sábado, 6 de marzo de 2010

Sobre Lady Gaga



Lady Gaga nació en nueva york el 28 de Marzo de 1986, es el nombre artístico de Stefani Joanne Angelina Germanotta. En sus comienzos trabajó como compositora para artistas consagrados como Akon. Durante este período, comenzó a introducir su música en locales de NYC. Tras el reconocimiento por parte de Akon de la talentosa voz de Gaga, éste le propuso que se uniese a su sello discográfico Kon Live Distribution, con lo que Gaga comenzó a trabajar en nuevo material para su album debut.

Stefani comenzó a trabajar con un colectivo llamado Haus of Gaga en 2008 y lanzó su álbum debut llamado "The Fame" en el que ella explicó que trata sobre "cómo cualquier persona puede sentirse famosa". El álbum alcanzó la posición máxima en países como Reino Unido y Canada y al mismo tiempo le acompañaron buenas críticas.

Gaga se ha visto influenciada por la moda y ha sido apreciada por su sentido del estilo provocador y su influencia sobre otras celebridades. Musicalmente, se ha inspirado en el estilo glam de rockeros como David Bowie o Queen como cantantes pop como Michael Jackson y Madonna.

Hasta la fecha, ha vendido más de ocho millones de álbumes y catorce millones de singles en todo el mundo digital, contando con sencillos exitosos tales como "Just Dance", "Poker Face", "Love Game", "Paparazzi" y "Bad Romance".


Fuente: wikipedia

Guns N’ Roses en Uruguay

El próximo 18 de marzo sobre las 21:00 se estará presentando por primera vez en nuestro país Guns N’ Roses en la etapa Latinoamericana de su gira mundial “Chinese Democracy”.
El lugar elegido es nada menos que el Estadio Centenario, sobre la tribuna olímpica y parte de la Ámsterdam y Colombes.
Con entradas que iran desde los $ 425 (con una promoción para las primeras 250 a la mitad de precio) hasta los $3.175 las más caras

Se confirmaron los Teloneros:
Estará acompañando Sebastián Bach (Ex Skid Row), con quien Axl interpreta muchas veces "My Michelle" y por Uruguay, tocaran
REYTORO y Vendetta.

Gn'R fue fundada en 1985 por el mítico W. Axl Rose y su amigo de toda la vida Izzy Stradiln.
Si bien su primera alineación no contaba con Slash, Duff, y Steven, la banda realizo un par de shows como GN’R hasta quedar conformada por la alineación que grabo el tan exitoso “Appetite For Destruction”.

Un año después de haber salido el disco, aparece el video de “Sweet Child O’ Mine” y todo exploto. Giras multitudinarias, un disco mitad acústico/mitad vivo, antes de lanzar lo que seria su evolución musical en esa época, su disco de forma doble: “Use Your Illusion I,II”, que fue completado con una gira de 28 meses alrededor del mundo.

A mediadios del 95 Slash decide renunciar a Gn'r por problemas tanto musicales como personales con Axl Rose.
Para 1998 GNR se encontraba reformado completamente, con Axl Rose a la cabeza, Josh Freese en batería, Tommy Stinson en bajo, Robin Finck y Paul Huge en guitarras y Dizzy Reed en teclados.

Durante la primera década del siglo 21, GN'R hizo giras durante 2001/2002 (el peor estado de axl rose, en cuanto a lo vocal).
En 2006/2007, con un muy buen nivel en el aspecto vocal y visual, la banda se redimió de su etapa menos exitosa, girando por toda Europa, cerrando festivales y completando de forma contundente, una gira que llevo a gn'r por USA, Canadá, Europa, Oceanía y Asia, con más de 80 shows

En la actualidad GNR se encuentra de tour mundial presentando “Chinese democracy”, editado a fines de 2008, el cual sufrió diversos contratiempos antes de ver la luz. “Chinese…” corresponde al primero de lo que se espera sean tres discos, editando uno cada dos años.

Guns N' Roses hoy en día presenta esta formación:

Axl Rose – Voces/piano
Ron Thal – Guitarra
Richard Fortus – Guitarra
Dj Ashba – Guitarra
Tommy Stinson – Bajo
Frank Ferrer – Batería
Dizzy Reed – Teclados
Chris Pitman – Teclados y efectos

Gn'R se encuentra en este momento tocando en Cánada, luego de haber comenzado la gira en Asia (Taiwán, Korea y Japón) para el 7 de marzo comenzar su parte por Sudamérica en general y en particular, tocar en Uruguay.



Fuente: rockdeluruguay.com

lunes, 13 de abril de 2009

SOFT ROCK - AOR

El soft rock (‘rock suave’) es un estilo musical, que se distingue de otros tipos de rock por el uso de distorsiones poco saturadas en las guitarras, melodías fácilmente asimilables y letras poco controvertidas. Otras denominaciones, como AOR (adult oriented rock: ‘rock orientado a adultos’), se refieren básicamente al mismo fenómeno

Características
Sonido y letras

El soft rock suaviza, de manera consciente, las aristas instrumentales propias del rock tradicional, tanto en la búsqueda de sonidos (guitarras a bajo volumen, baterías relajadas...) como en la altura de la propia voz, normalmente cantando en tesituras altas, falsetes, etc.
La selección de las letras, tiende hacia la búsqueda de temáticas sin confrontación, planteadas en lenguaje coloquial (sin ser vulgar), con especial incidencia en las cuestiones amorosas, la vida cotidiana y las relaciones de amistad.

Instrumentación

Aunque muchas canciones del estilo son rítmicamente sencillas, con métricas por lo general en compás de 4/4, la complejidad alcanzada en su intrumentación es destacable (por ejemplo las voces en "Somebody to love" de Queen, o la programación de sintetizadores en Daft Punk).
Instrumentalmente se caracteriza en que a la base estándar del rock le agrega de piano, sintetizadores y secuenciadores, y, con frecuencia, saxofón y otros instrumentos de viento, utilizados como background, así como en los cortes u obligados de la canción, con un manejo de voces similar al jazz o el soul. Sin embargo, la actividad melódica de estos intrumentos es poco habitual en el estilo.

Raíces musicales

El soft rock se desarrolla, prácticamente y de manera paralela, sobre la totalidad de los géneros dentro del rock, y tiene sus raíces en el rock & roll melódico de The Beatles y de los Beach Boys, en la década de los sesenta.
Aunque han existido grupos que, desde su primeras grabaciones, han estado siempre enmarcados en el soft rock (caso de bandas como Toto o Foreigner), lo usual es que grupos que inicialmente desarrollaban otros géneros, hayan ido suavizando sus composiciones conforme avanzaban en edad y antigüedad, hasta quedar totalmente enmarcados en este estilo (por ejemplo, Chicago y The Eagles).

Historia
Primeros tiempos

El soft rock, como género diferenciado, tiene sus primeras referencias a comienzos de los años setenta, en principio como reacción al crecimiento del heavy y al rock progresivo, que dominaban el rock de la época, pero también como reflejo del cambio de prioridades culturales, producido por el baby boom (‘explosión de bebés’, el crecimiento demográfico de la posguerra en EEUU).
El nuevo género, va a llenar el espacio comercial que quedó vacío con la práctica desaparición de la música pop de principios de los años sesenta, desarrollando una nueva música pop, apropiada para quienes habían educado sus gustos musicales juveniles en el campo del rock.

Popularidad

El soft rock llega a ser muy popular en EEUU (y un poco más tarde, también en Europa), hacia finales de los años setenta. En 1977, algunas cadenas de radio, como la New York’s WTFM o la WYNY, también de esa ciudad, se especializan casi monográficamente en el género.
En esta época, algunos grupos que anteriormente habían militado en otros géneros, consiguen ventas millonarias en todo el mundo. Es el caso de Chicago, con el single If you leave me now (un paradigma del soft rock), o de Led Zeppelin, con All my love.

Evolución

Durante los años ochenta, el género evoluciona, alejándose cada vez más de los parámetros originales del rock, conformando una categoría propiamente pop, especialmente en Europa, y fusionando elementos de otras músicas de carácter popular (country, brit pop, etc.).
En general, el soft rock ha sido un género tan popular, como poco apreciado desde los medios especializados. El cómico estadounidense George Carlin dijo al respecto: «El rock suave no es rock ni música. Solamente es suave».
Sin embargo, es preciso ser cauteloso con este tipo de aseveraciones, ya que en este género puede incluirse buena parte de la música pop de los años ochenta y noventa, incluyendo temas de mucha calidad musical.

