Kaos, Retaque.
Por otro lado la UniónPunk es un movimiento juvenil formado en mayo de 1998 por bandas independientes guayaquileñas influenciadas en la corriente new school del punk melódico norteamericano y el skate punk. Actualmente estos circuitos punk continúan y contienen cierto nivel contestatario ante las situaciones socio-políticas.
Fuente: Wikipedia
ROCK PROGRESIVO
El rock progresivo (en inglés progressive rock, prog-rock) es un subgénero del rock aparecido al final de la década de los sesenta del siglo XX y que floreció durante la primera mitad de la década siguiente. El adjetivo progresivo alude tanto al carácter innovador que tuvo inicialmente el género (concebido como un paso adelante en el progreso de la música rock) como a la importancia que concede a la progresión musical: uno de sus clichés más característicos es el paso gradual, progresivo, de una sonoridad bucólica (acústica, medievalizante, folk, modal, de tiempo lento) a otra urbana (eléctrica, tensa, acelerada, con influencia del blues y del jazz).
Las composiciones progresivas se caracterizan por el uso de movimientos, como en las obras de música clásica, y por la adición paulatina de nuevos instrumentos que van desarrollando los temas musicales planteados en la pieza y la improvisación, cercana a menudo a los cánones del jazz, junto con un componente experimental heredado de la música electrónica. Son características del género las canciones largas, los álbumes conceptuales, las letras ambiciosas, el virtuosismo de los instrumentistas y un uso prominente del melotrón y otros sintetizadores. Aunque no todos estos rasgos se dan siempre, son habituales en las bandas que dieron forma al género, como Camel, Emerson, Lake & Palmer, Focus, Genesis, King Crimson, Jethro Tull, Mike Oldfield, The Alan Parsons Project, The Moody Blues, Pink Floyd, Rush, Renaissance, Soft Machine y Yes.
Cabe deslindar el rock progresivo del llamado rock sinfónico. Aunque ambos géneros se solapan con frecuencia, el adjetivo sinfónico alude sobre todo a la sonoridad orquestal, integrada en algunas canciones pop (p.ej. "She's Leaving Home", de los Beatles y "Nights In White Satin", de The Moody Blues) mediante el uso de secciones de cuerda u orquestas enteras, o evocada (de forma más económica) mediante el melotrón y otros sintetizadores primitivos.
El rock progresivo concede una gran importancia a la aportación individual de cada músico, lo que en ocasiones degenera en una profusión embarazosa de solos de guitarra, teclado, batería, etc., en detrimento del sentido unitario de la pieza. Sin embargo, en las mejores piezas del género el desarrollo coherente de la canción o pieza se impone al exhibicionismo virtuosístico. Los directos de estas bandas son generalmente grandilocuentes y espectaculares, especialmente en los grupos populares de la década de 1970, tales como Yes o Pink Floyd, mientras que sus letras son profundas y diversas, lejanas a las de los grupos de otros géneros.
Una de las influencias principales de este tipo de música se encuentra en la música minimalista (como ejemplos valgan Steve Reich, John Adams, y Philip Glass) y el "Gamelan", la música de Java. En ambos tipos de música predomina un elemento repetitivo e hipnótico, potencialmente inductor del trance. En este sentido, el rock progresivo conecta con las aspiraciones de la psicodelia, pudiendo considerarse muchas composiciones del género como música creada para acompañar el viaje psicodélico o reproducir, sin ayuda química, su estructura y efectos. Un ejemplo temprano de la aplicación de la técnica minimalista al rock es la composición "Sister Ray" de The Velvet Underground.
Es difícil encontrar el origen exacto del género musical. Algunas fuentes citan a In the Court of the Crimson King, el debut de King Crimson, como el primer álbum de rock progresivo, mientras que otras mantienen que la primera grabación del género fue la banda sonora de la película Tonite Let's All Make Love In London de Pink Floyd. Sin embargo, en discos anteriores de bandas como Deep Purple, Procol Harum y The Nice aparecen ya rasgos propios de esta corriente.
Autores destacados
Entre los grupos y compositores más importantes dentro de este género, ingleses o estadounidenses en su mayoría, cabe destacar a King Crimson, Genesis, Yes, Camel, Emerson, Lake & Palmer, Focus, Queen (marcado principalmente en sus dos primeros álbumes), Jethro Tull, Pink Floyd, Soft Machine, Mike Oldfield, Renaissance, Rush, Gentle Giant, Atomic Rooster y Van Der Graaf Generator ; y en la década de los 80/90, grupos como Marillion, IQ, Pendragon, Anekdoten, Anglagard, Arena, Dream Theater, Liquid Tension Experiment, Symphony X, Ayreon, Opeth, Porcupine Tree, Spock's Beard, White Willow, Echolyn y The Flower Kings.
De los grandes del género, siguen en activo King Crimson (de forma intermitente, cuando los trabajos individuales de sus miembros lo permiten), Yes (con cierta decadencia, aunque mucho más estable en los últimos tiempos), Rush (con los tres integrantes de siempre), Van der Graaf Generator (recientemente reunidos), Camel (entre descanso y descanso de su líder, Andy Latimer), Jethro Tull y Pink Floyd, que realizan actuaciones esporádicas. Otro tanto sucede con Genesis, aunque la formación del grupo en sus últimas actuaciones se reduce a sus últimos tres miembros, y el sonido por el que apuestan no es el clásico de los 70, sino el comercial de las décadas siguientes.
En muchos países de habla no inglesa, tanto europeos como americanos, ha habido también una rica escena progresiva.
Rock progresivo alemán
Alemania produjo dos corrientes peculiares dentro del rock progresivo, el Kraut Rock y la música electrónica progresiva. Destacan, entre otros grupos: Popol Vuh, Can, Tangerine Dream, y Triumvirat.
Rock progresivo francés
En Francia dos agrupaciones brillaron intensamente: Gong y Magma.
Rock progresivo español
En España el rock progresivo tuvo su máxima influencia durante los años setenta con el nacimiento del grupo madrileño Módulos (1969). Aparte de éstos, las dos mayores escenas se dieron en Andalucía con el rock andaluz, practicado por grupos como Triana (1974), Smash (1970), Mezquita (1979), Cai (1979), Granada (1975), Guadalquivir (1978) o Imán, Califato Independiente (1978) y en Cataluña con el rock laietano, al que corresponden Máquina! (1970), Pan & Regaliz (1971), Música Dispersa (con Jaume Sisa) (1970), Pau Riba & Om (1971), Iceberg (1975), Fusioon (1972) o Companyia Elèctrica Dharma (1975). Del resto del país destacaron Los Canarios (Ciclos, 1974), Crack (1978), Bloque (1978), Ibio (1978) Dark Erial (2003) o Errobi (1978).
Rock progresivo italiano
En Italia existió un movimiento importante de bandas de estilo sinfónico, muy influido por la música clásica. Algunos grupos significativos son Banco del Mutuo Soccorso, Jacula, Semíramis, New Trolls, Le Orme, Museo Rosenbach, Locanda delle Fate, Jumbo, Il Balletto Di Bronzo y Premiata Forneria Marconi (más conocida como PFM).
Rock progresivo iberoamericano
En Sudamérica el Rock Progresivo tiene una larga tradición desde los años 70, principalmente en Brasil y la ciudad rioplatense de Buenos Aires. En algunos de estos grupos, la influencia de las bandas anglosajonas convive con el interés por la música folk, propiciando interesantes fusiones.