Adult oriented rock

El Adult Oriented Rock (AOR) (aunque no queda claro el origen de las iniciales, otras teorías lo traducen como "Album Oriented Rock" ó "Album Oriented Radio"), es una variante del estilo musical conocido como Rock melódico. Su nombre (Adult Oriented Rock) en español, quiere decir "Rock orientado a adultos". Se caracteriza por sus trabajados estribillos y melodías y su armonía vocal e instrumental. Se caracteriza por ser una ramificación del rock duro pero con la comercialidad característica del pop. Es un rock apto para casi todos los públicos sin la aspereza del rock puro.
Tuvo su inicio en el período que va desde 1976 a 1980 aproximadamente, cuando empezaron a tener éxito las emisoras FM principalmente en USA y que demandaban músicas con un sonido más depurado ante las nuevas posibilidades que ofrecía la frecuencia modulada y el sonido en estéreo. En aquella época bandas como Eagles, Fleetwood Mac, Boston, Journey,Toto, etc ofrecieron discos notables con ese fin.
A partir de 1980 aproximadamente, el AOR vivió su auge como estilo musical, muchos grupos conocidos coquetearon con este género para desvincularse de él por motivos comerciales cuando así se lo dictaron sus compañías de discos. Entre estos últimos destacan bandas ó solistas tan variopintos como Bon Jovi, Bryan Adams, ó Michael Bolton. Sus más genuinos representantes entre otros, son los grupos norteamericanos Toto, Journey, Boston,Foreigner ó Survivor

Fuente: Wikipedia

JAZZ ROCK

El jazz rock es uno de los subgéneros musicales que se desarrollaron en los últimos años 1960 y comienzos de los 1970. Enmarcado inicialmente dentro de una corriente más amplia, el Rock Progresivo, conformó su propio lenguaje y desarrolló varias líneas de características bien definidas. Los principales grupos radicaron en los Estados Unidos, pero también hubo ejemplos interesantes en Inglaterra y otros países, incluidas España y Latinoamérica.
Los años 70 fueron la década más visible para la fusión, pero el estilo ha estado también bien representado durante épocas más recientes.

Características musicales

Todas las variantes del género, incluyeron una serie de elementos característicos propios:
En relación con la estructura del ritmo
Aunque se siguió generalmente el tipo de compás cuaternario propio del rock, las líneas del bajo y la batería, recogieron modos típicamente jazzísticos, especialmente durante los solos.

En relación con los arreglos

Aunque en muchos casos los arreglos para las secciones de viento se limitaron a la armonización de los riff de guitarra clásicos del rock, en otros se produjeron verdaderos arreglos para voces instrumentales diferentes, al modo de las bandas de jazz. La influencia en éstos, varió desde los claramente influenciados por el bop, como en los primeros discos de BS&T, hasta los que tomaron sus raíces en las orquestas de swing, como en el caso de Chase. En algunos casos (Dzyan, The Flock...) la influencia de las improvisaciones y arreglos colectivos del free jazz fue evidente.

En relación con los solos instrumentales

Aunque el concepto de solo ya era conocido y usado por el rock anterior a 1967, en el jazz rock se desarrolla de forma habitual, prácticamente en todos los temas, tomando en muchos de ellos un papel relevante e, incluso, principal respecto al tema vocal, al modo de la tradición jazzística. Ello exigió la presencia en las bandas de instrumentistas solventes, en algunos casos de muy alto nivel: Randy Brecker, Bill Chase, Chick Corea, Stanley Clarke, Lewis Soloff, Dave Bargeron, Wayne Shorter, etc.. Todos ellos ocuparon puestos destacados en los polls de la revista Down Beat, a lo largo de los años 1970.

Subgéneros

El concepto no se aplicó a una sola corriente de desarrollo musical, sino que en el mismo podemos encontrar, al menos, dos subgéneros bien diferenciados:

Las big bands de rock

La influencia de las bandas de Soul y R&B de mediados de los años 1960, tuvo un claro efecto en la generación de músicos que, sobre todo en las ciudades del noreste de los USA, comenzaron a montar sus bandas hacia 1967. Al núcleo instrumental básico de los grupos clásicos de rock (guitarra, bajo, batería y teclados), se incorporaron instrumentos de metal (trompeta, saxo, trombón), inusuales hasta entonces en el rock, pero de amplia tradición en los géneros antes citados. Fue el crítico de jazz, Joachim E. Berendt, quien propuso la denominación de big bands de rock para estos grupos.

Bandas en Estados Unidos

Las bandas pioneras aparecieron en Estados Unidos. En 1967, Al Kooper formó la que sería la mas importante de éstas, Blood, Sweat & Tears, aunque la más popular, y la que consiguió mejores resultados comerciales, fue el grupo Chicago, que se formó el mismo año, aunque editó su primer álbum un año más tarde que BS&T.
En estos mismos años, aparecieron otras bandas importantes, como Dreams (1968), Lighthouse (1968), aunque eran canadienses, Chase (1969), etc. Algunas bandas, que ya existían con anterioridad, añadieron vientos a su formación alrededor de 1968, por la influencia ejercida por BS&T, como The Ides of March, que se formaron en 1964; The Electric Flag (una banda de blues muy relacionada con Mike Bloomfield y Al Kooper); o The Flock (la banda del violinista Jerry Goodman); y otras, como Rare Earth, aún con una sección de viento reducida, o como Buddy Miles, reclamaron su incorporación al género.
Berendt introduce también en este sub-género al grupo Santana, especialmente a partir de su disco Caravanserai , a pesar de carecer de sección completa de metales . Aunque los presupuestos de partida fueron muy diferentes a los de las bandas antes reseñadas, muchos autores también incluyen en este subgénero a uno de los más influyentes grupos de los años 70, Steely Dan.

Bandas en Inglaterra

Los grupos ingleses, que habían supuesto el núcleo básico del rock progresivo, no fueron muy dados a las big bands de rock, y ello a pesar de su fuerte tradición de blues. Pero, al menos, es necesario recordar una banda muy interesante y que, realmente, tenía formación de big band: CCS, el supergrupo del pianista John Cameron, que editó su primer disco en 1971. En cierta forma, y aunque muy escorados hacia los sonidos étnicos, el grupo anglo-africano Osibisa, también bebió de esta corriente.

Bandas en España

Sorprendentemente, en España hubo algunas bandas que tuvieron relación con este subgénero, ya en época tan temprana como 1967. Un grupo muy influenciado por el Soul y que estaba al tanto de los movimientos que estaban teniendo lugar en los USA, con sección de metales y todo, fue Los Canarios que, tras una gira por los EEUU, publicaron su primer single en 1967 y consiguieron un cierto éxito con su tema Get on your knees (1968). También adoptaron algunos elementos del jazz rock de gran banda otros grupos como Henry and the Seven (el embrión de los futuros Pop Tops) y, mas tarde, Alcatraz, muy influenciados en sus arreglos por Chicago. También, en sus últimas formaciones hacia 1972, el grupo progresivo catalán Máquina! adoptó el lenguaje del jazz rock.
Bastante más tarde, ya en los años 1990, grupos como La Blues Band de Granada o Pecos Beck & Tito Poyatos Band, recuperaron el sonido de las big bands de rock.

Bandas en Europa

Hubo también bandas de este tipo en otros paises europeos, como es el caso de The Lolas, en Polonia.

El Jazz Fusión

El Jazz Fusion (término en ocasiones identificado con el propio Jazz-rock) combina elementos del Jazz con otros estilos de la música, particularmente pop , rock , folk , polka , reggae , R&B , hip hop , soul y/o música electrónica. Los discos de Fusion - incluso los que hayan sido hechos por un mismo artista- incluyen a menudo una variedad de estos estilos musicales.
Más que un estilo musical codificado, la fusión se puede ver como una tendencia o acercamiento musical. La música de la Fusion es típicamente instrumental (es decir, sin voz), aunque algunos subestilos contienen partes vocales; a menudo contiene formas complejas de tempo , métrica y patrones rítmicos , con longitudes extendidas de la pista, ofreciendo improvisaciones muy largas. Los músicos del Fusion son reconocidos por tener un alto nivel de virtuosismo, combinado con composiciones complejas e improvisación musical en los metros, vistos raramente en otras formas musicales occidentales, salvo en el Jazz.

Orígenes

Desde otra vertiente totalmente diferente a las Big Bands de Rock, músicos de jazz habían comenzado a introducir en sus discos bases rítmicas de tipo rock, especialmente a partir de las experiencias de Frank Zappa a finales de los años 60. Aunque tenemos el antecedente de Julian Cannonball Adderley, que comenzó a realizar la música que fusionaba el jazz con el pop, el pionero, indudablemente, fue Miles Davis, que rompió el fuego con su disco Bitches Brew (1969). Una buena parte de los músicos de jazz que le acompañaron en esa grabación, generarían bandas de jazz-rock en los años siguientes: Chick Corea con su grupo Return to Forever, John McLaughlin y su Mahavishnu Orchestra, Joe Zawinul y el grupo Weather Report, Larry Coryell y Eleventh House, Tony Williams y sus Lifetime... Otros músicos de jazz, como Stanley Clarke y Pat Metheny, o de rock, como Jeff Beck, trabajaron en esta misma línea.
Miles Davis en su álbum Bitches Brew, revela posibles influencias del compositor avant-garde Karlheinz Stockhausen.En relación con la instrumentación, ésta también se acerca al rock; así, el "Tony Williams Lifetime", usa instrumentos como la guitarra eléctrica, el bajo y el piano eléctrico. Más tarde, Herbie Hancock , Joe Zawinul , Jan Hammer y Chick Corea, comienzan a incorporar sintetizadores como el minimoog.