Argentina
En la ciudad de Buenos Aires, Argentina, el grupo Almendra de Luis Alberto Spinetta sentó ya en 1969 las bases del rock sinfónico porteño, seguidas por grupos como Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros y Serú Giran, de Charly García e Invisible y Spinetta Jade de Luis Alberto Spinetta, ambos líderes considerados los pilares del llamado rock nacional. Otro grupo destacado fue Crucis, muy influido por bandas como Genesis, Yes y Emerson, Lake & Palmer, al igual que La Máquina de Hacer Pájaros. Ambas bandas contaron con músicos muy virtuosos. En la ciudad de Rosario surgió a mitad de los 70 un grupo de estas mismas características que se denominó Pablo el Enterrador. También cabría destacar a Aquelarre (grupo de los ex-Almendra Emilio Del Guercio y Rodolfo García), Alas (de Gustavo Moretto, dónde debutó un muy joven Pedro Aznar), Nexus (con el famoso tecladista Lalo Huber) y Espíritu.
Bolivia
Sigue en activo la banda de rock Wara, con influencias del rock psicodélico británico, el folklore andino y la música clásica. Su álbum El Inca es una de las creaciones más ambiciosas del rock progresivo.
Brasil
En Brasil, artistas como Sagrado Coraçao da Terra, Os Mutantes y Caetano Veloso, que comenzaron su carrera a finales de los años 60 e inicios de los 70, editaron algunos discos cercanos a esta corriente. Otros grupos, como Quaterna Requiem, Bacamarte, Angra y Aether, han hecho historia dentro del rock sinfónico latinoamericano.
Chile
En Chile Los Jaivas encabezan claramente un folk sinfónico con huellas de la música tradicional del altiplano. También aparecieron grupos muy destacados como Akinetón Retard, Tryo, Ergo sum, La Neura, Entrance, Miel, Fulano, Astralis, Mar de Robles, Matraz, Subterra,Strobos.
Colombia
Entre los grupos y artistas más conocidos en Colombia se encuentran Andrés Osorio, Jaén Kief, Jorge Burbano, Orión, Sigma y Tom Abella. Un caso significativo es el de Kraken, grupo que se define como "rock duro progresivo".
México
En México el rock progresivo tuvo su auge a finales de los 70s y sobre todo en los 80s, con grupos como La Revolución de Emiliano Zapata, Nuevo México, Náhuatl, Al Universo, Iconoclasta, Cast, Delirium, Chac Mool, Praxis, Arturo Meza, Carlos Alvarado y aunque su música no es completamente progresiva, se considera a El Ritual y Eonmore cercano a esta corriente, pues hay en ella elementos característicos del género.
Perú
En Perú destacan los grupos Laghonia, Frágil, We All Together, Flor de Loto, Traffic Sound, Leusemia y Agnostica
Uruguay
En los '70s, los grupos caracteristicos de este estilo fueron, Psiglo, Totem.
Venezuela
En Venezuela bandas como Témpano, RC2, Raimundo Rodulfo,Kotebel, Pig Farm on the Moon y Echoes se han encargado de mantener el género vivo y de contribuir con su aporte al progresivo latinoamericano. Además de los clásicos del prog venezolano como Vytas Brenner y Aditus (en sus inicios). El progresivo venezolano es muy particular en que en él confluyen el progresivo clásico y sinfónico con los ritmos y sonidos autóctonos como el Joropo, las Gaitas y el sonido del cuatro o el arpa, entre otros...
Subgéneros y corrientes
Dentro del rock progresivo hay muchas variedades o estilos. Entre los movimientos que pueden considerarse subgéneros del rock progresivo o corrientes emparentadas con él están el sonido Canterbury, el Zeuhl, el RIO, el Kraut Rock, el Avantgarde, la música electrónica progresiva, el Space Rock, el Neo Prog, el Metal progresivo y el post-rock.
Sonido Canterbury
Dentro del rock progresivo británico, surge una corriente con un estilo peculiar, cercano al jazz y menos grandilocuente, el "sonido Canterbury". La integran grupos como Soft Machine, Camel, Caravan, Hatfield and the North, Matching Mole y Gong.
Zeuhl y RIO
Hay dos sub-géneros mucho más experimentales y radicales: uno de ellos es el Zeuhl, inventado por la banda francesa Magma, y el otro el llamado RIO (o Rock In Opposition), que tiene como principales exponentes a bandas como Henry Cow y Univers Zéro. Estos dos subgéneros se destacan por su complejidad y por las influencias de jazz y de compositores avantgarde y de música clásica, y no son muy populares.
Krautrock
En Alemania Occidental surge una corriente experimental denominada "Krautrock" que se considerada a menudo parte del rock progresivo, con grupos como Eloy, Neu!, Can, Faust, Amon Düül II, La Düsseldorf, Popol Vuh, Cluster, y Embryo. En esta línea experimental hay que destacar también la influencia de los primeros discos en solitario del británico Brian Eno. Está caracterizado por el empleo de sintetizadores de modo cercano a la música electrónica y al rock espacial.
Avantgarde
En Estados Unidos, Frank Zappa & The Mothers Of Invention, Captain Beefheart y The Residents practican una estética avantgarde (vanguardista) muy influida por el jazz, con continuos cambios de ritmo, múltiples melodías y cambios de estilo dentro de un mismo tema, además de una tendencia a hacer música con elementos críticos (como los álbumes conceptuales de The Residents).
Música electrónica progresiva
La música electrónica progresiva es un estilo fundado por bandas que introdujeron sintetizadores en la música progresiva. Los artistas más importantes de este género son Tangerine Dream, Kraftwerk, Brian Eno, Vangelis, Klaus Schulze y Jean Michel Jarre.
Rock espacial
Tangerine Dream también fue importante, junto a Pink Floyd, Hawkwind u Ozric Tentacles, Ayreon, en el desarrollo de lo que a veces se denomina rock espacial, una música influida por la ciencia ficción que evoca parajes estelares y viajes interplanetarios gracias al uso de sintetizadores.
Neo-prog
A fines de los años 70, el rock progresivo sufrió un importante retroceso, y algunas de las bandas más identificadas con el movimiento, como Yes y Genesis, cambiaron de estilo, adoptando propuestas más comerciales. Como reacción, surgieron grupos que reivindicaban los parámetros originales del progresivo; a este nuevo movimiento se le conoce con el nombre de rock neoprogresivo (nuevo progresivo, o neo-prog), herederos de la complejidad del rock progresivo pero con tintes más comerciales. Cabe destacar a grupos como Marillion, IQ, Pendragon, Arena, Collage y Ken's Novel. En muchos de ellos se observa la influencia de la era temprana de Genesis.
Metal progresivo
A finales de la década de los 80 surge un súbgénero que mezcla el rock progresivo con elementos de heavy metal, llamado metal progresivo. Se considera al grupo Fates Warning el padre del movimiento metal progresivo por su disco Awakening The Guardian (1986), punto de partida del subgénero, aunque la consolidación total del sonido llegó dos años después con el disco No Exit. Por otro lado, y con menos repercusión, grupos como Sieges Even definieron en esa época los cánones del sonido metálico-progresivo, tomando como base el legado dejado por bandas como Rush, Uriah Heep y Deep Purple. EL metal progresivo tuvo su auge en los años 90, cuando aparece Dream Theater y lo lleva a otro nivel, seguido por bandas como Shadow Gallery, Symphony X, Ayreon, Pain Of Salvation y Threshold. El grupo Tool, surgido a mediados de los 90, da un nuevo enfoque al rock progresivo y es uno de los grupos más influyentes actualmente. En los últimos años han aparecido cientos de formaciones progresivas en Europa, una banda destacada, a pesar de contar con tan sólo una maqueta autoproducida, son los españoles Dark Erial, un claro ejemplo de fusión del metal progresivo con elementos provenientes del rock gótico holandés en la onda de After Forever, Within Temptation o Épica y el heavy metal clásico de Iron Maiden o Manowar.
Posteriormente se fusionó con otros subgéneros del metal, como el black metal y el death metal, dando pie a nuevas fórmulas. Sellos como Magna Carta, Opeth e Inside Out son especialistas en grupos de este corte.
Post-Rock
A mediados de los 90 hubo una revisión por parte de grupos norteamericanos y europeos del "Rock Progresivo", bajo la etiqueta de Post-Rock, añadiendo a este tipo de concepto musical las influencias folk, del ritmo jamaiquino (en especial el Dub) y la música electrónica (desde Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen y demás a Autechre, Aphex Twin y Oval). En Norteamérica destacan Tortoise, Gastr Del Sol y Godspeed You! Black Emperor, y en Europa resaltan Stereolab, Mogwai, Bark Psychosis y Flying Saucer Attack. Otra banda esencial del género es Sigur Rós (Islandia).
Recepción
Desde sus comienzos, se ha acusado a esta música de pretenciosa, pedante, snob y elitista, debido en gran parte a que es difícil de apreciar en las primeras audiciones y a que los artistas de rock progresivo se apartan a menudo sin complejos de las convenciones estéticas del rock, acercándose a la música clásica y jazz (el movimiento punk lo criticó por ello con gran dureza). Sin embargo, es un hecho constatable que ha ayudado a ensanchar las fronteras de la música popular y ha producido obras perdurables, que siguen atrayendo a nuevas generaciones de melómanos.
Fuente: Wikipedia
Las composiciones progresivas se caracterizan por el uso de movimientos, como en las obras de música clásica, y por la adición paulatina de nuevos instrumentos que van desarrollando los temas musicales planteados en la pieza y la improvisación, cercana a menudo a los cánones del jazz, junto con un componente experimental heredado de la música electrónica. Son características del género las canciones largas, los álbumes conceptuales, las letras ambiciosas, el virtuosismo de los instrumentistas y un uso prominente del melotrón y otros sintetizadores. Aunque no todos estos rasgos se dan siempre, son habituales en las bandas que dieron forma al género, como Camel, Emerson, Lake & Palmer, Focus, Genesis, King Crimson, Jethro Tull, Mike Oldfield, The Alan Parsons Project, The Moody Blues, Pink Floyd, Rush, Renaissance, Soft Machine y Yes.
Cabe deslindar el rock progresivo del llamado rock sinfónico. Aunque ambos géneros se solapan con frecuencia, el adjetivo sinfónico alude sobre todo a la sonoridad orquestal, integrada en algunas canciones pop (p.ej. "She's Leaving Home", de los Beatles y "Nights In White Satin", de The Moody Blues) mediante el uso de secciones de cuerda u orquestas enteras, o evocada (de forma más económica) mediante el melotrón y otros sintetizadores primitivos.
El rock progresivo concede una gran importancia a la aportación individual de cada músico, lo que en ocasiones degenera en una profusión embarazosa de solos de guitarra, teclado, batería, etc., en detrimento del sentido unitario de la pieza. Sin embargo, en las mejores piezas del género el desarrollo coherente de la canción o pieza se impone al exhibicionismo virtuosístico. Los directos de estas bandas son generalmente grandilocuentes y espectaculares, especialmente en los grupos populares de la década de 1970, tales como Yes o Pink Floyd, mientras que sus letras son profundas y diversas, lejanas a las de los grupos de otros géneros.
Una de las influencias principales de este tipo de música se encuentra en la música minimalista (como ejemplos valgan Steve Reich, John Adams, y Philip Glass) y el "Gamelan", la música de Java. En ambos tipos de música predomina un elemento repetitivo e hipnótico, potencialmente inductor del trance. En este sentido, el rock progresivo conecta con las aspiraciones de la psicodelia, pudiendo considerarse muchas composiciones del género como música creada para acompañar el viaje psicodélico o reproducir, sin ayuda química, su estructura y efectos. Un ejemplo temprano de la aplicación de la técnica minimalista al rock es la composición "Sister Ray" de The Velvet Underground.
Es difícil encontrar el origen exacto del género musical. Algunas fuentes citan a In the Court of the Crimson King, el debut de King Crimson, como el primer álbum de rock progresivo, mientras que otras mantienen que la primera grabación del género fue la banda sonora de la película Tonite Let's All Make Love In London de Pink Floyd. Sin embargo, en discos anteriores de bandas como Deep Purple, Procol Harum y The Nice aparecen ya rasgos propios de esta corriente.
Autores destacados
Entre los grupos y compositores más importantes dentro de este género, ingleses o estadounidenses en su mayoría, cabe destacar a King Crimson, Genesis, Yes, Camel, Emerson, Lake & Palmer, Focus, Queen (marcado principalmente en sus dos primeros álbumes), Jethro Tull, Pink Floyd, Soft Machine, Mike Oldfield, Renaissance, Rush, Gentle Giant, Atomic Rooster y Van Der Graaf Generator ; y en la década de los 80/90, grupos como Marillion, IQ, Pendragon, Anekdoten, Anglagard, Arena, Dream Theater, Liquid Tension Experiment, Symphony X, Ayreon, Opeth, Porcupine Tree, Spock's Beard, White Willow, Echolyn y The Flower Kings.
De los grandes del género, siguen en activo King Crimson (de forma intermitente, cuando los trabajos individuales de sus miembros lo permiten), Yes (con cierta decadencia, aunque mucho más estable en los últimos tiempos), Rush (con los tres integrantes de siempre), Van der Graaf Generator (recientemente reunidos), Camel (entre descanso y descanso de su líder, Andy Latimer), Jethro Tull y Pink Floyd, que realizan actuaciones esporádicas. Otro tanto sucede con Genesis, aunque la formación del grupo en sus últimas actuaciones se reduce a sus últimos tres miembros, y el sonido por el que apuestan no es el clásico de los 70, sino el comercial de las décadas siguientes.
En muchos países de habla no inglesa, tanto europeos como americanos, ha habido también una rica escena progresiva.
Rock progresivo alemán
Alemania produjo dos corrientes peculiares dentro del rock progresivo, el Kraut Rock y la música electrónica progresiva. Destacan, entre otros grupos: Popol Vuh, Can, Tangerine Dream, y Triumvirat.
Rock progresivo francés
En Francia dos agrupaciones brillaron intensamente: Gong y Magma.
Rock progresivo español
En España el rock progresivo tuvo su máxima influencia durante los años setenta con el nacimiento del grupo madrileño Módulos (1969). Aparte de éstos, las dos mayores escenas se dieron en Andalucía con el rock andaluz, practicado por grupos como Triana (1974), Smash (1970), Mezquita (1979), Cai (1979), Granada (1975), Guadalquivir (1978) o Imán, Califato Independiente (1978) y en Cataluña con el rock laietano, al que corresponden Máquina! (1970), Pan & Regaliz (1971), Música Dispersa (con Jaume Sisa) (1970), Pau Riba & Om (1971), Iceberg (1975), Fusioon (1972) o Companyia Elèctrica Dharma (1975). Del resto del país destacaron Los Canarios (Ciclos, 1974), Crack (1978), Bloque (1978), Ibio (1978) Dark Erial (2003) o Errobi (1978).
Rock progresivo italiano
En Italia existió un movimiento importante de bandas de estilo sinfónico, muy influido por la música clásica. Algunos grupos significativos son Banco del Mutuo Soccorso, Jacula, Semíramis, New Trolls, Le Orme, Museo Rosenbach, Locanda delle Fate, Jumbo, Il Balletto Di Bronzo y Premiata Forneria Marconi (más conocida como PFM).
Rock progresivo iberoamericano
En Sudamérica el Rock Progresivo tiene una larga tradición desde los años 70, principalmente en Brasil y la ciudad rioplatense de Buenos Aires. En algunos de estos grupos, la influencia de las bandas anglosajonas convive con el interés por la música folk, propiciando interesantes fusiones.