Jazz fusión en Europa

Este subgénero tuvo también representantes en Europa: Los seminales Soft Machine (que crearían en 1970 una de las piedras angulares del estilo: Third), Nucleus (el grupo del trompetista Ian Carr) o Paraphernalia (con la saxofonista Barbara Thompson), todos ellos en el Reino Unido; Dzyan y Pork Pie, en Alemania, junto con músicos como el guitarrista Volker Krieger y el saxofonista Klaus Doldinger; el violinista Jean Luc Ponty y el grupo Magma, en Francia; los suecos Ole Baver Group, etc. Tal vez el que más fama alcanzó fue el grupo holandés Focus, liderado por el flautista Thijs van Leer y el guitarrista Jan Akkerman , en donde se mezclan sonidos de jazz, rock, yodel, y música nativa de Holanda.

Jazz fusión en España

En España, hubo un buen número de grupos que se nutrieron de esta corriente, sobre todo dentro de lo que se llamó el rock layetano (Om, Orquestra Mirasol, Música Urbana, Barcelona Traction , Fusioon, Companyia Elèctrica Dharma) y dentro del nutrido rock andaluz (Guadalquivir, Cai, Vega, La Banda del Tio Paco). En Madrid, el grupo Dolores (que incluía a Pedro Ruy-Blas y Jorge Pardo, entre otros) fue el representante de esta corriente. Sin embargo, la banda que mejor asumió los conceptos del jazz fusión en España, fue Iceberg (1974) (más tarde, Pegasus, hacia 1982), con el guitarrista Max Sunyer y el teclista Josep Mas "Kitflus" al frente.

Jazz Fusión Latinoamericano

Existen diversas fuentes de creatividad con su respectivos exponentes de este género que ha revolucionado los confines de la música internacional, dentro de rítmos propios latinos, aquellos que convergen en su imagen europea y africana. El jazz fusión latinoamericano es una respuesta elaborada a partir del juicio y criterio musicales proveniente de los más grandes críticos y compositores del jazz, se puede decir que este género ha revolucionado a la música internacional pues desde sus orígenes el impacto más importante de esta corriente del jazz se ha generado en Nueva York, con la creación de fusiones cubanas y sus africanismos dependientes del género, lo que ahora tan popularmente es conocido como salsa, que ha logrado un impacto favorable hacia las nuevas ideografías que expresan los más variables elementos. La corriente jazzística no solo ha sido resplandecida con los africanismos cubanos, sino que en forma ha logrado fusiones distinguibles entre otros géneros como el merengue, la cumbia, la bachata, el danzón, el mambo, y el tango entre otros.
Los principales exponentes tanto en orden de banda jazzística y de compositores se encuentran entre: Mario Lecaros, Banda Mantiqueira, Eddie Palmieri, Kevin Ceballo, Armando Romeu, Vincent Calloway, W.C. Handy, Jerry González, Mark Gutiérrez, Cheo Negrón, Compay Segundo, Abel Paez, Daniel Mujica, Daniel Volpini, Nat Chediak, entre muchos otros; y entre los nuevos jóvenes compositores latinos del hoy se encuentran lós más destacados: Marco Vivencio, Marck Julio, Oscar Bartalenza, Silvieta Fernández, Diván de la Celda, Jimmy Cano, y Daniel Jiménez Jr., entre tantos otros.

Decadencia del género

A partir de finales de los años 1970, el jazz rock, como género específico dentro del campo del rock, comenzó a decaer. Frente a las grandes ventas que los grupos del género habían cosechado en los años anteriores, el mercado se decantó por las nuevas tendencias, especialmente el hip hop y el funk, o por las revisiones radicales de las esencias del rock, como el punk. Buena parte de los músicos que, desde el jazz, habían desembarcado en él, volvieron a sus raíces (Chick Corea, Wayne Shorter, Herbie Hancock, Stanley Clarke, etc.) , y las big bands de rock desaparecieron o se acomodaron en un decadente soft rock para adultos.
Sin embargo, el jazz-rock tuvo una poderosa influencia en el pop británico de los años ochenta, en grupos como Haircut One Hundred , Blue Rondo o Sade, así como en el desarrollo del acid jazz y el blues moderno.

Fuente: Wikipedia

GLAM ROCK

El glam rock, también conocido como glitter rock, es un género musical nacido en Gran Bretaña, cuyo apogeo tuvo lugar entre 1971 y 1974. Su nombre es un apócope de la palabra “glamour”.
Nació en una época en la que el rock psicodélico derivó hacia unos estilos que abusaban del virtuosismo y los largos desarrollos en las canciones, en perjuicio de la frescura que se podía encontrar en el viejo rock'n'roll. Por ello, muchos artistas, con Marc Bolan de T.Rex a la cabeza, comenzaron a buscar esa espontaneidad perdida.
Y la encontraron en un rock básico deudor del de los 50, al que añadieron más decibelios y lo combinaron con el mejor pop surgido en los 60. A este sonido le unieron unas letras con claras referencias sexuales y al lado más salvaje.

Estética glam

Pero faltaba algo más, porque si por algo se caracterizaba este estilo era por dar tanta importancia a su música como a su estética -o mejor dicho, su estética era también parte de su música-. Así que frente a la imagen de macho-rock imperante en esos días, ellos se rebelaron jugando con la ambigüedad sexual y exhibiendo una actitud descarada y provocativa.
El pionero fue Marc Bolan, entre cuyos "hallazgos" estéticos se encuentran los trajes de leopardo, las chisteras y las boas de porno. Conforme iba creciendo el género se fueron popularizando los trajes futuristas brillantes,las botas con plataforma, los peinados imposibles y los kilos de maquillaje y purpurina que utilizaban. David Bowie también contribuyó al inspirarse en las travestis neoyorquinas del entorno de Andy Warhol, por cuya estética sentía predilección. Y así nació la extravagante imagen Glam, que solo podía haberse dado en una década tan propensa a los excesos estéticos como la de los 70.
La guinda en el pastel la puso la teatralidad que ostentaban en sus actuaciones, tomada directamente de las performances de Lindsay Kemp y del teatro de vanguardia.

Subgéneros

Glitter rock

El término se acuñó haciendo honor a Gary Glitter, después del enorme éxito que obtuvo en el año 1971 su canción " Rock & roll" y hace referencia a la facción del glam más festiva y comercial.
Fue creada por Marc Bolan, líder de T. Rex, que fue el primer artista glam y el que mejor supo reunir en su música un poco de todas las corrientes que caracterizaban al género. Bolan puso las bases del Glam rock canónico con su Boogie Rock pegadizo, inspirado en melodías bailables y en potentes riffs de guitarra, añadiendo unas letras hedonistas y superficiales y una forma de cantar premeditadamente sexy.
Bajo la sombra del sonido creado por T.Rex, y siempre sin superarlo, surgieron multitud de grupos y artistas como Slade, Gary Glitter, Sweet, Mott The Hopple, Cockney Rebel o la única chica de verdad, Suzi Quatro, quienes a pesar del éxito de sus singles en las listas británicas, no sobrevivieron al declive del movimiento. Buena parte del éxito de muchos de estos artistas se debió a las producciones y composiciones de Nikky Chinn y Mike Chapman, auténticos reyes Midas del Glam Rock. Aunque la mayoría de estos grupos lucieran maquillaje y ropa ambigua, su imagen era bastante tosca, más parecida a rockeros de barrio disfrazados de mujer que a travestis glamurosos.

Genios del glam

Paralelamente a esta corriente, varios artistas cuyos talentos trascienden a cualquier clasificación estilística, también adoptaron la filosofía y el sonido Glam, pero dotándoles de mucha más sofisticación y profundidad tanto en la música como en las letras.
Por una parte estaba David Bowie, quien se convirtió en la mayor estrella del movimiento cuando mutó en Ziggy Stardust, un personaje de su invención cuyas vicisitudes cuenta en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, disco que inyectó al glam grandes dosis de dramatismo, convirtiéndose en el LP clave del género y considerado uno de los mejores discos de la historia del Rock. También ejerce de productor en varios de los discos más importantes del estilo. Mención especial merece Mick Ronson, guitarrista de su banda de acompañamiento “The Spiders From Mars” que contribuyó enormemente al sonido Glam con su forma hipnótica de tocar la guitarra.
Por su parte, Roxy Music, cuyos miembros más destacados fueron Bryan Ferry y Brian Eno, hacían un rock arty en el que cabían las baladas vanguardistas y la experimentación electrónica. Brian Eno dejó la formación después de su segundo disco For Your Plesaure. En su primer álbum en solitario, Here Comes The Warm Jets , siguió la tradición Glam, que abandonaría en su trayectoria posterior, más centrada en la música electrónica.
Incluso el sobrio Lou Reed sucumbió ante las lentejuelas y el rímel en esos días, después de que su anterior grupo, The Velvet Underground - que fue un claro precursor del Glam y el Punk en lo estrictamente musical- se disolviera. Fue entonces cuando firmó uno de los mejores discos de su carrera, Transformer, que fue producido por Bowie. En su siguiente disco, Berlin, recoge la vena más dramática y sórdida del Glam en un álbum conceptual al estilo de los que ideaba su amigo Bowie y en el que plantea la historia de una prostituta de dicha ciudad alemana.