Argentina
En la ciudad de Buenos Aires, Argentina, el grupo Almendra de Luis Alberto Spinetta sentó ya en 1969 las bases del rock sinfónico porteño, seguidas por grupos como Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros y Serú Giran, de Charly García e Invisible y Spinetta Jade de Luis Alberto Spinetta, ambos líderes considerados los pilares del llamado rock nacional. Otro grupo destacado fue Crucis, muy influido por bandas como Genesis, Yes y Emerson, Lake & Palmer, al igual que La Máquina de Hacer Pájaros. Ambas bandas contaron con músicos muy virtuosos. En la ciudad de Rosario surgió a mitad de los 70 un grupo de estas mismas características que se denominó Pablo el Enterrador. También cabría destacar a Aquelarre (grupo de los ex-Almendra Emilio Del Guercio y Rodolfo García), Alas (de Gustavo Moretto, dónde debutó un muy joven Pedro Aznar), Nexus (con el famoso tecladista Lalo Huber) y Espíritu.
Bolivia
Sigue en activo la banda de rock Wara, con influencias del rock psicodélico británico, el folklore andino y la música clásica. Su álbum El Inca es una de las creaciones más ambiciosas del rock progresivo.
Brasil
En Brasil, artistas como Sagrado Coraçao da Terra, Os Mutantes y Caetano Veloso, que comenzaron su carrera a finales de los años 60 e inicios de los 70, editaron algunos discos cercanos a esta corriente. Otros grupos, como Quaterna Requiem, Bacamarte, Angra y Aether, han hecho historia dentro del rock sinfónico latinoamericano.
Chile
En Chile Los Jaivas encabezan claramente un folk sinfónico con huellas de la música tradicional del altiplano. También aparecieron grupos muy destacados como Akinetón Retard, Tryo, Ergo sum, La Neura, Entrance, Miel, Fulano, Astralis, Mar de Robles, Matraz, Subterra,Strobos.
Colombia
Entre los grupos y artistas más conocidos en Colombia se encuentran Andrés Osorio, Jaén Kief, Jorge Burbano, Orión, Sigma y Tom Abella. Un caso significativo es el de Kraken, grupo que se define como "rock duro progresivo".
México
En México el rock progresivo tuvo su auge a finales de los 70s y sobre todo en los 80s, con grupos como La Revolución de Emiliano Zapata, Nuevo México, Náhuatl, Al Universo, Iconoclasta, Cast, Delirium, Chac Mool, Praxis, Arturo Meza, Carlos Alvarado y aunque su música no es completamente progresiva, se considera a El Ritual y Eonmore cercano a esta corriente, pues hay en ella elementos característicos del género.
Perú
En Perú destacan los grupos Laghonia, Frágil, We All Together, Flor de Loto, Traffic Sound, Leusemia y Agnostica
Uruguay
En los '70s, los grupos caracteristicos de este estilo fueron, Psiglo, Totem.
Venezuela
En Venezuela bandas como Témpano, RC2, Raimundo Rodulfo,Kotebel, Pig Farm on the Moon y Echoes se han encargado de mantener el género vivo y de contribuir con su aporte al progresivo latinoamericano. Además de los clásicos del prog venezolano como Vytas Brenner y Aditus (en sus inicios). El progresivo venezolano es muy particular en que en él confluyen el progresivo clásico y sinfónico con los ritmos y sonidos autóctonos como el Joropo, las Gaitas y el sonido del cuatro o el arpa, entre otros...
Subgéneros y corrientes
Dentro del rock progresivo hay muchas variedades o estilos. Entre los movimientos que pueden considerarse subgéneros del rock progresivo o corrientes emparentadas con él están el sonido Canterbury, el Zeuhl, el RIO, el Kraut Rock, el Avantgarde, la música electrónica progresiva, el Space Rock, el Neo Prog, el Metal progresivo y el post-rock.
Sonido Canterbury
Dentro del rock progresivo británico, surge una corriente con un estilo peculiar, cercano al jazz y menos grandilocuente, el "sonido Canterbury". La integran grupos como Soft Machine, Camel, Caravan, Hatfield and the North, Matching Mole y Gong.
Zeuhl y RIO
Hay dos sub-géneros mucho más experimentales y radicales: uno de ellos es el Zeuhl, inventado por la banda francesa Magma, y el otro el llamado RIO (o Rock In Opposition), que tiene como principales exponentes a bandas como Henry Cow y Univers Zéro. Estos dos subgéneros se destacan por su complejidad y por las influencias de jazz y de compositores avantgarde y de música clásica, y no son muy populares.
Krautrock
En Alemania Occidental surge una corriente experimental denominada "Krautrock" que se considerada a menudo parte del rock progresivo, con grupos como Eloy, Neu!, Can, Faust, Amon Düül II, La Düsseldorf, Popol Vuh, Cluster, y Embryo. En esta línea experimental hay que destacar también la influencia de los primeros discos en solitario del británico Brian Eno. Está caracterizado por el empleo de sintetizadores de modo cercano a la música electrónica y al rock espacial.
Avantgarde
En Estados Unidos, Frank Zappa & The Mothers Of Invention, Captain Beefheart y The Residents practican una estética avantgarde (vanguardista) muy influida por el jazz, con continuos cambios de ritmo, múltiples melodías y cambios de estilo dentro de un mismo tema, además de una tendencia a hacer música con elementos críticos (como los álbumes conceptuales de The Residents).
Música electrónica progresiva
La música electrónica progresiva es un estilo fundado por bandas que introdujeron sintetizadores en la música progresiva. Los artistas más importantes de este género son Tangerine Dream, Kraftwerk, Brian Eno, Vangelis, Klaus Schulze y Jean Michel Jarre.
Rock espacial
Tangerine Dream también fue importante, junto a Pink Floyd, Hawkwind u Ozric Tentacles, Ayreon, en el desarrollo de lo que a veces se denomina rock espacial, una música influida por la ciencia ficción que evoca parajes estelares y viajes interplanetarios gracias al uso de sintetizadores.
Neo-prog
A fines de los años 70, el rock progresivo sufrió un importante retroceso, y algunas de las bandas más identificadas con el movimiento, como Yes y Genesis, cambiaron de estilo, adoptando propuestas más comerciales. Como reacción, surgieron grupos que reivindicaban los parámetros originales del progresivo; a este nuevo movimiento se le conoce con el nombre de rock neoprogresivo (nuevo progresivo, o neo-prog), herederos de la complejidad del rock progresivo pero con tintes más comerciales. Cabe destacar a grupos como Marillion, IQ, Pendragon, Arena, Collage y Ken's Novel. En muchos de ellos se observa la influencia de la era temprana de Genesis.
Metal progresivo
A finales de la década de los 80 surge un súbgénero que mezcla el rock progresivo con elementos de heavy metal, llamado metal progresivo. Se considera al grupo Fates Warning el padre del movimiento metal progresivo por su disco Awakening The Guardian (1986), punto de partida del subgénero, aunque la consolidación total del sonido llegó dos años después con el disco No Exit. Por otro lado, y con menos repercusión, grupos como Sieges Even definieron en esa época los cánones del sonido metálico-progresivo, tomando como base el legado dejado por bandas como Rush, Uriah Heep y Deep Purple. EL metal progresivo tuvo su auge en los años 90, cuando aparece Dream Theater y lo lleva a otro nivel, seguido por bandas como Shadow Gallery, Symphony X, Ayreon, Pain Of Salvation y Threshold. El grupo Tool, surgido a mediados de los 90, da un nuevo enfoque al rock progresivo y es uno de los grupos más influyentes actualmente. En los últimos años han aparecido cientos de formaciones progresivas en Europa, una banda destacada, a pesar de contar con tan sólo una maqueta autoproducida, son los españoles Dark Erial, un claro ejemplo de fusión del metal progresivo con elementos provenientes del rock gótico holandés en la onda de After Forever, Within Temptation o Épica y el heavy metal clásico de Iron Maiden o Manowar.
Posteriormente se fusionó con otros subgéneros del metal, como el black metal y el death metal, dando pie a nuevas fórmulas. Sellos como Magna Carta, Opeth e Inside Out son especialistas en grupos de este corte.
Post-Rock
A mediados de los 90 hubo una revisión por parte de grupos norteamericanos y europeos del "Rock Progresivo", bajo la etiqueta de Post-Rock, añadiendo a este tipo de concepto musical las influencias folk, del ritmo jamaiquino (en especial el Dub) y la música electrónica (desde Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen y demás a Autechre, Aphex Twin y Oval). En Norteamérica destacan Tortoise, Gastr Del Sol y Godspeed You! Black Emperor, y en Europa resaltan Stereolab, Mogwai, Bark Psychosis y Flying Saucer Attack. Otra banda esencial del género es Sigur Rós (Islandia).
Recepción
Desde sus comienzos, se ha acusado a esta música de pretenciosa, pedante, snob y elitista, debido en gran parte a que es difícil de apreciar en las primeras audiciones y a que los artistas de rock progresivo se apartan a menudo sin complejos de las convenciones estéticas del rock, acercándose a la música clásica y jazz (el movimiento punk lo criticó por ello con gran dureza). Sin embargo, es un hecho constatable que ha ayudado a ensanchar las fronteras de la música popular y ha producido obras perdurables, que siguen atrayendo a nuevas generaciones de melómanos.
Fuente: Wikipedia
HARD ROCK
El hard rock (traducido como rock duro) es un género musical derivado del rock and roll y del blues rock.
Origen y bandas
Raíces
El garage rock, rock & roll, blues, el rock psicodélico y el country son las raíces del hard rock, pero desde diferentes puntos de vista, eliminando elementos, y añadiendo otros que diferencian a los diferentes subgéneros.
La mayoría propone que tiene sus raíces más cercanas en el blues rock de los años 60. Las bandas a las cuales se atribuye la gestación del género son Black Sabbath,Queen ,Deep Purple y Led Zeppelin; asimismo, durante los años 60, otras bandas practicaron estilos que se consideran precedentes del estilo; así, se suele atribuir el primer riff hard rock al tema "You really got me" de The Kinks, siendo otro importante referente "Born to Be Wild" de Steppenwolf y "Helter Skelter" de The Beatles, también incluyendo el álbum Live At Leeds de The Who junto con el álbum Led Zeppelin I de Led Zeppelin y el álbum In Rock de Deep Purple fueron los primeros ejemplos de dicho género.
Bandas
El hard rock obtuvo su máxima popularidad entre 1970 y 1993.
Bandas importantes (Finales 60's inicio 70's): Cream, The Who, The Jimi Hendrix Experience, Steppenwolf, Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath, Uriah Heep, Queen, Alice Cooper, Blue Cheer, Scorpions.
Bandas importantes (70's): Queen,Kiss, AC/DC, Aerosmith, Thin Lizzy, ZZ Top, Ted Nugent, UFO, Scorpions, Whitesnake, Rainbow.
Bandas importantes son (80'S):Queen,Van Halen,Scorpions , Bon Jovi, Poison, Guns N' Roses, Cinderella, Tesla, ACDC,Dokken, Extreme ,Europe, L.A. Guns, Warlock.
Como bandas modernas de hard rock podríamos citar a Velvet Revolver, Jackyl, The Black Crowes, The Darkness (ahora llamados Stone Gods), Brother Firetribe, Shinedown, The Answer, Vang, Wolfmother, Jet, Nirvana, Crashdïet, Lordi (ganadores de Eurovisión en 2006), Hard Spirit, Crush 40, Zebrahead, Airbourne, Guns n' Roses (sin sus integrantes originales, solo Axl Rose.
Características
Sus canciones suelen estar en una tonalidad mayor, con un uso maestro de las tonalidades menores; se usa mucho la escala pentatónica al igual que en el rock, y los acordes tradicionales se sustituyen a menudo por acordes de quinta. Las progresiones de acordes se asocian a menudo a los grados I-V o I-V-VIII de la escala, al igual que en el rock and roll. Los efectos de distorsión de las guitarras cobran protagonismo, la batería puede alcanzar un rango de 100-150 golpes por minuto, siendo 120 un valor habitual. El solo de la guitarra es una parte muy importante de la canción, tanto como la letra y la melodía de la voz. En cuanto a las letras, suelen ser más oscuras en el heavy metal, y más festivas en el hard rock (a excepciones), tratando en numerosas ocasiones, y sobre todo en los años 1980, sobre diversión, alcohol y chicas. Aunque las estructuras son similares en el hard rock y el heavy metal, el heavy metal es ligeramente más complicado en estructuras o quizás se presta más a temas más largos, con pasajes que modulan a tonalidades diferentes de la original y de su relativo mayor.
Fuente: Wikipedia
Origen y bandas
Raíces
El garage rock, rock & roll, blues, el rock psicodélico y el country son las raíces del hard rock, pero desde diferentes puntos de vista, eliminando elementos, y añadiendo otros que diferencian a los diferentes subgéneros.
La mayoría propone que tiene sus raíces más cercanas en el blues rock de los años 60. Las bandas a las cuales se atribuye la gestación del género son Black Sabbath,Queen ,Deep Purple y Led Zeppelin; asimismo, durante los años 60, otras bandas practicaron estilos que se consideran precedentes del estilo; así, se suele atribuir el primer riff hard rock al tema "You really got me" de The Kinks, siendo otro importante referente "Born to Be Wild" de Steppenwolf y "Helter Skelter" de The Beatles, también incluyendo el álbum Live At Leeds de The Who junto con el álbum Led Zeppelin I de Led Zeppelin y el álbum In Rock de Deep Purple fueron los primeros ejemplos de dicho género.
Bandas
El hard rock obtuvo su máxima popularidad entre 1970 y 1993.
Bandas importantes (Finales 60's inicio 70's): Cream, The Who, The Jimi Hendrix Experience, Steppenwolf, Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath, Uriah Heep, Queen, Alice Cooper, Blue Cheer, Scorpions.
Bandas importantes (70's): Queen,Kiss, AC/DC, Aerosmith, Thin Lizzy, ZZ Top, Ted Nugent, UFO, Scorpions, Whitesnake, Rainbow.
Bandas importantes son (80'S):Queen,Van Halen,Scorpions , Bon Jovi, Poison, Guns N' Roses, Cinderella, Tesla, ACDC,Dokken, Extreme ,Europe, L.A. Guns, Warlock.
Como bandas modernas de hard rock podríamos citar a Velvet Revolver, Jackyl, The Black Crowes, The Darkness (ahora llamados Stone Gods), Brother Firetribe, Shinedown, The Answer, Vang, Wolfmother, Jet, Nirvana, Crashdïet, Lordi (ganadores de Eurovisión en 2006), Hard Spirit, Crush 40, Zebrahead, Airbourne, Guns n' Roses (sin sus integrantes originales, solo Axl Rose.
Características
Sus canciones suelen estar en una tonalidad mayor, con un uso maestro de las tonalidades menores; se usa mucho la escala pentatónica al igual que en el rock, y los acordes tradicionales se sustituyen a menudo por acordes de quinta. Las progresiones de acordes se asocian a menudo a los grados I-V o I-V-VIII de la escala, al igual que en el rock and roll. Los efectos de distorsión de las guitarras cobran protagonismo, la batería puede alcanzar un rango de 100-150 golpes por minuto, siendo 120 un valor habitual. El solo de la guitarra es una parte muy importante de la canción, tanto como la letra y la melodía de la voz. En cuanto a las letras, suelen ser más oscuras en el heavy metal, y más festivas en el hard rock (a excepciones), tratando en numerosas ocasiones, y sobre todo en los años 1980, sobre diversión, alcohol y chicas. Aunque las estructuras son similares en el hard rock y el heavy metal, el heavy metal es ligeramente más complicado en estructuras o quizás se presta más a temas más largos, con pasajes que modulan a tonalidades diferentes de la original y de su relativo mayor.