Shock rock

También nacido en EE. UU., era una combinación entre el hard rock y glam. Sus creadores fueron Alice Cooper y posteriormente lo adoptarían Kiss, grupo que vendió varios millones de discos a finales de los 70. Del glam tomaban su teatralidad para convertirla en algo mucho más espectacular, introduciendo el terror lúdico como parte del show, planteado desde el gamberrismo más provocativo en el caso de Alice Cooper; y desde la estética más oscura del cómic en el de Kiss

Óperas glam

Fue inevitable que surgiera alguna Ópera rock basada en el espíritu Glam, ya que los dos estilos vivíeron su máximo esplendor en las mismas fechas y sus características los hacían muy compatibles. Se pueden considerar como "Óperas glam" a dos películas: la divertida “The Rocky Horror Picture Show” (Jim Sharman, 1975), sobre un extraterrestre travestido sedientos de sexo; y la más oscura y satírica “El fantasma del paraíso” (Brian De Palma 1974) que se basa en la historia de “El fantasma de la Ópera” para contar el enfrentamiento entre un músico de rock y un malvado productor musical.

Otros

El grupo Queen también estuvo vinculado a este estilo, pero ellos lo combinaban con Rock Progresivo y Hard Rock con tintes épicos. Obtuvieron una enorme popularidad que continuó hasta la muerte de su carismático líder, Freddie Mercury. El Glam también se puede intuir en la imagen extravagante y algo marciana de otro archiconocido artista de la época, Elton John.
Pocos años después, surgieron otros grupos de corta duración, como Tiger Lily y Slik, cuyos miembros formarían posteriormente la banda Ultravox.

Influencia posterior

En los 80

Cuando estos mismos chicos se lanzaron a crear nuevos estilos, el pop y el rock de los 80 se llenaron de herencia Glam. No es difícil encontrar sus huellas musicales y estéticas en artistas New Wave como Adam & The Ants o Billy Idol. En el Rock Gótico de The Cure, Bauhaus o Siouxsie and the Banshees. En el Synth Pop de Gary Numan, Soft Cell, A Flock Of Seagulls o The Human League. O en los grupos calificados New Romantics como Japan, ABC o los más comerciales Duran Duran
En esas fechas en España, el legado del Glam es evidente en casi todos los artistas que formaron parte de lo que se llamó Movida madrileña. Alaska y los Pegamoides, los primeros Radio Futura, Zombies, las primeras películas de Pedro Almodóvar, las performances de Fabio McNamara, los cuadros de los Costus, la llamativa imagen de Tino Casal tienen innumerables referencias al Glam Rock.
También en los 80 surgió un subgénero enmarcado en el Hard Rock y el Heavy Metal que se denominó Glam Metal y cuya estética debe mucho a la imagen de los New York Dolls y a la espectacularidad del Shock Rock. Los grupos más importantes fueron: Bon Jovi,KISS,Vinnie Vincent Invasion,Aerosmith,W.A.S.P., Twisted Sister, Mötley Crüe o Poison.

A partir de los 90

El Glam Rock está en el subconsciente de todos las bandas británicas de Rock Alternativo, pero no es común que surjan artistas que lo reivindiquen explícitamente. A pesar de esto, durante los 90 apareció un grupo de evidente ascendencia Glam, Suede, que reunían en su sonido lo mejor del David Bowie de Ziggy Stardust. Esta referencia también es válida para el grupo Placebo, actualmente en activo. Los dos grupos adoptan el dramatismo y la ambigüedad sexual de los artistas Glam pero con una imagen mucho más sobria y menos exagerada, más acorde con la estética Indie.
Por otra parte, la herencia del Shock rock ha sido llevada al límite por grupos de Rock industrial como Marilyn Manson y otros grupos mucho menos andróginos como White Zombie o Rammstein.
En la actualidad, el grupo Scissor Sisters hacen una divertida combinación de Glam Rock, Electro pop y Música disco.

Cine inspirado en el glam

Además de las dos películas reseñadas anteriormente, otros dos títulos más recientes se han inspirado en el glam rock:

• Velvet Goldmine: Es un film de 1998 cuya historia se basa en la amistad entre dos estrellas glam que poseen muchas similitudes con David Bowie e Iggy Pop. La película se ambienta en la edad de oro del glam y su banda sonora cuenta con varios clásicos del género, así como con recreaciones de los artistas más importantes del rock alternativo de los 90, que rinden un homenaje al glam.
• Hedwig and the Angry Inch: Película musical del año 2001 que cuenta la historia de un transexual que creció en Berlín Este admirando a David Bowie, Iggy Pop y Lou Reed, y que posteriormente emigra a Estados Unidos donde funda un grupo de glam rock.

Fuente: Wikipedia

MÚSICA DISCO

La música disco es un género de música de baile derivada del R&B (Rhythm & Blues), que mezcló elementos de géneros anteriores como el funk y el soul, con toques latinos en muchos casos, y que se popularizó en las salas de baile (discotecas) a mediados de los 70.

Características generales
Estructura musical
Ritmo

La música disco dominó la escena musical hasta el comienzo de los años 80. Las canciones disco, usualmente, estaban estructuradas sobre un repetitivo ritmo cuaternario, marcado por una figura de charles, de ocho o dieciséis tiempos, con hit-hat abierto en los tiempos libres, y una línea predominante de bajo sincopado, con voces fuertemente reverberadas.
Son fácilmente reconocibles por sus ritmos repetitivos (generalmente entre 110 y 136 beats por minuto) y pegadizos, con frecuencia inspirados por ritmos de origen latino: merengue, rumba, samba...

Armonías y arreglos

El sonido orquestal usualmente conocido como sonido disco, se fundamentaba en la presencia de secciones de cuerda y metales, que desarrollaban frases lineales en unísono, tras la base instrumental formada por el piano eléctrico y la guitarra eléctrica (con toques claramente tomados del funk). Al contrario que en el rock, la guitarra solista es inusual.
El resultado era una especie de muro de sonido, brillante, con los grupos orquestales tomando los papeles solistas y con un background armónico, fundamentado en una progresión de acordes bien definida (menor/séptima/menor), con predominio de los acordes de séptima mayor.

Ámbito temporal

La música disco tiene su etapa de mayor proyección en la década comprendida entre 1973 y 1983, aproximadamente, con un revival en los años 1990.
Precisamente hacia la mitad de los 70, obtuvieron sus principales éxitos los intérpretes más característicos de la música disco, como MFSB, Donna Summer, The Jackson 5, Gloria Gaynor, Barry White, The Bee Gees, KC and The Sunshine Band, Village People, Boney M o ABBA. Otros muchos artistas que, normalmente, no trabajaban el género, grabaron canciones disco en la cima de su popularidad, como por ejemplo Leo Sayer (You Make me feel like dancing), Rod Stewart (Do you think i'm sexy?), Electric Light Orchestra (Last Train To London) y Blondie (Heart Of Glass).
Diversas películas, como Fiebre del sábado noche y ¡Por fin es Viernes!, contribuyeron al despegue de la música disco entre el público.
Aunque la popularidad de la música disco declinó a comienzo de los años 80, mantuvo una importante influencia en el desarrollo de la música de baile electrónica (Dance) de los años 80 y 90, así como en géneros como el House o el Techno.

Historia
Orígenes
Soul de finales de los 60

La música disco toma sus raíces del soul de finales de los años 60, y en ese proceso de evolución toman parte un importante número de artistas del género, que van aportando paulatinamente los elementos que acabarán definiendo la música disco.
Barry White es uno de estos nexos entre el soul antiguo y el surgimiento del nuevo género, al ser el primero que resaltó el papel del ritmo frente a las melodías y arreglos orquestales. Sin embargo, quizás sea el tema de Jerry Butler, Only the Strong Survive (1969), el primer ejemplo de combinación de los elementos que definirían la música disco. Este tema aunaba los sonidos del soul de Filadelfia y New York, junto con las evoluciones del Sonido Motown.
El soul de Filadelfia, precisamente, se caracterizaba por su mezcla de percusión hipnótica con arreglos de cuerdas, y su huella se ve claramente en temas como "Soul Makossa" (1972), de Manu Dibango, uno de los primeros grandes éxitos disco.
Sin embargo, el término disco no fue utilizado hasta que el crítico Vince Aletti lo incluyó en la revista Rolling Stone, en su artículo "Discotheque Rock '72: Paaaaarty!".