Fuente: Wikipedia
FUNK
Funk es un género musical, muy popular durante los años 1970, que apareció en los primeros 60's en el ambiente nocturno de las comunidades afroamericanas e hispanas de Estados Unidos. Nacido como una evolución de algunos elementos del Soul y el Jazz anteriores aderezados por influencias latinas, el funk se consolidó como un estilo propio y marcó el camino de la música bailable de ahí en adelante.
• Un instrumento fundamental para este estilo de música es el Bajo, requiriendo una gran proficencia técnica y la creación de líneas melódicas sobre las que se construyen los arreglos del resto de los instrumentos. Una técnica muy utilizada por los bajistas Funky es el slap, técnica patentada por el bajista de Sly & The Family Stone, Larry Graham, ,que consiste en golpear simultáneamente las cuerdas del bajo con el pulgar y tirar doblada una cuerda para dar un toque más potente a la línea.
• La guitarra funk, por su parte, es muy diferente a una metal o rock, dado que se basa en la utilización de acordes simples alternadas con rasgueos secos, generalmente en las cuerdas más agudas, utilizando eventualmente el pedal de Wah Wah y efectos como el Flanger o ECFs (Envelope Controlled Filter) para dar un sonido más percusivo al instrumento. Generalmente suelen utilizarse subdivisiones rítmicas en semicorcheas.
• La batería tiene una métrica y síncopas característicos, y es una de las partes más evidentes que se han heredado del funk casi sin cambios desde sus inicios, a través de las diferentes formas de música hip hop, breakbeat y más tarde de música electrónica de baile, pero con composiciones más repetitivas y marcadas.
Origen del término funk
La palabra "funk", es definida en diccionarios de inglés como el olor corporal que emana de las partes bajas del cuerpo durante la actividad sexual, como es de esperarse, el término era constantemente calificado como una maldición, grosería o una indecencia, algo similar al origen del término jazz que se refiere al semen. Se pudiera concluir que "funk" puede entonces haberse derivado de una combinación o acrónimo de los términos ingleses "fuck" (grosería para describir la cópula) y "stank" (hediondez). Los músicos Afro-americanos originalmente aplicaron la palabra "funk" para la música de acordes de blues con un lento y desarrollado groove, entonces después para un fuertemente dirigido ritmo insistente, presisamente inspirado por el meneo o vaivén espontáneo de los cuerpos durante la relación sexual. Esta temprana y espontánea forma de tocar en sesión configuró el patrón para muchos músicos posteriormente.
La música se hacía lenta, sexy, orientada en riff y bailable. Funky típicamente describe esas cualidades. En jam sessions, musicos solían animar a llevar la sesión a irse a tierra "get down" por decirse uno a otro, "Now, put some stank ("stink"/funk) on it!" Tan temprano como en 1907, canciones de jazz cargaron con el término como "Funky Butt" del trompetista Buddy Bolden. A fines de 1950s y primeros 1960s, cuando "funk" y "funky" fueron siendo usados cada vez más en el contexto de la música Soul, los términos aún eran considerados fuertes e inapropiados para ser usados por las compañías.
Historia
Musicalmente hablando, los claros antecedentes al ritmo con groove que caracteriza al funk, está en las innovaciones , ya en los 50's, de varios bateristas de rhythm and blues de la ciudad de Nueva Orleans, inspirados evidentemente por la extraña mezcla de ritmos que se podían escuchar en la ciudad en los desfiles de primera y segunda línea en eventos tales como el Mardi Gras. Esto les hizo llegar a gente como Joseph 'Smokey' Johnson (que tocó en varios temas del experimentador pianista Professor Longhair tales como Tipitina y Who's beeen fooling you), Charles Hungry Williams de Huey Smith and The Clowns y Earl Palmer (de la banda de Dave Bartholomew y Little Richard) un sentido de sincopación y de la necesidad de intrincar redobles y doble bombos en sus interpretaciones, trasladando, por decirlo así, el sonido de los polirítmicos desfiles al kit de batería. Por ejemplo en temas estàndar del Rock and Roll tales como "I'm Walkin" de Fats Domino, Earl Palmer introduce con un juego de bombo y caja poco usual para la época . Otros temas de la época con una percusión proto-funky son "Groovy Little Suzy" de Little Richard y "Suzie Q" de Dale Hawkins (ambos de 1957). Se atribuye a Earl Palmer el aplicar la palabra funky para indicar cuando iba a tocar algo con ritmo en síncopa.
Un gran avance fue el tamborileo y golpeteo de bombo radical de Smokey Johnson en "Big Chief" de Professor Longhair de 1964.
Así, los primeros claros indicios de lo que sería el funk (proto-funk) estan en tempranos éxitos de Nueva Orleans como "Trick Bag" escrito por Dave Bartholomew para Earl King en 1961 y el que compuso este último el citado "Big Chief", además de "I've Got Money" (1962) y "Out of Sight" de 1964 por James Brown (desde Georgia). Brown, ya a ese momento una estrella del soul, comenzó a sentir una necesidad de originalidad que lo diferencie de sus competidores (los artistas de Motown por ejemplo) y ya comenzaba a dar un cambio en los arreglos, reduciendo la complejidad de la melodia y exaltando más el aspecto rítmico en sus temas. En una entrevista hecha por el investigador musical Jim Payne, Clayton Fillyau, baterista que había tocado con Etta James y en el "I've Got Money" del mismo James Brown, reconoció abiertamente la influencia del estilo Nueva Orleans :
"Escuché a un grupo R&B salido de Nueva Orleans llamado Huey Smith & The Clowns. Ahora se que Nueva Orleans también es donde el funk se plantó. Yo no pude entender como hacerlo bien hasta que el baterista de Huey Smith, Charles 'Hungry' Williams me mostró como tocarlo (the origins of the 'James Brown Beat', in The Great Drummers Of R&B, Funk & Soul)".
"Papa's Got a Brand New Bag" de Junio de 1965 (#1 R&B) y especialmente "Cold Sweat" de Mayo de 1967 fueron la confirmación de esa formula, aplicando a éste último ejemplo, modismos especiales como una especial acentuación a el primer compás de las 4 medidas (on The One) el uso del "break" (posteriormente, piedra angular en el hip hop) y la reducción de una entera pieza musical a un simple cambio de acorde." Cold Sweat", cuya composición le debió bastante al cool jazz del "So What?" de Miles Davis y a "Señor Blues" de Horace Silver, fue reconocida como un quiebre radical de las convenciones de la música pop al momento de su salida; muchas veces citada como la primera canción netamente funk . Jerry Wexler de Atlantic Records comenta que "'Cold Sweat' afectó profundamente a los músicos que conozco. Nos alucinó a todos. Ninguno manejó las formas ya probadas desde entonces."Cliff White va más allá describiéndolo como un "divorcio de las otras formas de la música popular ." El trombonista Fred Wesley dijo que antes de unirse a la banda de Brown "quedé muy impresionado con 'Cold Sweat'. . . Tenía un solo cambio, las palabras no parecían tan lógicas, y el puente era considerado musicalmente incorrecto. Era un mutante" . Esta revolucionaria composición alcanzó el puesto #1 en R&B y #7 en los 'Hot 100' del Billboard, confirmándose como un éxito comercial. Uno de los temas del LP "Cold Sweat" (1967, King Records), llamado Funky Broadway es la primera referencia al término en un tema Rhythm and Blues/soul y se hicieron exitosas versiones de éste por Dyke & The Blazers y Wilson Pickett.
Rápidamente, surgieron verdaderos esfuerzos de jóvenes músicos negros por desarrollar ritmos cimbreantes y fuertes como en Houston lo hicieron el legendario saxofonista tejano, King Curtis, con "Memphis Soul Stew" (1967, Atlantic) presenta un tema con una tremenda sección de batería funky brindada por el legendario Bernard 'Pretty' Purdie. En Houston Archie Bell & The Drells, con su "Tighten Up" que llegó a alcanzar el puesto #1 en ambas listas la pop y R&B del Billboard en el verano de 1968, abrieron el camino a una variación más veloz del funk, hecha para bailar locamente.
En Los Angeles, California, la banda formada en 1960 llamada Charles Wright & The Watts 103 Rhythm Band comenzó a crear originales canciones a medio camino entre el Soul duro de Otis Redding y el entonces 'nuevo estilo' de James Brown, que fue reflejado en canciones como el famoso "Express Yourself".
Volviendo a la ciudad que puso la primera piedra del estilo, Nueva Orleans; la banda que fue originalmente Art Neville & The Sounds y luego la banda de estudio para Allen Toussaint en el sello Sansu, se convierten en The Meters, uno de las bandas pioneras y más influyentes en el desarrollo del funk. El disco homónimo de 1969, incluye sus éxitos Sophisticated Sissy, Look A Py Py y Cissy Strut, en donde sus músicos ( Art en teclados, George Porter Jr. en bajo, Joseph Zigaboo Modeliste en batería y Leo Nocentelli en guitarra) crean fuego en base a instrumentales llenas de sentimiento y poder de ritmo.
Tres años antes, en San Francisco, los hermanos Stewart, el discjockey Sylvester (Sly) y Freddie, unieron sus bandas respectivas Sly & The Stoners y Freddie & The Stone Souls en una sola llamada Sly & The Family Stone. Esta es una banda tracendental en varios sentidos: Fue un primer claro ejemplo de banda multiracial y ambisexual, rompiendo esquemas sociales de una época en donde aún Norteamérica se luchaba la lucha por los derechos civiles de los afroamericanos; además de presentar una interesante fusión del sonido de Rock Psicodélico del area de San Francisco y el Soul. El sencillo Everyday People de 1968, fue un éxito e hizo elevar al estrellato al grupo con su irresistible imagen multiracial, con un mensaje de integración, amor, comprensión, todas de acuerdo a la era hippie que había salido a conquistar el mundo directamente del distrito Haight-Ashburry de la ciudad nativa del grupo. Ese éxito los hizo merecedores de actuar en el célebre Festival de Woodstock celebrado en Nueva York en Agosto de 1969 junto a la mayoría de los íconos del rock de la generación de las flores. Pero fue a partir de los 70s que esta banda comenzó a regalar aires frescos al mundo musical completo, primero con el single Thank You (del LP Everybody Is A Star) en donde el bajista Larry Graham se asegura su situal en la historia del bajo eléctrico al patentar aquí el estilo "Slap", ampliamente imitado por todo tipo de bajistas hasta el día de hoy. El segundo avance lo dieron en el single Family Affair del LP There's A Riot Goin On del 71' en donde la sección de batería no la hace los tambores de Greg Enrico, sino mas bien..¡una máquina de percusión Maestro Rhythm King!. Con esto Sly y familia se adelantaron a la técnica empleada en parte de la música disco, el Hip Hop y el House.
Pero volviendo algunos años antes, en Detroit, el sello que tenía los artistas de Soul más exitosos de Estados Unidos, aparte de James Brown y Aretha Franklin, el Motown de Berry Gordy, también vio en el funk una veta que explotar.
Las incursiones con el sintetizador de artistas como Stevie Wonder, Herbie Hancock (que se luce con sintes ARP en su disco de 1972 llamado "Headhunters") y "P-Funk" de George Clinton (vía su tecladista Bernie Worrell en el Minimoog); sumado a la caída de los precios de la electrónica a finales de los 70s, puso la semilla para que a comienzos de los 80s se popularizara un tipo de Funk hecho sólo con instrumentación (incluida su percusión) electrónica, conocido como Electro Funk, y cuyos primeros exponentes destacados son los D-Train, Peech Boys, Shalamar y Midnight Star.
Finalmente, en Cuba surgió la timba, a finales de los 80 y principios de los 90, también llamada Salsa Cubana o por los críticos prestigiosos denominada como Hipersalsa por su alta complejidad, en el que el virtuosismo del bajo funk con frecuentes slaps es la columna vertebral de dicha corriente musical..
Fuente: Wikipedia
• Un instrumento fundamental para este estilo de música es el Bajo, requiriendo una gran proficencia técnica y la creación de líneas melódicas sobre las que se construyen los arreglos del resto de los instrumentos. Una técnica muy utilizada por los bajistas Funky es el slap, técnica patentada por el bajista de Sly & The Family Stone, Larry Graham, ,que consiste en golpear simultáneamente las cuerdas del bajo con el pulgar y tirar doblada una cuerda para dar un toque más potente a la línea.
• La guitarra funk, por su parte, es muy diferente a una metal o rock, dado que se basa en la utilización de acordes simples alternadas con rasgueos secos, generalmente en las cuerdas más agudas, utilizando eventualmente el pedal de Wah Wah y efectos como el Flanger o ECFs (Envelope Controlled Filter) para dar un sonido más percusivo al instrumento. Generalmente suelen utilizarse subdivisiones rítmicas en semicorcheas.
• La batería tiene una métrica y síncopas característicos, y es una de las partes más evidentes que se han heredado del funk casi sin cambios desde sus inicios, a través de las diferentes formas de música hip hop, breakbeat y más tarde de música electrónica de baile, pero con composiciones más repetitivas y marcadas.
Origen del término funk
La palabra "funk", es definida en diccionarios de inglés como el olor corporal que emana de las partes bajas del cuerpo durante la actividad sexual, como es de esperarse, el término era constantemente calificado como una maldición, grosería o una indecencia, algo similar al origen del término jazz que se refiere al semen. Se pudiera concluir que "funk" puede entonces haberse derivado de una combinación o acrónimo de los términos ingleses "fuck" (grosería para describir la cópula) y "stank" (hediondez). Los músicos Afro-americanos originalmente aplicaron la palabra "funk" para la música de acordes de blues con un lento y desarrollado groove, entonces después para un fuertemente dirigido ritmo insistente, presisamente inspirado por el meneo o vaivén espontáneo de los cuerpos durante la relación sexual. Esta temprana y espontánea forma de tocar en sesión configuró el patrón para muchos músicos posteriormente.
La música se hacía lenta, sexy, orientada en riff y bailable. Funky típicamente describe esas cualidades. En jam sessions, musicos solían animar a llevar la sesión a irse a tierra "get down" por decirse uno a otro, "Now, put some stank ("stink"/funk) on it!" Tan temprano como en 1907, canciones de jazz cargaron con el término como "Funky Butt" del trompetista Buddy Bolden. A fines de 1950s y primeros 1960s, cuando "funk" y "funky" fueron siendo usados cada vez más en el contexto de la música Soul, los términos aún eran considerados fuertes e inapropiados para ser usados por las compañías.
Historia
Musicalmente hablando, los claros antecedentes al ritmo con groove que caracteriza al funk, está en las innovaciones , ya en los 50's, de varios bateristas de rhythm and blues de la ciudad de Nueva Orleans, inspirados evidentemente por la extraña mezcla de ritmos que se podían escuchar en la ciudad en los desfiles de primera y segunda línea en eventos tales como el Mardi Gras. Esto les hizo llegar a gente como Joseph 'Smokey' Johnson (que tocó en varios temas del experimentador pianista Professor Longhair tales como Tipitina y Who's beeen fooling you), Charles Hungry Williams de Huey Smith and The Clowns y Earl Palmer (de la banda de Dave Bartholomew y Little Richard) un sentido de sincopación y de la necesidad de intrincar redobles y doble bombos en sus interpretaciones, trasladando, por decirlo así, el sonido de los polirítmicos desfiles al kit de batería. Por ejemplo en temas estàndar del Rock and Roll tales como "I'm Walkin" de Fats Domino, Earl Palmer introduce con un juego de bombo y caja poco usual para la época . Otros temas de la época con una percusión proto-funky son "Groovy Little Suzy" de Little Richard y "Suzie Q" de Dale Hawkins (ambos de 1957). Se atribuye a Earl Palmer el aplicar la palabra funky para indicar cuando iba a tocar algo con ritmo en síncopa.