Studio 54 y otras salas

Si hubiese que identificar cada música con un lugar, el fortín de la música disco sería, sin duda, la célebre discoteca neoyorquina "Studio 54" donde los pinchadiscos, con la finalidad de prolongar la diversión, y utilizando para ello dos platos con una misma canción, lograron extender considerablemente la duración de los temas de éxito. Eso dio como resultado las versiones de 12 pulgadas, donde se invitaba a bailar, y moverse disfrutando de la música, según el término definitorio del momento: Boogie.
Algunas otras salas de baile también obtuvieron prestigio: The Limelight, Magique, L'amour, Sanctuary, Paradise Garage, etc.
Primeros éxitos en las listas
El tema "Rock The Boat" de The Hues Corporation (1974) fue nº 1 en los charts de singles y vendió un millón de copias, convirtiéndose así en el pionero de los grandes éxitos de la música disco.
También alcanzaron este privilegiado status otros temas como "Love's Theme", de Barry White & Love Unlimited Orchestra, a comienzos de 1974. Ese mismo año, Gloria Gaynor publicó el primer álbum de vinilo con formato disco mix, que alcanzó el nº 1 de las listas, gracias a que incluía una versión de un tema de The Jackson 5, "Never Can Say Goodbye", que se convirtió en paradigma del género.
Sin embargo, fueron los Bee Gees quienes pusieron cara a la música disco. El grupo había sido popular en la década anterior por sus baladas, e incluso habían competido con los Beatles en los charts, aunque habían desaparecido durante algún tiempo. La habilidad de Barry Gibbs para cantar en falsete y la inmersión del grupo en el disco, le proporcionaron su primer nº 1 después de muchos años con Jive Talkin (1975) y, sobre todo, con You should be dancing. Ambos temas se incluyeron, posteriormente, en la banda sonora del film Saturday night fever.
En 1975, éxitos como "The Hustle", de Van McCoy o "Love to Love You, Baby", de Donna Summer, acabaron por consolidar la primacía de la música disco. Hubo otros muchos temas de gran éxito, a nivel mundial, entre 1974 y 1975: The Jackson 5 con "Dancing Machine" (1974); Barry White y su "You're the First, the Last, My Everything" (1974); "Lady Marmalade" (1974) del trio Labelle; The Four Seasons y su "December, 1963 (Oh, What a Night)" (1975); o Silver Convention, con "Fly Robin Fly" (1975).
1976-1979: La edad de oro
A partir de 1976, un gran número de artistas que nunca antes habían tocado el género, comienzan a grabar canciones disco, en muchos casos por imposición de las discográficas, buscando un hit. Ejemplos notables de esto, fueron temas como Got to give it up (Marvin Gaye, 1977);You Make Me Feel Like Dancing (Leo Sayer, 1977); Miss You Rolling Stones, 1979; Copacabana (Barry Manilow, 1978); I'm every woman (Chaka Khan, 1978); Silly love song (Wings, 1978);Boogie Nights (Heatwave 1978); Do You Think i'm Sexy? (Rod Stewart, 1979); Last train to London (Electric Light Orchestra, 1979); 1979) o los éxitos de Michael Jackson, Don't stop `til you get enough y Off the wall (1979).
La publicación de la Banda sonora de la película Fiebre del Sábado noche (1977), uno de los álbumes más vendidos de la historia de la música popular, catapultó a los Bee Gees, nuevamente, al nº1 de los charts de todo el mundo, con ocho singles diferentes, entre los que destacan Stayin' alive, Night Fever y If I can't have you, convirtiéndose de esta forma en los reyes del disco.
En la misma época en que el género se consolidaba, algunas bandas ajenas al mismo se adentraron en la musica disco, asimilando tanto elementos del sonido New York ,como de Filadelfia, añadiendo también toques latinos. Como ejemplo, la banda Salsoul Orchestra, dirigida por Vincent Montana Jr.
Incluso algunas bandas de rock de primera línea, publicaron temas con claras influencias disco: Miss you de Rolling Stones, I was made for lovin'you de Kiss, etc.
También grandes factorías de Hollywood, como Disney, se vieron influenciadas por el genero. Los estudios Disney, publicaron, en 1979, un LP denominado Mickey Mouse Disco con algunas pistas que llegaron a ser muy conocidas, como Macho Duck (Pato Macho, en español) y Disco Mickey Mouse (con versiones en ingles y español). El disco se publico en ambos idiomas, teniendo un exito aceptable y constituyendo un acercamiento infantil a la musica disco.

El declive del género
Los anti-disco

La popularidad de Fiebre del Sábado Noche, llevó a las grandes discográficas a inundar el mercado de productos disco hechos de forma mecánica y homogeneizada para cubrir la demanda creciente de la audiencia. El adocenamiento de estos productos, y la aparición de alternativas de baile evolucionadas (Dance, Techno...), crearon un sentimiento anti-disco cada vez más perceptible. Las emisoras de radio comenzaron a abandonar la música disco, sobre todo a partir de 1979.
La emergencia de escenas alternativas, tanto en el rock (Punk, New wave...) como en la música R&B (Rap, Hip hop...) también contribuyeron al declive del género.
El 12 de julio de 1979, tuvo lugar una acción anti-disco en Chicago, impulsada por diversos DJs de emisoras de rock, como Steve Dahl, Gerry Meier o Michael Veeck, y que adoptó formato de evento, bajo el nombre de Disco Demolition Night. El asunto incluyó la quema de discos y acabó con un fuerte enfrentamiento con la policía, y numerosos arrestados. Este conflicto, influyó seriamente en el cambio de paisaje sonoro en los charts.
No obstante, aún continua habiendo algunos éxitos disco a comienzo de los ochenta, aunque con un estilo evolucionado y simplificado: Lipp's Inc. (Funkytown, 1980); Kool & The Gang (Celebration, 1980); The Weather Girls (It's raining men, 1982); The Pointer Sisters (I'm so excited, 1982); Michael Jackson (Thriller, 1982); The Mary Jane Girls (In My House, 1983); Prince (1999, 1983); Irene Cara (Flashdance, 1983); o Madonna (Lucky Star, 1983) , Baltimora (Tarzan Boy, 1984).

Del sonido disco al sonido dance

La transición entre la música disco de los 70 y el Dance de los 80, se produce básicamente en los estudios de grabación. Según afirmaciones de Gloria Gaynor, el cambio se origina debido a que los productores comienzan a perder dinero en sus ediciones. Así que se sustituyen las secciones de cuerdas y viento, y el amplio plantel de músicos de sesión por sofisticados Secuenciadores y Cajas de ritmos.
Paralelamente el género, ya decadente, asimila variadas influencias del jazz y el blues, generando nuevas vías de desarrollo (Acid Jazz, Groove) que inundan las discotecas de USA y Reino Unido entre 1980 y 1983. Entre los primeros ejemplos de Dance ya reconocible, encontramos a D.Train, Kashif o Patrice Rushen
El single Planet Rock de Afrika Bambaataa (1982), producido por Arthur Baker, marca el giro definitivo del disco hacia el hip-hop y el techno, fuertemente influenciado, entre otros, por Kraftwerk y su Trans-Europe Express. El nombre del estilo fue Electro Funk.
Serían, finalmente, productores como el propio Giorgio Moroder en Europa, y Larry Levan o Frankie Knuckles en USA, quienes, jugando con loops y bajos poderosos, impulsarían el House, vinculado a clubs como el Paradise Garage (New York) o el Warehouse, en Chicago.

El Revival de los 90

La aparición de algunos discos de artistas renombrados, a mediados de los noventa, que incorporaban elementos claramente disco, originó un breve resurgir del género en la década de los 90.
Publicaron canciones neo-disco, artistas como U2 (Lemon,1993), Brand New Heavies (Spend some times, 1994), Jamiroquai (Cosmic girl, 1996; Little L, 2001), Spice Girls (Who do you think you are, 1997) , Kylie Minogue (Spinning around, 2001) o Sophie Ellis Bextor (Murder on The Dance Floor, 2002).
En esta década, una serie de Videojuegos incluyeron algunos temas disco, como es el caso, entre otros, de Dance Dance Revolution 4th Mix (Shake Your Booty de KC and The Sunshine Band); Bust A Groove (The Natural Playboy) o 'Bust A Groove 2 (Lets the Music Take Control). Para la saga Bust a Groove, los temas fueron especialmente compuestos para representar a un personaje denominado Hiro, que es un fanático bailarín de este tipo de música.

El genero en la actualidad

Aunque las influencias de la música disco permanecen aún en temas actuales (por ejemplo, Free my love de Suzanne Palmer, Big Girls(You Are Beautiful) de Mika , Shut Up And Let Me Go de The Ting Tings ) o algo de lo que hacen Scissors Sisters (2007), puede decirse que el género ya es pasado.
Se puede decir que en cierto modo el Genero Indie tiene algunas influencias de este genero ya que algunas canciones de este mismo llegan a tener el mismo tiempo de Beats Repetitivos caracteristicos de la musica disco
No obstante, sigue habiendo un mercado de aficionados, que permite que sigan editándose CD clásicos, remixes de algunas canciones conocidas, y que se celebren grandes conciertos, de convocatoria "familiar", como el realizado por la PBS en 2004, que unió a estrellas y artistas de aquel tiempo (como A Taste Of Honey , Leo Sayer , Tavares , Frankie Valli , Yvonne Elliman , HeatWave , The Hues Corporation o Martha Wash, entre otros), que "revivieron" muchas de las canciones que hicieron epoca.

Subgéneros
Variantes regionales

En la época de mayor esplendor (mediados de los 70), aparecieron un gran número de variantes regionales del género, en algunos casos consecuencia de las características especiales de algunos artistas, en otros como consecuencia de conceptos de producción y/o arreglos musicales. Entre estos subgéneros locales, cabe destacar:

• El Sonido Filadelfia, una creación de los productores y compositores Humble y Huff, y que generó una larga lista de números uno, con grupos como MFSB, The O'Jays o The Three Degrees, y solistas como Patti Labelle o Billy Paul.
• El Sonido New York, con temas de los artistas residentes de Studio 54 asi como algunos de origen latino, como Van McCoy, Grace Jones, The Salsoul Orchestra , Amanda Lear o LaBelle, con su espectacular éxito Lady Marmalade.
• El Sonido Los Angeles, que incluía grupos como Tavares, Love Unlimited Orchestra o Phyllis Hyman.
• El Sonido Munich, con artistas como Donna Summer, Silver Convention, Boney M o Giorgio Moroder.