Un gran avance fue el tamborileo y golpeteo de bombo radical de Smokey Johnson en "Big Chief" de Professor Longhair de 1964.
Así, los primeros claros indicios de lo que sería el funk (proto-funk) estan en tempranos éxitos de Nueva Orleans como "Trick Bag" escrito por Dave Bartholomew para Earl King en 1961 y el que compuso este último el citado "Big Chief", además de "I've Got Money" (1962) y "Out of Sight" de 1964 por James Brown (desde Georgia). Brown, ya a ese momento una estrella del soul, comenzó a sentir una necesidad de originalidad que lo diferencie de sus competidores (los artistas de Motown por ejemplo) y ya comenzaba a dar un cambio en los arreglos, reduciendo la complejidad de la melodia y exaltando más el aspecto rítmico en sus temas. En una entrevista hecha por el investigador musical Jim Payne, Clayton Fillyau, baterista que había tocado con Etta James y en el "I've Got Money" del mismo James Brown, reconoció abiertamente la influencia del estilo Nueva Orleans :
"Escuché a un grupo R&B salido de Nueva Orleans llamado Huey Smith & The Clowns. Ahora se que Nueva Orleans también es donde el funk se plantó. Yo no pude entender como hacerlo bien hasta que el baterista de Huey Smith, Charles 'Hungry' Williams me mostró como tocarlo (the origins of the 'James Brown Beat', in The Great Drummers Of R&B, Funk & Soul)".
"Papa's Got a Brand New Bag" de Junio de 1965 (#1 R&B) y especialmente "Cold Sweat" de Mayo de 1967 fueron la confirmación de esa formula, aplicando a éste último ejemplo, modismos especiales como una especial acentuación a el primer compás de las 4 medidas (on The One) el uso del "break" (posteriormente, piedra angular en el hip hop) y la reducción de una entera pieza musical a un simple cambio de acorde." Cold Sweat", cuya composición le debió bastante al cool jazz del "So What?" de Miles Davis y a "Señor Blues" de Horace Silver, fue reconocida como un quiebre radical de las convenciones de la música pop al momento de su salida; muchas veces citada como la primera canción netamente funk . Jerry Wexler de Atlantic Records comenta que "'Cold Sweat' afectó profundamente a los músicos que conozco. Nos alucinó a todos. Ninguno manejó las formas ya probadas desde entonces."Cliff White va más allá describiéndolo como un "divorcio de las otras formas de la música popular ." El trombonista Fred Wesley dijo que antes de unirse a la banda de Brown "quedé muy impresionado con 'Cold Sweat'. . . Tenía un solo cambio, las palabras no parecían tan lógicas, y el puente era considerado musicalmente incorrecto. Era un mutante" . Esta revolucionaria composición alcanzó el puesto #1 en R&B y #7 en los 'Hot 100' del Billboard, confirmándose como un éxito comercial. Uno de los temas del LP "Cold Sweat" (1967, King Records), llamado Funky Broadway es la primera referencia al término en un tema Rhythm and Blues/soul y se hicieron exitosas versiones de éste por Dyke & The Blazers y Wilson Pickett.
Rápidamente, surgieron verdaderos esfuerzos de jóvenes músicos negros por desarrollar ritmos cimbreantes y fuertes como en Houston lo hicieron el legendario saxofonista tejano, King Curtis, con "Memphis Soul Stew" (1967, Atlantic) presenta un tema con una tremenda sección de batería funky brindada por el legendario Bernard 'Pretty' Purdie. En Houston Archie Bell & The Drells, con su "Tighten Up" que llegó a alcanzar el puesto #1 en ambas listas la pop y R&B del Billboard en el verano de 1968, abrieron el camino a una variación más veloz del funk, hecha para bailar locamente.
En Los Angeles, California, la banda formada en 1960 llamada Charles Wright & The Watts 103 Rhythm Band comenzó a crear originales canciones a medio camino entre el Soul duro de Otis Redding y el entonces 'nuevo estilo' de James Brown, que fue reflejado en canciones como el famoso "Express Yourself".
Volviendo a la ciudad que puso la primera piedra del estilo, Nueva Orleans; la banda que fue originalmente Art Neville & The Sounds y luego la banda de estudio para Allen Toussaint en el sello Sansu, se convierten en The Meters, uno de las bandas pioneras y más influyentes en el desarrollo del funk. El disco homónimo de 1969, incluye sus éxitos Sophisticated Sissy, Look A Py Py y Cissy Strut, en donde sus músicos ( Art en teclados, George Porter Jr. en bajo, Joseph Zigaboo Modeliste en batería y Leo Nocentelli en guitarra) crean fuego en base a instrumentales llenas de sentimiento y poder de ritmo.
Tres años antes, en San Francisco, los hermanos Stewart, el discjockey Sylvester (Sly) y Freddie, unieron sus bandas respectivas Sly & The Stoners y Freddie & The Stone Souls en una sola llamada Sly & The Family Stone. Esta es una banda tracendental en varios sentidos: Fue un primer claro ejemplo de banda multiracial y ambisexual, rompiendo esquemas sociales de una época en donde aún Norteamérica se luchaba la lucha por los derechos civiles de los afroamericanos; además de presentar una interesante fusión del sonido de Rock Psicodélico del area de San Francisco y el Soul. El sencillo Everyday People de 1968, fue un éxito e hizo elevar al estrellato al grupo con su irresistible imagen multiracial, con un mensaje de integración, amor, comprensión, todas de acuerdo a la era hippie que había salido a conquistar el mundo directamente del distrito Haight-Ashburry de la ciudad nativa del grupo. Ese éxito los hizo merecedores de actuar en el célebre Festival de Woodstock celebrado en Nueva York en Agosto de 1969 junto a la mayoría de los íconos del rock de la generación de las flores. Pero fue a partir de los 70s que esta banda comenzó a regalar aires frescos al mundo musical completo, primero con el single Thank You (del LP Everybody Is A Star) en donde el bajista Larry Graham se asegura su situal en la historia del bajo eléctrico al patentar aquí el estilo "Slap", ampliamente imitado por todo tipo de bajistas hasta el día de hoy. El segundo avance lo dieron en el single Family Affair del LP There's A Riot Goin On del 71' en donde la sección de batería no la hace los tambores de Greg Enrico, sino mas bien..¡una máquina de percusión Maestro Rhythm King!. Con esto Sly y familia se adelantaron a la técnica empleada en parte de la música disco, el Hip Hop y el House.
Pero volviendo algunos años antes, en Detroit, el sello que tenía los artistas de Soul más exitosos de Estados Unidos, aparte de James Brown y Aretha Franklin, el Motown de Berry Gordy, también vio en el funk una veta que explotar.
Las incursiones con el sintetizador de artistas como Stevie Wonder, Herbie Hancock (que se luce con sintes ARP en su disco de 1972 llamado "Headhunters") y "P-Funk" de George Clinton (vía su tecladista Bernie Worrell en el Minimoog); sumado a la caída de los precios de la electrónica a finales de los 70s, puso la semilla para que a comienzos de los 80s se popularizara un tipo de Funk hecho sólo con instrumentación (incluida su percusión) electrónica, conocido como Electro Funk, y cuyos primeros exponentes destacados son los D-Train, Peech Boys, Shalamar y Midnight Star.
Finalmente, en Cuba surgió la timba, a finales de los 80 y principios de los 90, también llamada Salsa Cubana o por los críticos prestigiosos denominada como Hipersalsa por su alta complejidad, en el que el virtuosismo del bajo funk con frecuentes slaps es la columna vertebral de dicha corriente musical..
Fuente: Wikipedia
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