Los DJs

El propio concepto del género, y su estrecha vinculación con las pistas de baile, otorgaron un papel relevante a los DJs en la popularización de la música disco. Con el tiempo, los más relevantes, fueron incorporando elementos de creación a su trabajo con los vinilos, llegando a generar fórmulas rítmicas propias que fueron asumidas por los productores. Una de estas líneas de desarrollo de la música disco, enlaza directamente con el hip-hop (Afrika Bambaata).
Entre los DJs más importantes, cabe recordar a Walter Gibbons, David Mancuso, John Benitez y Richie Kaczar (ambos de Studio 54), Francis Grasso, Ian Levine, Mike Pace, Preston Powell, etc.

Música disco fuera de USA

La música disco inundó igualmente Europa, con bandas como ABBA, claramente instaladas en el género, y que dominaron las listas durante finales de los 70 y comienzo de los 80. Otros grupos europeos muy influyentes fueron Cerrone (Francia) y Boney M, éste último integrado por cantantes y bailarines de las Indias Occidentales y lanzados en Alemania por el productor Frank Farian. Además, por supuesto, de los representantes del Sonido Munich, Donna Summer y Giorgio Moroder. Precisamente en Munich, se formó el grupo también Silver Convention, que fue otro de los exponentes reconocidos de este genero.

En Francia destacó el hit disco de la cantante Dalida, J’attendrai, que ocupó los nº 1 de los charts en multitud de países, como Canadá o Japón.

En Bélgica, el Grupo Two Man Sound desarrolló su trabajo en diversos idiomas, destacando su Hit Disco Samba, que los dio a conocer con su mezcla de ritmos brasileños y ambientes disco electrónicos.

Por su parte, en España, en la segunda mitad de la década, y comienzo de los ochenta, hubo algunos intentos de música disco, entre los que destacó, sin duda, el grupo Barrabás, junto con otros artistas que lograron algunos éxitos de ventas (Baccara, Apache, etc.). Sin embargo, el grupo español que mejor sintetizó el sonido disco, la Fundación Tony Manero, aparece con el revival de los años 90.

En el ámbito de la música infantil, el grupo Parchís introdujo influencias disco en algunas canciones, como Mortadelo y Filemón o En la Armada, entre otras

En cuanto a Latinoamérica, a finales de los 70, el DJ José Luis Cortés "El Maromero", impulsa el género en México, dándole un toque muy especial. Igualmente M.T.M realiza una versión en español de la canción Double Dutch Bus Denominada El Peribus. Por su parte, el grupo Super Banda Macho de Virgilio Canales hizo versiones disco, integradas en popurrís, de canciones mexicanas tradicionales como corridos o algunas canciones veracruzanas, entre otros materiales mexicanos musicales. También el grupo Mi Banda El Mexicano, incorpora dentro de la instrumentación de sus tecnocumbias, componentes derivados de ésta música.

En Argentina, el arreglista Bebu Silvetti también incursionó en el género, obteniendo algunos exitos y colaborando con bandas como Salsoul Orchestra.

Fuente: Wikipedia

PUNK

El punk es un género musical dentro del rock que emergió a mediados de los años 1970. Se caracteriza en la industria musical por su actitud independiente y amateur. En sus inicios, el punk era una música muy simple y cruda, a veces descuidada: un tipo de rock sencillo, con melodías simples de duraciones cortas, sonidos de guitarras amplificadas poco controlados o ruidosos, pocos arreglos e instrumentos, y, por lo general, de compases y tempos rápidos.
Las líneas de guitarra se caracterizan por su sencillez y la crudeza del sonido amplificado, generalmente creando un ambiente sonoro ruidoso o agresivo heredado del garage rock. El bajo, por lo general, sigue solo la línea del acorde y no busca adornar con octavas ni arreglos la melodía. La batería por su parte lleva un tempo acelerado, con ritmos sencillos de rock. Las voces varían desde expresiones fuertes e incluso violentas o desgarradas, expresivas caricaturas cantadas que alteran los parámetros convencionales de la acción del cantante, hasta formas más melódicas y elaboradas.

Historia del punk
Orígenes y contexto cultural

A finales de los años 1960, una corriente de jóvenes de Gran Bretaña y otros países industrializados consideraban que el rock había pasado de ser un medio de expresión para los jóvenes, a una mera herramienta de mercado y escaparate para la grandilocuencia de los músicos de ese entonces, alejando la música de la gente común. El punk surgió como una burla a la rigidez de los convencionalismos que ocultaban formas de opresión social y cultural.
Las características del punk rock fueron precedidas por el garage rock, recrudeciendo más el sonido fuerte del rock y con composiciones menos profesionales, influenciados por el sonido de la "Invasión Británica", como The Kinks, The Beatles o The Who, y cogiendo elementos del sonido ruidoso del garage rock de The Stooges o Velvet Underground. También se recogen influencias del frenético Surf rock. Estas variadas influencias se conocen ahora como proto-punk. Dentro de las mismas se puede incluir también entre las influencias tempranas a Bobby Fouler Four autor del sencillo "I Fought the Law", que fuera versionado por The Clash, y a Moderns Lovers autores de "Rooadrunner" dados sus ritmos acelerados, no tan cercanos al punk rock posterior pero si alejado del rock convencional y típico de la época, con acordes simples pero aún sin distorsión o volumen alto.
The Ramones hicieron composiciones sencillas, cuyas ácidas letras trataban temas como la anti-moda y las drogas, marcando con su estilo una pauta a seguir para las bandas por venir.
La visita de éstos a Londres hizo que grupos ya existentes, como los Sex Pistols, comenzaran a usar sus instrumentos como medios de expresión y provocación para mostrar su descontento hacia lo que consideraban una sociedad de mentalidad estrecha y represora.
Con el tiempo el género tomaría diferentes caminos y en su paso evolucionaría en muchos subgéneros y recogería influencias de otros estilos musicales. Los subgéneros del punk se definen a veces por características musicales, y en otros casos por el contenido del mensaje o la ideología que lo inspira.
Tal como después sucedería en muchos otros países, en Inglaterra pronto los grupos tomaron influencias de otros géneros. Una de las primeras fusiones del punk fue con el reggae y el ska de los emigrantes jamaicanos en el país. Como primer y más representativo ejemplo se puede mencionar a la banda The Clash y sus temas "Police and Thieves", "The Guns of Brixton" y "(White Man) In Hammersmith Palais".
En los inicios también surgió el estilo hardcore punk, que se caracterizó por ser una versión más rápida de la forma sucia de tocar el punk. Las primeras bandas fueron Bad Brains, Middle Class y Teen Idles.

El concepto y la filosofía punk
Origen del término 'punk'

El término inglés "punk" tiene un significado despectivo que suele variar, aplicándose a objetos (significando "basura") o a personas (significando "vago", "despreciable" o, también, "basura" y "escoria"). Se utiliza de forma irónica como descripción del sustrato crítico o descontento que contiene esta música. Al utilizarlo como etiqueta propia, los "punkies" (o "punks") se desmarcan de la adecuación a los roles y estereotipos sociales. Debido al carácter de este significado, el punk a menudo se ha asociado a actitudes de descuido personal, se ha utilizado como medio de expresión de sentimientos de malestar y odio, y también ha dado cabida a comportamientos neuróticos o autodestructivos.
El término punk se utilizó como título de una revista fundada en 1976 en Nueva York por John Holmstrom, Ged Dunn y Legs McNeil que deseaban una revista que hablara de todo lo que les gustaba: las reposiciones por televisión, beber cerveza, el sexo, las hamburguesas con queso, los cómics, las películas de serie B, y el extraño rock n' roll que sonaba en los garitos más mugrientos de la ciudad: Velvet Underground, Stooges y New York Dolls, entre otros.
Más tarde el significado también serviría para inspirar las corrientes izquierdistas del género, como etiqueta que deshace la condición de clase o rol social con deudas de reputación o apariencia.

Filosofía punk

En su naturaleza original, el punk de la cultura ha sido principalmente de la libertad individual, que tiende a crear creencias en conceptos tales como el individualismo, la lucha contra el autoritarismo, el anarquismo y el pensamiento libre. La ideología punk contienen muy a menudo una visión crítica del mundo, ver a las sociedades modernas que la puesta de límites en la humanidad. Ésta ideología se suele expresar mediante la música punk. A principios de los años 70's, los "punks" tenían una filosofía muy diferente a la de ahora, era el tener aquella idea de "There is no future" (no futuro, no hay futuro). Ese concepto era pesimista, desesperado, destructivo y agresivo hacia la sociedad.
Pero, en la actualidad no ha sido lo mismo hace treinta años aunque siguen siendo la misma naturaleza del punk.

• Puede resumirse en "hazlo tú mismo", "hazlo a tu manera",(en inglés "Do It Yourself").
• Rechazar los dogmas, y no buscar una única verdad. Cuestionar y transgredir todo lo que rodea.
• No actuar conforme a las modas y las manipulaciones mediáticas además de estar en contra del consumismo.
• Pensar por ti mismo.

El punk, si bien empezó en algunos matices siendo un tanto agresivo, se consolida por sus rasgos actuales en una forma de conciencia social, corriente filósofica e idealista y para nada estilista.
La forma originaria del punk era una forma expresionista de transgresión, buscando liberarse de los corsés estéticos y de la opresión, de la autoridad y en no estar de acuerdo en la sociedad convencional, así como de los estigmas sociales. El punk original no daba explicaciones y buscaba incomodar a lo establecido chocando, ofendiendo y molestando, siendo siempre lo "políticamente incorrecto" y lo opuesto al buen gusto, la moral y la tradición. En un primer momento era básicamente una serie de actitudes de transgresión estética y musical (en la vestimenta, el peinado, etc.), aparejadas a una serie de comportamientos de disconformidad cotidiana, que se fueron acentuando.
Más adelante, especialmente con la aparición del hardcore punk, las demostraciones negligentes o autodestructivas fueron perdiendo protagonismo, y se hizo presente todo un abanico de enfoques con intenciones más conscientes, con énfasis en la crítica social y cultural, y posicionamientos políticos, asociacionismos y afinidad a campañas de protesta.
Suelen ir asociadas al punk algunas ideologías políticas como el anarquismo, el anticapitalismo, el antimilitarismo y el antifascismo. A partir del movimiento punk politizado, hay un debate constante que hace crítica a los que son aficionados al punk por cuestiones estéticas o musicales y dejan a un lado el enfoque social o político.
Por otro lado, debido al carácter transgresor y a veces violento del punk, han existido algunos grupos que en su música incluyen un mensaje o trasfondo de corte ultraderechista, aunque en general el movimiento se define como cercano a la izquierda.

Subgéneros y corrientes que han asimiliado rasgos del punk

Como movimiento creativo, el sonido punk dio aparición a numerosas vertientes. Muchos de los grupos se movían de uno a otro género, existiendo diferentes niveles de permeación, evolución y fusión, pudiendo hablarse de bandas que encajan en el perfil de más de dos subgéneros. Estos estilos individuales fueron popularizándose hasta formarse subgéneros musicales, categorías de obras y artistas que compartían un rasgo definido común.
Desde la aparición del la actual fusión del punk-pop, fue desapareciendo la esencia entera el punk ya que éste es más comercial y ya no hablaba de política o de represión, sino de amor y fantasía. Entre sus subgéneros se pueden identificar los siguientes:
Por rasgos comunes musicales

• Hardcore punk: Fue la primera evolución del punk a fines de los 70s, más extrema, más rápida y más agresiva. Se destacan bandas de la primera oleada como Bad Brains, Teen Idles, Dead Kennedys, The Exploited o Discharge.
o Crossover thrash: Es la rama del thrash metal con aún más influencia del hardcore punk. Se cuentan nombres como D.R.I. o Suicidal Tendencies. Este estilo ha influido en el thrash metal (grupos como Metallica o Anthrax). A menudo también con alta armonía y diversidad de sonidos.
o Hardcore melódico: basado en el hardcore punk, de ritmos rápidos y bases fuertes de guitarra, pero con interpretaciones vocales melódicas, iniciado por Bad Religion.
• Gypsy Punk: Es el subgénero que mezcla la música tradicional romana y/o música de cabaret con el punk rock clásico, ejemplos de bandas son Gogol Bordello, The DeVotchkas, Chunga-Changa, etc.
• Post-punk: Género más experimental y melódico que se caracterizó por la deceleración del ritmo, la influencia de otros estilos musicales y un cierto clima de melancolía. Finalmente derivo en la génesis del rock gótico. Está representado por bandas como The Cure, Siouxsie and the Banshees, Joy Division o Bauhaus.
• No wave, movimiento abstracto y música éxperimental de New York, Lydia Lunch, Glenn Branca, Sonic Youth, Birthday Party
• Ska-Punk: Es el sonido del punk combinado con el ska, con ritmos rápidos y uso de instrumentos como trompetas o saxofones. Los ejemplos más significativos están en Operation Ivy a quienes muchos señalan como los pioneros, Rancid, Skankin Pickle o Less Than Jake, varias canciones de NOFX y Propagandhi, etc.
• Psychobilly: Es la mezcla del punk rock con el rockabilly Algunos grupos representativos son The Cramps, The Meteors y Nekromantix.
• Pop-punk: musicalmente más melódico y limpio, éste olvida los dogmas del anarquismo, surge principalmente en Estados Unidos, popularizado en los 90 como parte de la "segunda oleada punk" por bandas como blink-182, Sum 41 etc...

Por otra parte temática o enfoque

• Anarcopunk: grupos que enlazan su música con temáticas o prácticas anarquistas.
• Horror punk: se caracteriza principalmente por sus letras relacionadas con las películas de terror y de Serie-B y toda la imagen que las acompaña, como Zombies, Ghouls, Vampiros, Esqueletos, etc. Y con una imagen similar, usando maquillaje, peinados (como el Devilock, popularizado por la pionera banda The Misfits), etc. Algunas bandas son Misfits, Creepersin, Diemonsterdie y The Distillers entre otras.
• Gothic punk: Es la rama del punk que mezcla el punk y el movimiento estético gótico. AFI o Parálisis Permanente caben dentro de esta categoría.
• Straight Edge: grupos que abogan por el no a las drogas y a favor del vegetarianismo.
• Oi! (también llamado street punk): relacionado a la temática Skinhead y el sindicalismo.
• Skate punk: generalmente de estilo hardcore o hardcore melódico, grupos relacionados a la subcultura del skate.
• Queer punk o Queercore: grupos con componentes homosexuales.

El punk en países hispanohablantes

Argentina

Los primeros en importar este género musical al país fueron Los Testiculos, banda que, con algunos cambios, seguiría con el nombre de Los Violadores, que emulaban en sus principios a The Clash. En el reducido ambiente punk de tiempos de dictadura también aparecen Los Laxantes, con Gamexane (futuro Todos Tus Muertos) en las guitarras, Alerta Roja, Los Baraja –con Marcelo Pocavida en las voces– y Comando Suicida, una banda Oi! Desde la década del ochenta, con el regreso de la democracia, más bandas de este género fueron apareciendo como, por ejemplo, Flema, Attaque 77 y Todos tus Muertos. La mayoría de estas nuevas bandas formaron parte del compilado Invasión 88 y se vieron claramente influenciadas por el estilo punk de grupos como Ramones, The Clash y Sex Pistols.
En la última década del Siglo XX, aparecieron bandas que hasta el día de hoy (2008) siguen vigentes, como Shaila, Virgin Pancakes, Cadena Perpetua, Dos Minutos, Expulsados, Mal Momento, Doble Fuerza, She Devils y El Otro Yo.

Chile

En Chile la banda punk más antigua es Fiskales Ad-Hok, nacida en la década de los 80 durante la dictadura. Otras importantes fueron y son Punkora, Pegotes, KK Urbana, ANARKIA, Machuca, BBS Paranoicos, 10Botellas y Los Miserables. Fuera de la capital chilena se ve gran cantidad de bandas ligadas al Punk rock, entre ellas las pertenecientes al norte del país: Tetranarko, Hardkolicos, Desorden Masivo y Kaos Anti Social que entre sus variados estilos rescatan el espíritu del género.
Entre las bandas anarcopunk se destacan malgobierno, altercado de Graneros, Marcel Duchamp (banda), Sin Apoyo, Sin Fronteras, entre otros.

Colombia

El Punk en Colombia se ve representado por bandas como I.R.A., Ministero De Vagancia, Polikarpa y sus viciosas, Desadaptadoz, Desarme, Nadie, Fértil miseria, Los Suziox, R.A.Z.A., KontrAestado muchos de estos basados en la Anarquía e ideas revolucionarias que demuestran las importantes bases del movimiento punk en Colombia, también existen bandas que fusionan el punk con otros géneros como es el caso de Skándalo oi!, una banda de Ska-Oi! y Batracios banda de Ska-Punk entre otras. La escena nacional se desarrolló principalmente en dos ciudades, Bogotá y Medellín; en donde aun hoy se ve el mayor número de bandas, aunque en los últimos años ciudades como: Cali, Manizalez y Armenia han dado nacimiento ha importantes bandas dentro de la escena del Punk colombiano.
En Medellin se llevó a cabo la realización de una película de corte punk, Rodrigo D: No futuro, dirigida por Víctor Gaviria, se desarrolla en un Medellín de los años 80's, muestra la vida de un joven punkero en un ambiente de violencia y desigualdad social, en esta película se ven claras influencias del movimiento punk británico, con un nihilismo muy relevante (característica de los primeros punk). A partir de esta película se evidencia el movimiento punk en los jóvenes de la ciudad de Medellín.
Desde hace casi 10 años en Bogotá, muchas de las bandas que en un inicio contaban con una estética punk, pero sin una base política y de propuesta y acción, comenzaron a trabajar por lograr un movimiento de base, que aparte de la música, trabajara con las comunidades, del pueblo para el pueblo y llevara a su cotidianidad valores de libertad, igualdad, solidaridad, apoyo mutuo y autogestión, volcándose a transformar una puntual escena punk en Anarcopunk, lo cual demostró el gran compromiso que ha tomado el Movimiento Punk en Colombia.

España

Muchos españoles, estudiantes, descendientes de exiliados y emigrantes formaron parte de la movida punk londinense, como la batería de The Slits, Paloma Romero, Palmolive, que era malagueña.
En España, ya por 1976, la influencia punk aparece con La Banda Trapera del Río, grupo de Cornellá de Llobregat (Barcelona), pioneros del género en el país. Los grupos iniciadores de la movida madrileña empezaron a finales de los 70 con una actitud y musicalidad eminentemente punk. Hablamos especialmente del grupo Kaka de Luxe, verdadera semilla de la Movida, que posteriormente continuó su línea punk en sus dos escisiones: Alaska y los Pegamoides y Radio Futura. A partir de los años 1980 en adelante encontramos bandas que recogen influencias del punk, como Eskorbuto, Parálisis Permanente, Siniestro Total, TDeK, T.N.T., Larsen, Escorbuto Crónico, Seguridad Social, Parabellum, La Polla Records, Kortatu, Cicatriz, Las Vulpess, etc. La presencia del punk entonces siempre estuvo muy relacionada con el el Rock Radical Vasco, y la Movida madrileña de los años 1980, siendo estos movimientos la respuesta españolas al punk y al new wave británico.
En los años 90, con el resurgir comercial del punk en Estados Unidos, surgen muchas bandas haciéndose eco, en todos los subgéneros, desde Lendakaris Muertos y Nuevo Catecismo Católico, el pop punk de NoWayOut y Dikers, a la formación de nuevas bandas con viejos conocidos como Gatillazo, tras la separación en 2003 de La Polla Records. Bajo la influencia de los Ramones surgieron algunos grupos a principio de los años 90 de estilo "Ramoniano" como Shock Treatment, Fast Food o Depressing Claim entre otros. Desde el año 2000, donde muchos pensaban que llegaría el fin del mundo, en España siguen apareciendo nuevos grupos fusionando el Punk con Rock & Roll como Diesel Dogs, Guitar Mafia ó Middlefingers, entre decenas.

México

Una primera hornada de bandas mexicanas surgió en la capital, México, D.F., hacia 1978: Size, Salida Falsa y Dangerous Rhythm, bandas que procedían de la clase media. A partir de 1980 empezó a aparecer en dicha ciudad otra clase de bandas, arraigadas en el estrato social proletario, como Rebel'd Punk.El movimiento propiamente dicho empezó a comienzos de los años 1980 en la ciudad de Tijuana, en parte gracias a ser ciudad fronteriza con los Estados Unidos, con grupos como Solución Mortal (formados en 1981-1982) y Putrid Scum (formados en 1983). A mediados de los años 1980 surgieron en las zonas marginales de la Ciudad de México bandas como Catarsis Liberada, Atoxxxico y Massacre 68.
En los años 2000 el movimiento punk en México ha tomado un carácter cultural, se pueden apreciar en grandes bazares de cultura rockera dentro de los cuales es común encontrar gente punk comprometida y organizada difundiendo, intercambiando y/o vendiendo ropa y música. El punk mexicano en la actualidad está ligado con diversas ideas, desde el punk nihilista de los Ramones hasta el anarco-punk de los Pistols, géneros como el hardcore punk, punk rock, ska-punk han sido incorporados a las propuestas musicales de las bandas, hoy grupos como Oveja Negra, Desobediencia Civil, Fallas del Sistema, Síndrome Del Punk, Espécimen, Graffiti 3X, Vomito Nuclear, Polo Pepo, Krata, Garrobos, Desertor, Seguimos Perdiendo, Seis Pistos y Ramomex entre otros promueven el punk y el anarco-punk no sólo como música si no también como ideología y movimientos sociales organizados.

Perú

Desde la década de 1990, se ha reivindicado a Los Saicos como banda proto-punk, activa en 1964-1965. El punk propiamente dicho llegó en los años 1980 con grupos como Narcosis, Leusemia, Zcuela Cerrada,Autopsia y Guerrilla Urbana. De los 1990 destacan: PTK, 3 Al Hilo, Irreverentes, Generación Perdida, Morbo, Aeropajitas, Héroe Inocente y más. Para el 2000 el sonido neo punk (Happy punk) abandonando la ideología y poniéndose de moda imperaria con bandas como 6 Voltios, Terreviento, Diazepunk Rezaka, 40 Gramos, Tragokorto, Dalevuelta y más. Emo y hasta post- punk en piura, pero trujillo en este 2007 no se queda atrás y tiene a Radio Basuka y SOkrates, como bandas realmente de rockandroll con influencias clashistas y leusemicas.

Puerto Rico

El punk en Puerto Rico nació varios años atrás, con bandas excelentes como Da' pingaz y Los Lácteos ha tenido mucha decadencia en estos últimos años. entre sus bandas se encuentran: Juventud Crasa, Oberdebaigot, Tropiezo, La Experiencia, Diente Perro, LopoDrido, Necronazis, etc.

Uruguay

En Montevideo, las dos primeras bandas punk realmente influyentes fueron Los Traidores y los Estómagos. Estas bandas surgen en los primeros años post dictadura como arma para la divulgación del sentimiento de los jóvenes de la época. Existía ya por ese entonces, y continúa existiendo, una banda con actitud punk y sonido rockero que fue a la postre, influencia para la mayoría de los músicos actuales, y que se llama la Tabaré Riverock Banda, liderada e integrada siempre por Tabaré Rivero, que a pesar de sus infinitos cambios en la formación y sonido, mantuvo siempre la misma estética e ideología. Es por esos años que surge una banda con actitud punk llamada, La Chancha Francisca, que tenía un sonido con mezcla de varios ritmos y utilizaba instrumentos de viento. Hoy día, de esa banda quedan vestigios como su cantante y bateristas originales formando La Chancha, con un sonido mucho más punk. Tras la disolución de los Estómagos, hacia fines de los 80, se forma con Peluffo y Parodi (voz y guitarra de los estómagos) la banda Buitres después de la una.
Dentro del movimiento punk actual, se pueden diferenciar dos vertientes, una que se asemeja al punk vasco al estilo de La Polla Records, que lo integran bandas como Cambiá la Biblia, o Graffolitas (originaria del departamento de durazno) por citar los dos más claros ejemplos. Ambas bandas buscan compartir una forma de ver el mundo crítica, generadora de alternativas, con letras que para muchos suenan chocantes. Para muestra alcanza con el nombre del primer disco de Cambiá la Biblia llamado Algún Culo va a Sangrar. Y otra vertiente que está claramente influenciada por la ola de los Ramones que la lidera Trotsky Vengaran, y que la integran también bandas como Mandala, Cría Cuervos, Motosierra, o la Sangre de Veronika. En el hardcore melódico Nada que Hacer, es sin dudas la banda más conocida, teniendo buena repercusión fuera de fronteras. Fuera de Montevideo, las bandas de punk rock no abundan, pero nacen y existen en la penumbra, algunos ejemplos son, Harry de pando, en Mercedes la banda Yauguru. Las mas under en el momento son Deskartable con influencias de Dos Minutos, Trotsky Vengaran y The Ramones. También está La Viuda con mucha influencia pop de bandas como blink-182 y Yellowcard.

Venezuela

Venezuela vio surgir el punk local a partir de la banda Seguridad Nacional en 1979. A principios de los años 1980 aparecen Sentimiento Muerto (la banda más importante del punk venezolano), Venezuela Hardcore y Primero Venezuela dando el inicio a este género.
Hoy en día en Venezuela la movida punk se ha visto muy influenciada por las bandas españolas y argentinas; igualmente se puede observar que los toques son en su mayoría de Hard-Core y punk OI!. Hoy en día se intenta renacer el Punk Rock vieja escuela. Es importante señalar también que la mayoría del Hard-Core venezolano esta muy ligado al Metal-core.
Las bandas más importantes en Venezuela en los momentos son: Reciclaje, Analitika, Doña Maldad, NADA, Loa Calvos, Los Mentas, No habrá Futuro, Biophobia, 100 pa la botella, @apatía no, Los Vicios, Los Javelins, Stuproi, Camuflaje, Extrema Realidad, Zikotikos Armados, etc.

Ecuador

Rock Ecuatoriano: A finales de los 80, en Guayaquil, se forma la banda de punk Los Descontrolados, siendo los primeros en su género en Ecuador, con muy poca proyección y duración. En inicios de los 90, se juntaron amigos de un colegio de Guayaquil y formaron la banda NoToken que se consagró como la primera banda de punk de Ecuador en proyectarse en circuitos undergrounds, fuera de su país de origen. Otras bandas de similar experiencia han sido Mortal Decisión, Kaos, Retaque.
Por otro lado la UniónPunk es un movimiento juvenil formado en mayo de 1998 por bandas independientes guayaquileñas influenciadas en la corriente new school del punk melódico norteamericano y el skate punk. Actualmente estos circuitos punk continúan y contienen cierto nivel contestatario ante las situaciones socio-políticas.

Fuente: Wikipedia